Les avis de - Shaddam4

Cet album est le premier de la série Marvel NOW!, que je rattrape album après album avec toujours autant de plaisir. Étant très méfiant envers les multiples reboot, relaunch etc de Marvel, je constate simplement que les dessinateurs de cette collection sont globalement excellents (cela m'a permis depuis plusieurs années de découvrir de petits scribouillards comme Esad Ribic, Stuart Immonen ou Sara Pichelli...) et les scénarios s’accommodent très bien du cahier des charges éditorial pour proposer des aventures rafraichissantes pour le lecteur occasionnel de comics que je suis. Simplement, les choix de couvertures et de présentation de l'éditeur Pannini brouillent toujours autant la compréhension des suites et collections. Le mieux est donc de se reporter sur les fiches BDgest qui permettent de distinguer les séries homonymes par années notamment. J'ai découvert le personnage de Miles Morales, le nouveau spider-man afro-latino dont l'idée a été inspirée à Bendis par l'élection de Barack Obama dans le film Into the Spider-verse. Cet album très sympathique se déroule après l'arrivée de Morales dans l'univers commun, où il y a donc désormais deux spider-man. On constate que le MCU a fusionné le personnage de Moralès avec Peter Parker notamment dans ses relations avec son pote. Ce volume est assez surprenant car il présente des X-men comme parcourant ouvertement le monde, fait des allusions aux événements des Inhumains.Un plutôt bon album très agréable à lire et assez didactique. Je n'irais pas jusqu'à dire qu'il peut constituer une entrée en matière mais le lecteur occasionnel de Marvel y trouvera son compte.

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La couverture hautement énigmatique ne nous dit pas si l'on a affaire à un délire sur le Loch Ness ou sur Internet mais donne bien envie d'ouvrir l'album, avec ses tons bleus que semble apprécier l'auteur. Ce dernier a inséré en début et fin d'ouvrage différents textes humoristiques présentant les avertissements "légaux" avant de lire l'album ou un florilège de pages web absurdes illustrant son propos sur Twi(s)tter. De petits bonus qui ne vont pas jusqu'au cahier graphique ou dossier mais sont bien agréables et prolongent l'immersion. Ça mets en bouche et j'aime ça.

Doug MacMurdock vit seul sa maison au bord d'un Loch écossais. Il est misanthrope et photographe amateur en mal de reconnaissance. Le jour où il décide de publier sur le réseau social Twister le cliché improbable d'une créature inconnue son monde bascule dans le grand maelstrom d'un monde médiatique en effervescence...

J'ai découvert Bruno Duhamel sur Le retour, formidable biographie d'un artiste fictif revenant sur son île natale de Santorin. J'ai prolongé le plaisir sur son précédent album Jamais, jouissive rébellion d'une vieille aveugle refusant de quitter sa maison sur le poinds de effondrer avec la falaise... Avec cet auteur on est en terrain connu et l'on retrouve avec son Doug le même caractère bien trempé, un peu anarchiste, un peu violent, à la répartie cinglante et aussi prompt à se mettre dans la crotte que de conspuer les bassesses du genre humain. Certains auteurs nous lassent en donnant l'impression de recycler leur concept thématique et graphique; ce n'est pas (encore) le cas de Duhamel, notamment par-ce que sa passion se ressent à la lecture, avec une énergie que seul un Wilfried Lupano transmet aussi bien dans ses BD. J'avais déjà fait le lien entre les deux auteurs sur le personnage de Madeleine dans le précédent album et ici on prolonge cette proximité d'univers comme jamais: radicalité du personnage, trognes poilantes (le militaire cerné, j'adore!), propos politique subversif... les deux auteurs sont assurément cousins!

Graphiquement c'est très maîtrisé. Son style, issu du dessin d'humour, a évolué depuis quelques albums en s'affinant doucement vers plus de réalisme. S'il aime toujours autant nous pondre des trognes et regards très expressifs, tout est précisément dessiné, premiers comme arrières-plans avec un soucis du détail remarquable et des couleurs vraiment agréables. Duhamel est en outre un excellent scénariste qui gère son découpage très efficacement en jouant sur les césures de case, de page et ellipses qui accentuent les scènes drôles. Il semble tenir à se référer aux bibles de la BD d'humour puisque après le poissonnier d'Asterix dans Jamais, il nous introduit une scène de lama cracheur directement issue de Tintin.

Duhamel est totalement dans le comique de situation, qui fonctionne absolument sur les deux premiers tiers de l'album. Dès que le héros disparaît pour nous montrer les conséquences de sa publication sur Twister on perd un peu l'effet comique pour quelque chose de plus attendu avec l'hystérie collective qui prends les différents groupes militants, avec un message plus ciblé sur Twitter. Du coup, si l'on comprend la nécessité de rentrer dans le cœur de son propos la machinerie comique se grippe un peu, ce qui m'empêche de laisser le cinquième calvin de notation que j'envisageais un long moment. On n'est donc pas loin du chef d'oeuvre sur la première partie, grâce à une succession de scuds verbaux et la constance du personnage à assumer son radicalisme. Si vous adorez le Pierrot des Vieux fourneaux précipitez-vous en écosse pour tâter la barbe de Doug. Si Madeleine est sa sœur, Doug est son fils spirituel!

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Cornélius n'est pas le type d'éditeur que je suis. Proche de l'Association et du Requin Marteau, ce petit éditeur édite des BD d'auteurs alternatifs avec une ligne graphique de contraintes chromatiques qu'illustre très bien Les intrus. Très attaché au dessin, ce style (qu'on peut retrouver chez Shiga, Trondheim, Crumb, Blutch,...) m'attire généralement peu, mais le trait de Tomine sur certaines sections, proches de la ligne claire ou des dessins plats que peut utiliser un Adam Hughes m'ont donné envie de le découvrir. Cet album a été emprunté en médiathèque. Il a été sélectionné au festival d'Angoulême, il s'agit du septième recueil publié en France. Tomine est dessinateur de presse et édite un magazine BD, Optic Nerve, donc sont issues les histoires publiées par Cornelius.

Adrian Tomine nous propose six histoires sur les vies médiocres d'américains moyens, tantôt aspirant à un destin d'artiste, tantôt perdus dans un couple mal assorti... Des tranches de vie dépressives sur l'Amérique d'aujourd'hui.

La couverture de ce recueil m'a beaucoup plu avec un design élégant reflétant un peu l'esprit sérigraphie. Le style des six histoires est très différent, entre une première aux textures tramées, celle en quasi noir-et blanc et l'histoire de l'humoriste en gaufrier au dessin d'un trait fin et élégant. Ce qui est certain c'est que le nipo-américain a une vraie facilité de trait et que son dessin est fort maîtrisé, malgré les séquences minimalistes qui empruntent (surtout pour la première histoire du jardinier, la plus drôle) au strip de presse avec des successions de séquences fixes en peu de vignettes. Si cette variété des styles peut déconcerter, elle permet de découvrir les palettes d'un auteur représentatif d'une école graphique et artistique loin des blockbusters du Big Two ou même des comics indépendants made in Image.

J'avoue que le traitement des sujets m'a en revanche un peu déprimé. L'auteur nous propose des vies médiocres, de personnes en difficulté relationnelle, professionnelle, sociale et à l'opposé de l'idéal américain de personnes qui se remontent les manches et réussissent par l'effort. De l'effort il y en a avec le jardinier, la jeune Stand-upeuse qui se donnent les moyens de réussir leur passion et parfois même sont soutenus par leur famille. Mais inlassablement ils échouent tout simplement car ils sont mauvais, médiocres, s'enfoncent dans les mauvais choix. Une vision très triste de l'humanité qui me plaît que moyennement.

L'histoire la plus intéressante est celle de cette étudiante dont la vie bascule lorsqu'elle réalise qu'elle est le sosie d'une star du web X... Sans aucune prise sur ce que pensent les gens d'elle elle comprend que toutes les relations qu'elle entreprendra seront issues de sa ressemblance. Une prédestination très dure mais la jeune fille fait ce qu'il faut pour se sortir de cette situation, jusqu'à rencontrer la personne à l'origine de ses problèmes. Une belle histoire sur les relations humaines d'où sort du positif.

Tomine parle aussi de lui, au travers de cet étonnant récit du voyage de sa mère du Japon vers les Etats-Unis vu à la première personne, permettant des sortes de Haïkus graphiques... Cet album n'est pas destiné à tout public mais permettra aux curieux de connaître les différentes formes de BD et notamment aux amateurs de strip de découvrir un auteur très représentatif du milieu culturel et intellectuel américain d'aujourd'hui.

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Cet album marque la sixième collaboration de Hermann avec la collection Signé sur un scénario de son fils. Il coïncide avec la remise au dessinateur du Grand Prix d'Angoulême pour l'ensemble de son œuvre. J'aime le format des albums Signé dont le projet était à l’origine de proposer des auteurs reconnus sur un one-shot, une sorte de Hall of Fame de la BD. Lorsque l'on voit aujourd'hui la composition du catalogue, de plus en plus d'histoires se déclinent en plusieurs volumes et les auteurs avec trois, quatre ou cinq albums dans la collection ne sont désormais pas rares. Je trouve que cela pervertie l'objet de cette collection qui se voulait d'exception et c'est dommage. Les collaborations du duo Hermann notamment, qui semblent composer une sous-collection, me pose problème, avec un manque de sélection manifeste de l'éditeur (j'ai en souvenir le catastrophique Station 16)... Pour se recentrer sur cet album proprement dit, il est de bonne facture, avec une jolie couverture intéressante, la  bio et biblio habituelle des auteurs et une post-face de quatre pages reprenant des témoignages sur l'époque un rappel historique de la ségrégation raciale aux Etats-Unis, croquis préparatoires et photos assez crues de lynchages.

Old pa est vieux et noir. Dans le sud des Etats-Unis cela laisse peu de possibilités. Lorsque sa femme décède il apprend que quelqu'un peut lui apporter des informations sur l'enlèvement de sa petite fille il y a des années, événements qui a brisé sa vie. Il n'a plus rien à perdre et est bien décidé à se faire vengeance...

Comme avec beaucoup d'auteurs se sa génération j’entretiens une relation de méfiance avec les albums de Hermann. Vieux routier de la BD avec une production phénoménale et un plaisir toujours manifeste de réaliser ses albums, le belge propose à la fois une maîtrise du récit et du découpage prodigieuse, une technique de colorisation indéniable, mais également une habitude à utiliser des couleurs et textures très sombres et de grosses lacunes techniques qui ne disparaîtrons certainement jamais. Un peu comme pour Yslaire, je reproche à ces autodidactes de ne pas travailler leur technique comparé à certains jeunes dont les progrès entre chaque album sont souvent impressionnants. Avec l'un comme l'autre les dessins de 1980 et ceux de 2019 n'ont pas bougé.... Quand à Yves H, je suis également réservé, ayant lu certains de leurs bons albums quand d'autres sont marqué de grandes faiblesses de récit.

Malgré cela j'ai toujours l'envie de lire un album de Hermann, notamment grâce à ses couvertures toujours réussies et qui sont de vrais appels à ouvrir l'album. Surtout car ses choix thématiques radicaux sur des sujets lourds et souvent très politiques me plaisent beaucoup. Le bonhomme rentre dans le tas, dit ce qu'il a à dire, dénonce sans détours et cela fait du bien. C'est tout cela qu'est Old Pa Anderson. Album lu rapidement, avec peu de textes et beaucoup de scènes nocturnes, il peut se comparer au film d'Arthur Penn La poursuite impitoyable, montrant le fonctionnement du Sud profond US avec des shérifs qui tentent de faire appliquer une loi bien lointaine pour une population bien attachée à ses traditions de lynchages et de racisme. Un petit soucis dans l'album repose (comme souvent chez Hermann) dans la difficulté de distinguer certains visages. Avec quelques aller-retours entre maintenant et le passé Yves H a l'intelligence d'utiliser ce flou dans sa construction, laissant parfois le doute sur l'époque visitée et le shérif concerné.

Histoire simple, linéaire, à l'aboutissement inéluctable et brutal, Old Pa Anderson est percutant par son propos, sa description sans détours d'une époque atroce, pas très ancienne, où les blancs disposaient de la vie des noirs de façon sans doute plus légère encore qu'au temps de l'esclavage où ceux-ci constituaient un bien matériel pour leur propriétaire. Le monde dépeint par les Hermann est toujours bien glauque, celui des bas-fonds de l'âme humaine où même entre gens de couleur on ne s'aide que contraint, on est lâche et soumis à de basses pulsions. La dernière odyssée d'Old Pa Anderson n'est finalement qu'une parenthèse dans la monotonie de ce Sud où le viol, le meurtre, le vol des noirs est la norme. Un album coup de poing dont le cahier final rappel que rien n'y est exagéré, comme un triste écho à l'actualité intérieure de l'Oncle Sam...

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Le titre de ce volume annonce la couleur avec l'éveil de Son Goku! Avec un Jiren qui semble invincible et des Sayan d'un univers 6 étonnant, les auteurs savent ménager un vrai suspens dans un arc qui ne s'y prête guère puisqu'il s'agit d'un Battle Royal où on imagine que Goku gagnera à la fin. Ce qui marche bien ici c'est de savoir dans quel nouvel état le héros parviendra à vaincre certains personnages qui semblent imbattables. Contrairement aux autres grands combats de l'univers DBZ le fait d'alterner entre des dizaines de combattants tous plus originaux (et qui donnent envie de les voir déclinés dans des séries parallèles tant leur design est réussi) permet de maintenir un attrait que les Kaméha et autres cassages de murs pourraient lasser. Le prochain volume terminera cet arc (alors qu'il ne reste plus que deux univers!) et annonce le retour de Jaco et la patrouille galactique. Excellente nouvelle!

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Le design guerrier, le thème des immortels et le design de couverture associés à un très bon bouche à oreille m'avaient donné très envie de lire ce volume... qui, je dois l'avouer m'a pas mal déçu. Ceci principalement du fait de dessins qui peuvent rappeler ceux des pourtant bons Shipwreck et Moonshine et dont j'aime généralement le style d'encrages très contrastés, mais qui ici pèchent franchement par une technique des visages et des personnages en général. On ne peut pas dire que ces cadrages serrés soient agréables à l’œil alors que la BD porte essentiellement sur ces personnages. Je ne sais si c'est un style recherché ou si le dessinateur atteint ses limites mais c'est très dommageable à la lecture de cette histoire d'un commando immortel trahi par son commanditaire. On retrouve pas mal de Eternal Warrior et Ninjak de chez Valiant dans cet album qui semble être fait pour être décliné en film ou série TV. Une BD d'action, de sang où la Vieille garde en prend plein la tronche et où Greg Rucka (qui aime les immortels!) sait apporter des éléments originaux. Un peu frustrant, The old Guard pourra vous satisfaire si vous n'attachez pas trop d'importance aux dessins, sinon je vous conseille d'attendre la version Netflix qui sera très probablement une grande réussite avec un tel matériau.

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L'opération 48h BD qui nous avait permis de découvrir cette série est décidément l'occasion de vraies trouvailles tant ce second volume confirme amplement les qualités et l'ambition du premier. Avec la réserve que justement on irait presque vers de la BD ado-adulte à la Lanfeust tant les thématiques et la complexité des noms et des péripéties politiques sont moyennement adaptés à de jeunes lecteurs. La carte en deuxième de couverture présente l'itinéraire de la bande sur les albums précédents et en troisième de couverture elle montre la progression de l'album lu. Très jolie carte très utile pour suivre l'intrigue, surtout que certaines ellipses sont un peu abruptes (le passage des lotophages à Charybde et Sylla par exemple... qui montre la difficulté à suivre le cahier des charges des étapes de l'odyssée tout en tenant dans un format d'album). Un résumé en forme de mosaïque (très esthétique également) prends les trois premières pages.

Comme l'ont dit les enfants, les thématiques politiques, féministe, sont assez étonnantes pour un album jeunesse, alors que par ailleurs les personnages sont tout en décalage avec leur milieu d'origine (Personne et anthropophagisme), procédé fréquent lorsqu'on s'adresse à un public jeune. Si l'intrigue de Télémaque est plus linéaire ici que dans le précédent volume, le développement du conflit entre Cités est un peu ardu à suivre du fait de la multiplicité des noms grecs et des liens diplomatiques. Je suis un peu circonspect sur l’attelage des deux intrigues mais laissons aux auteurs le temps de justifier cela.

Le passage dans l'Hadès est asses fascinant tant le découpage est sophistiqué et intelligent. J'ai rarement vu cela hormis chez un Ledroit ou dans certains comics. Cette séquence majeure confirme l'ambition visuelle d'un dessinateur vraiment très fort et en totale maîtrise de ses planches et que Télémaque est, contrairement à ce que son pitch pouvait laisser penser, une des séries ado majeure du moment. De très grandes qualités qui en font une série à suivre assurément pour peu que la mythologie grecque ne vous rebute pas.

A partir de 12 ans.

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Quand j'ai appris qu'une ribambelle d'adaptations de mangas des années 70-80 allait être lancée par des auteurs franco-belges, comme beaucoup d'entre vous mon cerveau s'est mis en pause et je me suis précipité sur cet Albator par l'auteur des Mythics. On parle ici du Albator 78 avec le vaisseau bleu. Tout d'abord je précise qu'il s'agit ici d'un ouvrage résolument jeunesse, qui contrairement à nombre de séries qui peuvent plaire à différents ages, se destine avant tout aux plus jeunes et aux fanatiques de la première heure du personnage. La fidélité au matériau d'origine, tant dans le design des personnages que dans l'esprit du récit est totale et validée par le maître Leiji Matsumoto, l'auteur d'origine. La colorisation impeccable nous donne l'impression de lire un Anime comic alors que l'on est bien dans une création originale. On sent que l'auteur s'est fait plaisir avec un très grand sérieux pour pour proposer cette histoire d'armada Sylvidre (des extra-terrestres humanoïdes semi végétales) revenant sur Terre alors qu'une période glaciaire enserre la planète dont les dirigeants corrompus ne gèrent pas grand chose. L'album reprend des éléments désuets de l'Anime et la simplicité de l'intrigue comme des personnages laissera les lecteurs adultes sur leur faim. Pour peu que l'on ne se soit donc pas trompé de cible, ce premier volume d'un triptyque remplit donc totalement son objectif et permettra aux enfants de la génération club-Dorothée de faire découvrir cet univers fascinant à leurs jeunes enfants.

A partir de 7 ans.

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Première lecture de ces deux auteurs, dont le scénariste est l'auteur du fameux Grand Mort avec Régis Loisel, que je n'ai pas encore lu mais qui est prévu tant on en dit du bien. Le nom de l'auteur de Peter Pan sort comme une évidence tant le dessinateur semble également s'inspirer directement du style du grand auteur, malgré un univers bien éloigné de celui de Loisel. J'ai été attiré par une couverture fort réussie qui laisse envisager une BD d'aviation avec une femme pilote noire dans les années 50. C'est partiellement le cas et dès le début on est plongé dans la seconde guerre mondiale au sein de l'escadrille noire des Red tails, dont l'Amérique parle pas mal depuis quelques temps. De premières planches d'aviation militaire comme les fait si bien Romain Huguault (et j'adore ça!)... qui basculent rapidement dans l'histoire familiale teintée de ségrégation raciale. La fille d'un des pilotes, quelques années après la fin de la guerre, est formée au pilotage et part à la recherche de son père dont elle soupçonne qu'il n'est peut-être pas mort. Un périple qui l'emmène, jeune femme noire, seule dans une Europe marquée par l'emprise des mafias et trafics en tous genres. Il ressort de cette BD une impression plutôt positive avec une envie communicative d'auteurs qui croient dans leur projet. Les dessins sont correctes avec une excellente colorisation qui gomme les quelques défauts, le scénario qui alterne entre récit du journal du paternel et action est efficace avec des dialogues et personnages réussis. L'héroïne manque peut-être un peu de caractère pour nous emmener réellement derrière elle et l'histoire ne nous montre pas suffisamment où l'on va entre les premières planches d'aviation pure très réussies, les séquences avec les trafiquants et le récit familial. A suivre donc, cet album qui se cherche encore et qui se révélera sans doute au prochain épisode.

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Steinkis fait partie des éditeurs qui publient peu mais bien, avec un vrai boulot sur l'objet livre. Mes critiques des albums de cet éditeurs sont généralement en rubrique BD Docu, ce qui explique le contenu additionnel qui permet de prolonger le thème traité par la BD. On en apprend beaucoup sur un sujet finalement peu connu hormis la musique Hip-Hop en elle-même. L'ouvrage contient en fin d'album un épais lexique détaillé sur des personnes, évènements ou termes "techniques" de la culture Hip-Hop ainsi qu'une biblio-musicographie. Comme d'habitude chez l'éditeur, ce travail très complet fait beaucoup pour la qualité globale de l'album. La couverture est, enfin, très réussie, à la fois attirante visuellement, fidèle à l'esprit de l'album et imaginative avec ce disque Vinyle évoqué. L'album a été réalisé à quatre mains scénario/dessins.

A la fin des années soixante, le Bronx est un ghetto de noirs pauvres au nord de Manhattan. On sait que c'est dans cette ville new-yorkaise que naissent le Rap et le Hip-Hop. Au travers de la jeunesse de deux jeunes frères, Marcus et Aaron qui se créent une identité et une appartenance l'un avec le Break-dance l'autre avec le Graf, c'est la genèse d'un des mouvements culturels les plus puissants du XX° siècle qui nous est proposé de découvrir.

Toutes les époques de l'histoire américaine ne sont pas également intéressantes. A l'heure d'un revival 80's on constate le plus souvent que cette décennie est l'aboutissement des dix années précédentes où ce pays, des campus élitistes universitaires aux ghettos noirs, sort de ses fondements violents et racistes pour voir naître de véritables cultures modernes, urbaines. Si les noirs du sud avaient le blues qui leur permettait de vivre leur identité de peuple au travers bien souvent de la religion, les jeunes désœuvrés des villes étaient loin de ces anciens et la plupart du temps vivaient dans un monde de violence, de crimes, de délinquance. C'est le cas des deux héros de ce superbe album très inspiré de Florian Ledoux et Cedric Liano pour l'une de leurs premières publications BD, d'une maturité graphique et thématique remarquables.

Florian Ledoux est graffeur et spécialiste de la culture Hip-Hop. Sa très bonne connaissance de ce mouvement lui permet de dresser une description progressive, historique, de la naissance de ce que l'on connaît par des artistes mais sans avoir conscience du puzzle général. L'itinéraire à la première personne de ses deux frères va nous immerger au cœur de ce bouillonnement très localisé où l'on comprend qu'un contexte général (le racisme, l'incurie des autorités municipales et policières) voit naître quelque chose de gigantesque qui au départ n'était que la volonté de jeunes noirs de s'en sortir hors du crime en revendiquant une fierté raciale et communautaire. C'est cela la culture, une appartenance. On retrouve un peu des éléments qui faisaient la réussite du précédent ouvrage de l'éditeur, Redbone. Ainsi l'aîné va commencer comme membre d'un des gang noir qui faisaient la loi et la structuration (par l'entraide autant que le trafic) du Bronx dans les années soixante-dix en remplaçant une municipalité totalement absente. On effleure le mouvement musical des clubs disco qui touche toutes les villes et où les noirs avec leur technique de Break-dance éprouvée dans les soirées DJ sauvages des rues vont être utilisés comme danseurs et comprendre qu'ils peuvent gagner de l'argent hors des gangs. Cette évolution est passionnante car l'on suit parfaitement cet itinéraire d'un jeune homme fier hors d'un mouvement ce revendication raciale mais qui en est conscient. Comme souvent dans les Ghettos c'est l'obligation de se construire sa propre organisation, sa propre culture qui va créer quelque chose.

La présence du lexique conséquent en fin d'album permet d'éviter un scénario trop explicatif et les auteurs peuvent ainsi utiliser ce background pour réaliser une bonne histoire de famille. Car les deux personnages et leur mère (jeune femme qui galère dans des petits boulots en essayant de protéger ses fils de la misère et du crime) sont attachants. Notamment la relation des deux frères, l'aîné protégeant le petit tout en l'introduisant dans ce bouillonnement de fêtes en bordure de la légalité. Aaron deviendra graffeur, activité identitaire par excellence, avec ses règles, sa fierté affichée: lorsqu'il explique la portée d'un Whole train (le fait de graffer toute une rame de métro) qui va voir son nom de graffeur parcourir tout New-York jusqu'à Wall Street et les quartiers blancs riches on comprend l'importance du Hip-Hop comme marqueur d'existence d'une minorité ignorée. On évoque également James Brown par son apport de fierté majeur, la tentative de la Nation of Islam d'utiliser le mouvement mais aussi le rôle des premiers DJ jamaïcains pour lancer ces Sound-systems de rue...

La partie graphique de Break est surprenante de maturité, notamment dans la colorisation et le découpage. Les deux auteurs utilisent un concept très efficace: l'album est en monochrome gris (très élégant) et voit apparaître des éléments de couleur chaque fois que le Hip-Hop apparaît. Ce peut être un danseur, un DJ, de la musique, un graff. C'est d'abord très beau visuellement et permet d'ajouter un sous-texte aux planches. De même les quelques scènes de danse (que les auteurs ont l'intelligence de ne pas surmultiplier) prennent l'aspect de combats à la mode manga, avec des déformations qui permettent de comprendre le mouvement, la vitesse. Enfin le découpage varié et dynamique rend la lecture extrêmement agréable, esthétique, visuelle. D'excellents dessinateurs que je ne connaissais pas et qu'il faudra suivre assurément, notamment via la participation de Cedric Liano à la revue XXI.

Il ressort de ce gros volume qui se lit d'une traite un sentiment de plénitude que l'on ne trouve pas si souvent dans une BD à l'aspect documentaire, le fait de parvenir tout à la fois à un bel album BD en tant que tel tout en apprenant énormément sur cette culture et l'envie de prolonger notre documentation. Pour ceux qui ont aimé le film Spiderman into the spiderverse avec son influence Hip-Hop je conseille vivement cet album qui permet à un public pas nécessairement fana de musique de découvrir un univers et de comprendre un peu mieux des éléments majeurs du cinéma et de la culture américaine.

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Je suis un grand fan de Masakazu Katsura, un des premiers mangaka, que j'ai découvert au travers de DNA2 à l'époque où l'éditeur-libraire Tonkam se lançait en premier (avec Glénat) dans l'aventure du Manga en France... Il est pour moi l'un des meilleurs dessinateurs japonais et si j'ai finalement lu peu de ses séries, j'avais depuis longtemps très envie de lire ce Zetman originellement issu de short-stories parues en 1997. La série a depuis été transcrite en dessin-animé.

Jin est un jeune orphelin vivant avec les sans abri. Élevé par son "grand-père" il est doté d'une force peu commune et s'occupe en défendant les gens contre les bandits. Lorsqu'une étrange créature non-humaine tue son grand-père, le naïf petit garçon se retrouve propulsé dans un univers violent où une étrange organisation semble le rechercher activement...

Je ne reviens pas sur les dessins vraiment chouettes, les nombreux tics et auto-références de l'auteur (la série animée Wingman qui l'a lancé, les petites culottes, les cheveu en pétard,...). Zetman commence vraiment bien avec un premier volume déjà plein d'action, de mystère fantastique un peu gore (la série est annoncée "mature") et des personnages intéressants. L'auteur lance de nombreuses pistes qui ont vocation à se développer et nous mènent vers des expériences scientifiques monstrueuses liées à un enfant qui semble être un être doté de capacités hors norme. Ça va a cent à l'heures avec force cliffhangers entre les douze chapitres du volume avec pour objectif une première crise qui sort le héros de son état naïf initial pour l'emmener vers le statut de super-héros. Très riche mise en bouche qui donne envie d'enchaîner cette série finie à la taille maîtrisée.

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Je poursuis la série Marvel NOW! des All-new X-men entamée par Brian Michael Bendis et Stuart Immonen au dessin qui m'avait fait forte impression sur les trois premiers volumes. L'écriture des premiers et les somptueux dessins d'Immonen se retrouvent partiellement dans cet affrontement entre X-men d'hier, de maintenant et du futur bien que l'équipe créative ait grossie: si les dialogues sont toujours très savoureux et le découpage, avec de nombreuses doubles pages, percutant, l'histoire tourne un peu en rond avec ces interminables interrogations de qui est qui, faut-il renvoyer Jean et Cyclope à leur époque contre leur gré et que font-ils ici?... Même chose pour les dessins, parfois superbes (Immonen toujours sur les quelques planches qu'il réalise, Bachalo étonnant) mais pour l'essentiel moyens (y compris sur les quelques planches de la bataille finale dessinées par Esad Ribic un peu en service minimum sur ce coup, Frank Cho pas très à l'aise dans l'univers super-héroïque). C'est dommage car sur le papier on a quand-même une sacrée dream-team, mais le concept semble s’essouffler et viser surtout les quelques pleines pages d'offensive collective X-men dont sont friands les fans et les dessinateurs. A noter tout de même le superbe design général des versions des X-men et notamment cette Xorg à la tête de mort, terriblement originale et réussie. On ne sait pas si cet arc est une transition vers quelque chose de plus grand mais malgré un plaisir certain entrecoupé de longueurs, on a le sentiment que la série aurait pu s'arrêter aux trois premiers, cohérents en tant que tels.

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Après la Colombie et le Canada, la plus bourrine et tarée des Vigilante débarque à Rome pour botter des culs et trancher des têtes! Le relaunch de la série initiée par Mark Millar va ainsi voyager avec une équipe différentes pour chaque one-shot. Si le premier volume était loin d'être inoubliable, notamment par son côté sadique un peu poussé, ici on reste dans les canons du personnage (à savoir de l'action brutale à base d'un mort par page et un langage très fleuri de la demoiselle) mais la course-poursuite initiée avec une sorte de Catwoman permet des scénettes drôles et plus structurées. On ne va pas se mentir, Hit-Girl ce n'est pas de la poésie ni Usual Suspects. C'est une lecture rapide, de la baston, super bien dessinée (par un Raphael Albuquerque qui prépare la série Prodigy avec Millar) avec des étoiles qui donnent un aspect cartoon... et des découpages de méchants bien sanglants! Ici les affreux sont une mafia de religieux timbrés, nonnes et moines en robes de bure armés d'Uzi et de masses d'armes, commandés par une vieille peau aussi psychopathe que bigotte, à la recherche d'une relique. Le cliché italien est assumé, le personnage est toujours aussi foutraque et primaire mais l'ensemble est très sympathique dans le genre, notamment grâce aux dessins (bien que les décors soient assez vides). Du coup on attend la suite, surtout que des pointures sont annoncées aux crayons...

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Ce second volume est très différent, beaucoup plus action que le premier et je l'ai trouvé plus intéressant pour quelqu'un de pas super passionné par les émissions de cuisine. L'histoire se découpe en deux parties: la participation au Cannibal Coliseum avec la très drôle P'tite Magicorne (imaginez un Petit Poney aux yeux étoilés et... psychopathe!) et le retour surprise pour la finale du SBL où tout va aller de travers. La fuite de Péony est un peu en mode n'importe quoi (on retrouve l'esprit de Volcano Trash à ce moment) mais l'action défile et reste efficace. L'auteure arrive à nous surprendre à de nombreuses reprises et c'est ce qui rend ce volume supérieur au précédent. Si le méchant est repérable depuis le début et qu'on se doute qu'il est derrière l'enlèvement de Péony, ses actions sont toujours subtilement machiavéliques et manipulatrices? Du coup on ne peut se douter du déroulement de la finale (dans une sorte de moule géant et en apesanteur) et encore moins du vainqueur. Deux éléments sont également surprenants et bien vus dans un album jeunesse: un certain côté gore très drôle pendant le Cannibal Coliseum et l'histoire d'amour homosexuelle entre Péony et Neptunia. Souvent ce genre de thème est évoqué sous le couvert de la grande amitié. Ici un bisou langoureux ne laisse pas de doute. J'aime bien que l'on aborde des sujets très contemporains sans sourciller dans des ouvrages pour les enfants, qui sont généralement plus ouverts à la différence et l'inconnu que les grands. Ce n'est absolument pas un thème central mais un élément des relations entre personnages avec une approche tout à fait normale.

Ce diptyque se termine de manière très sympa

Lire sur le blog avec la lecture croisé parent/enfant:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/07/14/space-battle-lunchtime-2

Cette critique porte sur le premier cycle (3 premiers tomes) de cette série.

Comme à son habitude Daniel Maghen propose avec cette série SF une édition de grande qualité, voir luxueuse. Chaque album, grand format avec papier épais, propose un cahier graphique de seize pages très complet, comportant croquis, pages encrées et explications sur l'univers. Je le dis souvent, tous les éditeurs devraient proposer en standard pour ce prix (moins de vingt euros) de telles éditions augmentées. Les couvertures de ce premier cycle (achevé) sont très jolies, illustratives et inspirantes. Rien à reprocher, un Calvin pour l'édition.

Mandor n'a pas de souvenirs. Il est un être neuf hormis cet étrange tatouage sur l'épaule. Après avoir été découvert dans une tombe par le jeune Pip, il découvre ce monde aride où la vie semble s'être organisée autour du village fortifié de Bas Courtil. Il apprend le langage et les plaisirs de la vie et commence à poser des questions que personne ne posait. Où est-on? Qu'est-ce que TER? Pour cela il va entamer un voyage vers le nord avec ses compagnons...

Ne connaissant aucun des deux auteurs de cette série je découvre tout à la fois un style d'imaginaire (une version de l'exploration dans un univers de science-fiction teinté d'ethnographie) et un trait, assez classique en hachures (on est proche du Vicomte de Sasmira) et très technique. Le côté visuel rappelle les BD Glénat des années quatre-vingt-quatre-vingt-dix.

Très surprenante, cette série commence sur la découverte d'un monde avec sa technologie rétro-futuriste, son organisation sociale effleurée et très vite (dès la fin du tome un) bascule dans de la SF beaucoup plus classique lorsqu'est découvert le vaisseau. La suite nous décrit l'itinérance des héros dans les gigantesques couloirs de ce monde de métal déchiré par une guerre civile entre deux factions. On est donc surpris par la grande rapidité avec laquelle le récit évolue et change radicalement d'univers, de thématiques. Un peut trop sans doute pour un projet basé sur la découverte de mondes cohérents, on aurait aimé prendre plus le temps de découvrir chaque environnement rencontré, ce qui aurait sans doute nécessité des albums de quatre-vingt pages au lieu de cinquante...

De façon très cohérente avec leur objet, les dessins d'immenses décors architecturaux sont la grande force de cette série, le dessinateur se faisant de toute évidence plaisir à inventer un monde que le scénariste a construit de façon très poussée (bien qu'à peine effleuré dans la narration), comme le montrent les cahiers graphiques à la fois composés de planches avant colorisation (et superbes!), de recherches graphiques sur les personnages et d'éléments de l'univers qui donnent de la substance au scénario. Je le dis très souvent, ce qui solidifie une histoire c'est le hors champ, ce qui est à peine évoqué, un objet ou un costume dans un coin de l'image dont on ne sait rien mais que les auteurs ont placé là pour une bonne raison. Ici tout semble pensé et avoir une justification et le lecteur ressent alors ce monde bien au-delà des seuls dessins. Sur ce point le projet est une vraie réussite. Je tiquerais juste sur l'idée un peu saugrenue expliquant le monde du tome un et qui fait perdre en crédibilité l'intrigue. Passons...

Les personnages son un peu moins impressionnants que les décors (probablement en raison de la technique très classique de Dubois, qui peut rappeler Serpieri ou le Bourgeon de Cyann). Ils sont en outre peut-être un peu légers: hormis le héros qui apporte une certaine tendresse par sa naïveté, chacun est défini par une seule idée, le copain costaud, l'amoureuse, la femme fatale, le méchant chef religieux,... Dès que l'on pénètre dans le vaisseau l'augmentation de l'effectif renforce l'intrigue en complexifiant les problématiques bien que ceux de l'intérieur soient également assez manichéens.

Finalement TER voit ses faiblesses dans sa force. Un peu comme les références citées plus haut l'on suit des personnages ballottés comme des fétus de paille au gré d’événements extérieurs  et sans réelle prise sur leur destinée. C'est un peu dommage car on perd ainsi en intensité dramatique ce que les dessins, les décors et l'univers construit donnent en corps. On a néanmoins grand plaisir à découvrir ces mondes lointains et à craindre les disparitions de personnages, pas loin d'être aussi fréquentes que dans Game of Thrones... A la fois trop courts et laissant deviner une série longue de plusieurs cycles, TER est une belle odyssée qui parvient à donner de l'originalité à un genre assez balisé et occupé par des auteurs et séries réputées.

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Le troisième tome de l’odyssée mortifère d'Adam Osidis et du Roi fange arrive enfin et je peux vous rassurer de suite: Jerôme Opeña est de retour en intégralité sur ce volume après un intermède très dommageable sur le précédent livre. La couverture puissante invoque le retour du grand archiviste (la mort) entraperçu sur le premier tome. Comme d'habitude, après un lancement attirant avec un prix à dix balles et moultes bonus, Urban nous sert ensuite le service minimum: album, couvertures de chapitres en brut et quelques couv' alternatives. Je parlais cette semaine de Daniel Maghen, on en est loin et on se demande en quoi consiste le boulot d'éditeur. Bref...

Après la mort de la reine blanche, Garils, le roi fange est libéré de ses liens et peut maintenir son emprise sur Adam Osidis, de plus en plus convaincu qu'il doit lui faire confiance. La quête des sources de Zhal les conduits chez les pirates du ciel, dirigés... par le propre fils du roi Fange. Alors que ce dernier montre encore une fois sa capacité à prendre soin de ses dévoués, la fraternité continue la poursuite, sans savoir qui de Garils ou d'Osidis sera le plus dangereux...

Rick Remender est sans conteste pour moi le plus impressionnant des scénaristes américains en activité. Loin de la notoriété d'un Mark Millar qui peine souvent à aboutir ses exceptionnelles idées, il est une sorte d'aristocrate du comics, ayant officié sur beaucoup de séries de super-héros mais œuvrant depuis des années dans l'indépendant avec une exigence graphique et thématique assez hors du commun. Beaucoup ont pointé le caractère pessimiste, voir dépressif de ses bouquins, ce qui est vrai. Comme tout grand auteur il y a des constantes dans on œuvre, comme la filiation, la responsabilité paternelle et l'insoluble recherche du bon choix...

Il y a de tout cela dans Seven to eternity, série exigeante et dont on sent la recherche de difficulté à chaque choix d'écriture ou de dessin. Il en découle un univers visuel unique proposant des versions totalement originales de grands concepts tels que les pirates, la mort, les ancêtres... Surtout (je le dis dans une critique que deux!) cette série est dotée d'un méchant que je vais qualifier d'aussi charismatique et fascinant que le Thanos du film Infinity war! Sans être le seul moteur de cette histoire, le roi fange permet au scénario de maintenir une tension permanente autour des choix du héros, le torturé Adam Osidis qui tôt dans la série fera le choix de sauver le tyran pour se sauver et sauver sa famille.

Dans les deux précédents tomes Osidis était un être en questionnement, assumant difficilement ses choix. L'intervention brutale du fils de Garils et la menace immédiate qu'il fait peser sur son "sauveur", de même que le sauvetage du clan Osidis par les hommes du dictateur poussent le héros à passer à l'action, résolument, pour sauver son "ami". La subtilité de Remender est de ne pas surjouer le machiavélisme du méchant. Il juxtapose simplement les faits (l'action positive de Garils sur la vie d'Osidis) et les idées. Il confronte Osidis comme un pragmatique face aux idéologues incarnés par Gobelin et la reine blanche. Le lecteur est perturbé comme jamais, se retrouvant dans la peau du personnage sans aucun élément lui permettant de déterminer objectivement ce qui est bien et ce qui est mal. Complexe et intellectuellement passionnant!

Graphiquement Opeña est au top, même si on regrettera des arrière-plans assez vides. Mais ses personnages sont tellement travaillés et surtout le design de chaque créature, personnage, architecture, sont tellement originaux et réussis qu'on lui pardonne volontiers cette économie (... qui permet sans doute de tenir une cadence correcte entre chaque volume). Seven to eternity surprend constamment, que ce soit dans la violence crue, le décalage entre le récit a posteriori d'Osidis qui ouvre chaque chapitre et l'action que l'on découvre. Surtout, Remender nous propose un récit éminemment politique dans lequel on peut trouver sans difficulté un commentaire de notre monde, du rapport des citoyens au pouvoir et du rôle des élites entre esprit visionnaire dictatorial et réponse aux demandes des administrés. Dans une amérique trumpiste fascisante comme jamais on ne peut que saluer la capacité de cet auteur à dresser une analyse si adulte dans un habillage de dark fantasy de loisir. Ce n'est pas si souvent que l'on peut lire de la BD d'aventure à la réflexion si poussée. Pour moi il s'agit de la série la plus réussie de Remender avec le génial Tokyo Ghost.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/07/20/seven-to-eternity-3

Cette critique porte sur les trois premiers volumes parus en France, qui suivent exactement la parution reliée US. Quinze épisodes sont actuellement parus, sur une trentaine envisagée à terme pour la série (environ cinq chapitres par volume). Chacun des albums comportent en fin de volume plusieurs textes sur les problématiques de la Hard-Science-fiction et sur l’univers d’Invisible Republic. Moyennement intéressants mais ils ont le mérite de donner des infos de la scénariste sur sa création et c’est toujours à saluer.

Sur la lune Avalon le régime dictatorial d’Arthur MacBride est tombé, laissant place à un gouvernement dont les mœurs démocratiques riment avec éloignement des centres du pouvoir martien du Commonwealth. Nous sommes en 2843, l’humanité a essaimé sur des exoplanètes grâce à des vaisseaux générationnels. Un journaliste va découvrir l’existence d’une proche du dictateur, dont le témoignage peut remettre en question toute l’historiographie officielle et secouer jusqu’aux fondements politiques du régime martien.

The invisible Republic jouit d’un sacré buzz au sein des blogueurs et dans la galaxie des comics indépendants. Ses très jolies couvertures et son étiquette de « SF politique » m’ont assez vite attiré… Première déception, les dessins. Je ne peux pas dire qu’ils soient mauvais, mais ils font partie d’une école graphique qui ne me plait pas, avec un style imprécis qui peut avoir un intérêt pour refléter une ambiance mais que je ne trouve pas joli esthétiquement. Pour les mêmes raisons que Lazarus, autre dystopie très politique, que Sheriff of Babylon, ce graphisme m’a empêché d’entrer dans cet univers pourtant riche, ambitieux, réaliste. En outre la colorisation donne un aspect « sale » certainement recherché mais qui accentue l’impression à la fois de zone de guerre, de documents récupérés et clandestins qui collent parfaitement avec le sujet, mais n’aide pas à la lisibilité. C’est très subjectif bien sur, certains aimeront.

La grosse qualité supposée de cette série est son réalisme et son côté politique. Là aussi j’ai été déçu par un scénario assez déstabilisant, qui semble fuir l’action et les scènes choc. On est dans une certaine normalité avec l’ambition des auteurs de déconstruire la mythologie que tout régime politique se construit. Sur ce point c’est très réussi et efficace. On a plus l’aspect d’un documentaire (le personnage axial est le journaliste) que d’un thriller politique. De même, l’histoire commence en suivant ce journaliste assez insipide alors que l’on réalise progressivement que le centre de l’intrigue est la cousine du dictateur, personnage très réussi pour le coup et que l’on retrouvera à différents ages de sa vie et de prise de connaissance par le lecteur de son journal et donc du déroulement de l’ascension du dictateur MacBride.

Vous l’aurez compris, Invisible Republic est une série exigeante avec des auteurs qui (un peu comme Christophe Bec…) s’efforcent de brouiller la lecture, de densifier en poussant le lecteur à l’effort, par des croisements constants de narration (maintenant, le récit de Maïa, la vie passée de Maïa). Cela participe de l’ambiance complexe bien sur, mais cela rend la lecture compliquée, peu fluide en créant des énigmes artificielles. Ce comic est sans doute une série à lire en intégralité quand elle sera finie et l’attente des volumes n’aide certainement pas à rester plongé dans cette atmosphère de hard-science. La scénariste a écrit en fin d’ouvrages plusieurs textes de réflexions sur les problématiques que pose cet univers: le voyage inter-générationnel, la faune et la flore, la gravité, l’ascenseur spatial,…autant d’éléments passionnant pour tout amateur de SF. Il est dommage que ces thèmes soient finalement assez peu abordés dans la BD qui tourne autour de l’enquête de ce journaliste lâche et peu charismatique en laissant un peu confus le but recherché: chronique ethno-politique d’une lune ou description d’une révolution? Personnellement je suis plus intéressé par la seconde et la description SF n’est pas soutenue par des dessins qui auraient nécessité d’être plus précis, plus design.

Je ne voudrais pas laisser penser par une chronique trop négative que The invisible Republic est un mauvais comic. Il est certain que j’ai moyennement accroché et que le déroulé avance assez lentement. Mais la lecture du troisième tome a un peu remonté mon intérêt, avec des dessins que je trouve améliorés, plus nets et colorés et surtout une intrigue qui se simplifie, non dans son scénario mais dans son déroulement, plus linéaire. Du coup l’attention gagnée par le lecteur peut se concentrer sur les détails et l’ensemble y gagne en qualité. On ne peut du reste que saluer l’investissement des auteurs dans une série atypique à tout point de vue et qui fait une proposition novatrice si ce n’est très créative. Pour les amateurs.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/07/06/the-invisible-republic/

J’entends parler de Frederik Peeters depuis quelques années mais n’avais jamais ouvert un de ses albums pour plusieurs raisons: d’abord l’homonymie avec l’autre Peeters (oui, j’en suis désolé mais il m’arrive de confondre des auteurs), ensuite des couvertures moyennement attirantes (L‘homme gribouillé pas du tout, celle-ci moyennement mais assez basiquement western). Mal m’en a pris puisque en découvrant son rêve métaphysique Saccage j’ai été éberlué par son très grand talent technique allié à un univers très personnel…

Oscar Forrest est photographe et participe à une expédition dans le grand Ouest, en compagnie d’un géologue fort en gueule et un garçon de ferme chargé de l’entretien du matériel. Le trio cohabite dans d’étranges relations entre méfiance et attirance. Autour d’eux les éléments à la puissance incommensurable, une nature belle et redoutable, mais aussi d’étranges rôdeurs. A mesure que chacun voit révéler les raisons de leur participation à ce voyage initiatique, les faux-semblants tombent…

Alors que le monde de la BD (re)découvrait le talentueux Meyer et son Undertaker érigé en héritier directe du Blueberry de maître Giraud, on en oubliait (moi le premier) combien ces garçons affamés se rapprochaient bien plus de l’univers ésotérique et un peu New Age prôné par l’auteur d’Arzach et son comparse Jodorowsky. Il y a clairement ces deux filiations dans cet album à l’atmosphère unique, faite de silences, de regards et de rêves. Ce dandy urbain transposé dans l’Ouest sauvage dénote et l’on sait rapidement qu’il fuit quelque chose. L’attitude des trois hommes est étrange dès les premières pages, comme des incarnations des trois ages de la vie, trois ages où l’appétit sexuel varie. Il est question d’homosexualité bien sur dans cette histoire, toute en pudeur, mais plus globalement des conventions et des normes. Je remarque souvent l’écriture des scénaristes femmes, assez différente de celle des hommes de par leurs thèmes et leur traitement. C’est le cas ici où Loo Hui Phang installe ses trois personnages comme se courant après, dans une hiérarchie rappelée par le chef Stingley qui a pourtant la curieuse manie de se promener fesses à l’air… Ses deux acolytes rejettent ces normes pourtant, celles qui font de Milton une sorte d’esclave et celles qui empêchent Oscar d’expérimenter librement son art photographique. Il est question de l’image aussi, celle de la BD, des grands espaces, des cadrages improvisés et renvoyant sans cesse à l’objectif du photographe, aux images mentales enfin, lorsque le monde intérieur, des rêves, des pensées, pénètre celui des vivants.

Très vite un petit mystère est présenté au travers de ces deux chasseurs, le pistolero défiguré et l’indien shaman. Que veulent-ils? L’un incarne sans doute la civilisation qui rechigne à laisser partir les deux jeunes gens, l’autre la liberté émancipée des corps… Comme dans tout récit initiatique, ésotérique, L’odeur des garçons affamés laisse son lecteur errer sur des images et des sons sans toujours véritablement comprendre ce qu’il voit. Et c’est agréable aussi de ne pas toujours chercher de sens lorsque le dessinateur laisse divaguer son imagination, comme Peeters l’explique dans ses motivations sur Saccage.

Visuellement on a les couleurs de l’ouest, assez tranchées, dans les orangés et les verts tendres. Le trait du dessinateur est très élégant, très maîtrisé, à la fois encré et hachuré, permettant des lignes fines remplies d’ombres colorisées. Essentiellement constitué de plans rapprochés, des visages de ses personnages, l’album se savoure avec gourmandise. Un auteur que l’on sent capable de tout dessiner avec facilité…

L’odeur des garçons affamés est un magnifique one-shot sans autre lacune que l’aspect inexpliqué inhérent à ce type d’histoire. Mais l’on aime voir l’amour naître entre ces deux insolents et la magie shamanique prendre corps dans ce monde où la Nature semble permettre un retour à l’essentiel. Une belle histoire faite de beaux dessins répondant à une belle écriture. Une odyssée à lire assurément pour s’évader en compagnie de deux amants libres.

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La jolie couverture très poétique de cet album et la maquette élégante (comme toujours chez Comix Buro) donnent envie d'ouvrir l'album. A noter que le studio d'Olivier Vatine publie désormais en tant que tel ses albums, dans le cadre d'une sorte de Join-venture avec Glénat, ce dernier gérant la fabrication quand tout le travail éditorial est intégré chez Comix-Buro. L'auteur 'Fane a déjà collaboré avec le studio sur le diptyque Streamliner qui avait joui d'une excellente audience à sa sortie. Vatine travaille toujours en "famille" et je dois dire que si sa régularité d'auteur peut agacer, sa qualité artistique pour lancer projets, auteurs et collections impressionne.

Megan se réveille d'un sommeil de 49 ans, amnésique. Son hôte lui dit qu'elle était volontaire sur le projet Hope, anticipation d'un apocalypse nucléaire sur Terre et destiné à recommencer l'humanité avec une équipe triée sur le volet. Mais Megan a peur. Elle doute, elle panique. Elle veut sortir de cette station spatiale, cercueil autour d'une planète devenue inhabitable...

Hope One est une version d'un genre très balisé: le huis-clos paranoïaque post-apocalyptique, ici transposé dans un vaisseau en orbite. Beaucoup de très bons films notamment sont sortis sur cette intrigue (récemment Cloverfield lane)et il est difficile de surprendre tant les hypothèses sont peu nombreuses et basées principalement sur la capacité de l'auteur à focaliser l'attention du lecteur sur le personnage principal et son esprit perturbé. Pour moi la réussite d'un tel album réside ainsi surtout dans l'efficacité et le respect des canons du genre. Faute d'originalité il faut parfaitement exécuter la figure de style.

Sur ce plan l'album est très réussi et montre une grande maturité, notamment scénaristique, de 'Fane qui déroule son intrigue progressivement dans un faux-rythme constitué de coupures temporelles destinées à nous rendre impossible toute appréciation d'une continuité. L'idée est de nous faire ressentir la désorientation de son héroïne. Le cadrage de l'intérieur du vaisseau (assez réussi et détaillé) nous interdit toute exploration de l'environnement, qui ne transparaît que subrepticement par le hublot. et par des plans extérieurs de la station. Là encore dans une technique éprouvée, le lecteur ressent l'angoisse en étant obligé d'imaginer ce que peut être le hors champ.

Tout se passe donc entre les deux personnages et rapidement on réalise que Megan est totalement dépendante de ce que lui dit Adam. Celui-ci, d'un physique et d'une allure très bienveillante, bonhomme, rassure dans un premier temps, avant que Megan ne panique et nous fasse douter de lui. Quelques éléments font monter la pression, comme ces cachets qu'il lui fait avaler ou le fait de se réveiller chaque jour nue dans son lit sans se souvenir du comment... Adam agit normalement, en technicien de vol qu'il est, opérant des sorties spatiales, suivant le protocole de contact des autres Hope en orbite autour de la Terre, mais chaque fois il est impossible à Megan d'en savoir plus. Il lui explique que son amnésie et l'isolement spatial provoquent une paranoïa qu'il lui faut contrôler. Qui dit vrai?

J'avais feuilleté Streamliner et avais moyennement accroché sur les dessins, pas assez précis. 'Fane est très clairement dans la filiation Vatine, avec des visages parfois presque sans contours, de beaux encrages mais une certaine économie du trait qui se repose sur la très jolie colorisation d'Isabelle Rabarot (coloriste de Vatine et figure incontournable de la collection Série B Delcourt à l'époque). Je trouve cela dommage et reprocherais donc la même chose à cet album qu'aux dernières BD d'Olivier Vatine: une qualité graphique un peu gâchée. On pourra dire que la sortie rapprochée des deux volumes de la série (le second était annoncé pour mai, on peut prévoir une sortie à l'automne) justifie une réalisation rapide. En outre on voit déjà une progression du trait de l'auteur depuis sa précédente série.

En conclusion, Hope one s'avère un album très formaté, comme tout bon blockbuster ciné, surfant sur des ressorts psychologiques éprouvés mais très bien maîtrisés. Hormis l'atypique Mort vivante (en raison du graphisme unique de Varanda), les albums de Comix Buro, comme ceux de Série B autrefois, n'ont pas une grande ambition mais assurent le job tant graphiquement que par leurs concepts. Je le disais en introduction le risque des histoire à twist final est d'être déçu. Il faudra voir le prochain album pour savoir où on en est après le cliffhanger attendu. D'ici là cet album jouit d'une réalisation tout à fait solide, qui donne du plaisir et fait attendre la suite. C'est ce qu'on attend avant tout...

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/07/03/hope-one-1

A chacun des albums de la (plutôt très intéressante) collection Conan le cimmerien j’hésite longuement entre les deux versions proposées. Je possède la NB grand format de La fille du géant de gel qui est vraiment superbe, tant par le format, papier utilisé que par le rendu graphique des planches non colorisées… mais n’a que peu de bonus (quelques illustrations additionnelles et aucun rédactionnel). La version couleur de Toulhoat et Brugeas et celle-ci de la très douée Virginie Augustin (dessinatrice d’une des meilleurs séries de ces dernières années, Alim le Tanneur avec Lupano) comporte un très intéressant texte explicatif sur la nouvelle qui sert de matériau de base à l’album et permet d’apprendre pas mal de choses sur l’auteur Robert E. Howard. Quelques illustrations d’autres dessinateurs complètent le cahier bonus. Tip-top donc question édition, juste étonnant que Glénat ne propose pas le même contenu sur la version de luxe. Enfin, malheureusement, la couverture ne rend vraiment pas hommage à la qualité graphique d’Augustin sur cet album. C’est étonnant et vraiment dommage…

Cet album est celui que j’attendais le plus depuis le lancement de la série. J’ai gardé un excellent souvenir d’Alim le tanneur, non que le style d‘Augustin soit absolument original, mais il se dégage de ses dessins un mouvement, une ambiance vraiment particulière. Il me semble qu’il s’agit en outre du premier album en solo de l’autrice et je dois dire qu’elle s’en sort remarquablement bien. L’adaptation des nouvelles Conan ne vise pas à révolutionner le scénario de BD. Il s’agit surtout d’une vision graphique d’auteurs confirmés et sur ce plan Augustin parvient à insuffler un esprit féministe très intéressant dans ce monde barbare où le Conan classique avec son slip de peau est conservé, pour mon plus grand plaisir (je suis un enfant de Conan le barbare, le film de John Milius!).

Dès les toutes premières pages la sauvagerie du cimmérien s’illustre, taillant en morceau le poursuivant de la donzelle. Si l’on ne voit que très subrepticement les palais des Hyrkaniens on en regretterait presque que l’autrice ne s’attarde pas plus sur cet univers des mille et une nuits où son dessin prends toute sa force en des matières subtiles. Mais le sujet est autre, fait d’île tropicale devant servir de piège pour les deux fuyards, en migrant vers l’univers de la piraterie que nous laisse deviner la conclusion très alléchante… mais que l’on ne verra jamais. Car on touche là une des limites de cette série, son format, variable selon les auteurs mais relativement proche d’un format classique de 46 planches… ce qui est trop peu pour pouvoir donner toute l’ampleur d’une histoire sauvage en one-shot. Il nous faut donc prendre ce que l’on nous offre avec ce petit regret.

Si la physionomie du barbare semble au début hésiter avec une étonnante gueule carrée presque néandertalienne (les croquis finaux nous montre les différentes versions), la subtilité du personnage surprend, lorsque la fille, incarnation de la faiblesse, craint de se faire viol(ent)er par lui. L’homme armé de son épée est sans peur dans l’espace ouvert de la forêt et y protège la fille. Dès qu’ils pénètrent dans l’étrange temple aux statues de fer le caractère féminin, perméable aux esprits, se connecte avec l’histoire du lieu pour avertir l’homme du danger. On aurait encore une fois aimé que soit poussée cette relation et l’histoire du personnage lumineux, mais il n’y avait pas la place. Cela permet cependant de garder cette part inquiétante que produit le genre fantastique, le lecteur ne sachant jamais le pourquoi du comment. L’équilibre est du reste parfait entre combats hargneux, début d’intrigue et pauses contemplatives sur les paysages luxuriants magnifiquement colorisés par Virginie Augustin. Tout est juste dans cet album, des dessins au découpage qui se permet quelques superbes pleines pages, dont cette séquence de massacre rouge remarquablement construite.

Un peu de frustration donc, avec une histoire qui se rapproche un peu du Colosse Noir, avec sa magie et sa relation homme/femme, les deux auteurs de celui-ci ayant pris quelques pages de plus pour finaliser une histoire qui s’avère ainsi plus confortable. Mais Virginie Augustin nous propose ce que l’on attend, une vraie histoire de Conan que l’on aurait très sérieusement envie de voir continuer ses aventures sur la mer intérieure. Pour ma part j’ai commencé à lister les albums d’Augustin que je n’ai pas encore lus avec une grande envie de rattraper mon retard! Et cet automne la version de Vatine et Cassegrain arrive alors que 2020 prépare du très lourd avec rien de moins que Valentin Sécher, Timothée Montaigne et Stepan Sejic…

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En entamant la lecture des Enfants de la colère je ne pensais pas lire un album jeunesse... C'est pourtant le cas et cela ne m'a absolument pas gêné tant la mise en case est dynamique, utilisant les techniques du manga pour illustrer la rapidité d'action. J'ai notamment beaucoup aimé l'utilisation très poussée des onomatopées qui sont ici un vrai personnage graphique, prenant une place importante dans l'image, suivant des courbes et des formes qui apportent à l'impression souhaitée au-delà de la sonorité même du texte. Ce n'est pas absolument nouveau mais assez rare et j'aime beaucoup ce genre d'innovation dans le genre BD qui est assez formaté.

L'intrigue est une trame simplifiée d'un récit guerrier avec méchants soldats hyper-équipés et gentils résistants avec un groupe d'enfants abîmés qui se vengent en utilisant des robots. Car c'est là le gros atout de la BD et l'envie des auteurs: proposer aux enfants une histoire de Mechas. Leur design est très réussi, permettant aux lecteurs d'identifier le caractère de chaque robot à l'enfant qui le pilote. Je pense d'ailleurs que Talia et Jean-Pédrovitch ont surtout accroché à cet élément. Les dialogues sont plutôt sympa, les personnages très archétypaux mais variés et la bande de jeunes est une mécanique habituelle aidant les jeunes lecteurs à s'immerger dans l'intrigue. Graphiquement Nico Naranjo se rattache plutôt à l'école Miyazaki avec des contours ronds et des hachures qui textures les formes. Il hésite un peu entre deux styles, ce qui a pu perturber les enfants, avec en effet une histoire assez dure et des dessins jeunesse. le découpage en revanche est très dynamique et renforce l'action, assez omniprésente dans ce premier volume.

Comme pour Garbage Night qui proposait un post-apo aux jeunes, l'album des espagnols Damian et Nico Naranjo a le mérite d'initier les enfants à de la SF militaire (pas toujours drôle!) et aux combats de robots.

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La couverture de cet album et le pitch l'ont envoyé directement sur ma page des albums les plus attendus... Elle va également illico dans mon top annuel 2019 catégorie Couverture tant cette image et le design du titre marquent et donnent terriblement envie de lire l'album! Bravo global pour cette composition à la fois esthétique et efficace... avec le risque que l'envie donnée ne soit pas totalement récompensée (j'y reviens plus bas). Hormis cela rien de particulier niveau éditorial.

La Guerre a duré quatre ans. Après un demi-million de morts et une politique de conquête sauvage de l'Union, le Sud est ravagé. Après cet enfer nombre de femmes se retrouvent seules dans ce qu'il reste de leurs grandes propriétés. La Loi n'existe plus et permet à des bandes de d'anciens soldats de mener des raids à la sauvagerie inouïe. Rescapées de ces massacres, Dorothy et la jeune Alice vont tenter de se reconstruire entre un monde mort et un imaginaire qui peut leur permettre une certaine résilience. Bientôt elles rencontrent des hommes. Abîmes, fuyant, semblant rechercher la même chose qu'elles. Mais peut-on leur faire confiance?

Damien Marie est une véritable découverte pour moi, n'ayant rien lu de lui et découvrant sur cet album un véritable talent d'écriture comme de découpage. Cette histoire n'était en effet pas simple à développer et très piégeuse. Les histoires de survivants de la guerre, les horreurs de la Guerre de Sécession, ont été beaucoup traités, de même que les variations plus ou moins pertinentes et réussies sur les classiques de la littérature imaginaire. Ici Dorothy et Alice font bien évidemment référence aux pays des Merveilles et d'Oz. L'intelligence de l'auteur est d'utiliser subtilement les références sans tomber dans des liens forcés. Car son histoire est originale et n'a pas vocation à reprendre celles de Lewis Carol et de Lyman Frank Baum. Elle sert de vecteur pour comprendre le traumatisme de la petite fille et son refuge dans un monde imaginaire apaisé. Par moments Marie pose un chat (que l'on suppose de Cheshire), un chien ou un Chapelier... qui restent des habillages, des coloration pour ce qui est le récit dramatique d'une fille violée après le massacre de sa famille. L'Enfer du titre est cette Amérique des Etats du Sud dont les yankees cherchent à se venger en déchaînant les atrocités partout. Comme s'il ne devait rien rester de cette culture certes esclavagiste mais réelle.

L'enfer s'est construit jour après jour, livrant le Sud à la cendre...

La qualité première de cet album est donc ce réalisme qui ne cherche pas à atténuer la dureté des évènements mais sait subtilement suggérer l’indicible, que ce soit graphiquement, par un découpage inventif et élégant (comme cette flaque en première page qui crée un miroir entre deux mondes) ou par le texte très agréable. Sous la forme d'une pseudo-chasse à l'or de soldats rebs blessés et démobilisés qui rencontreront les deux filles, les auteurs nous montrent des gueules cassées, des humains ayant vécu les uns le front et les mutilations, les autres la barbarie de l'arrière, qui ne souhaitent qu'à trouver la paix. Le chêne de l'histoire est Dorothy, que Fabrice Meddour prend plaisir à dessiner et dont l'inspiration a créé cette magnifique couverture. Plus âgée que la fillette, elle est la seule qui semble parvenir à gérer son trauma et réagit dans ce monde ravagé en prenant son destin en main. La galerie de personnages est intéressante, étonnante lorsque l'on s'attend à voir les hommes se défendre de l'agression d'un chefaillon bleu ou lors de la rencontre avec Dorothy. Car si l'aspect de cette équipée reprend les codes du western avec une définition graphique assez simple, ce qui intéresse Marie et Meddour c'est comment on parvient à s'échapper sans tomber à son tour dans la sauvagerie, sans se méfier de tout le monde.

"La reine et le chapelier ont trahis les leurs pour rejoindre le sorcier"

Pour représenter ce monde d'après, Fabrice Meddour propose des tableaux très élégants, en couleur directe avec des choix monochromes variés selon les ambiances et irruption de couleurs vives par moments. Cela permet d'illustrer un monde terne, où la vie semble s'être échappée, comme un voile dressé par ces survivants sur une réalité trop dure. J'avais découvert cet auteur à la même époque que les premiers albums de Luc Brunschwig, sur Le temps des cendres, où j'avais beaucoup aimé son style. Je suis surpris de voir que les faiblesses techniques de l'époque sont toujours présentes, notamment sur les visages et anatomies en situation d'action. Comme chez Perger ou Nguyen cela s'explique en partie du fait de la technique utilisée (qui exclue pratiquement les encrages) qui rend compliquée une grande précision sur les petites cases. Car Meddour sait pourtant dessiner et propose des planches superbes, sensibles et magnifiquement colorisées. Il n'est pas le plus techniques des dessinateurs BD mais propose un design agréable et qui dégage une certaine élégance. Autre détail dommage: les onomatopées sont étonnamment imprimées informatiquement en contradiction avec l'aspect très artisanal de l'album. Dommage.

"Vos cicatrices vous vont bien Hunk..."

Sur le premier tome de ce diptyque au sujet très intéressant, sensible et particulièrement bien écrit, les auteurs nous proposent une vision originale de l'après guerre, une histoire de survivants à la fois dure et sensible, un bel objet où l'on ressent le plaisir et l'investissement des auteurs. Je le conseille.

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/06/22/apres-lenfer

Très bonne surprise que cet album à la maquette et identité graphique surprenante. Que ce soit le dessin d'Aseyn qui emprunte totalement aux manga un peu rétro et mal imprimés ou aux vieilles BD vintage on sent dans la démarche du projet l'intention de s'éloigner des canons commerciaux faits de belles couvertures aux couleurs éclatantes. On a donc un vrai manga, que ce soit par son thème (de jeunes gens découvrent un monde virtuel qui prends le dessus sur leur vie réelle) ou par le dessin et design. Sur ce plan, si les personnages sont un peu rapidement dessinés, les plans larges spatiaux et vaisseaux sont remarquables par leur technicité et gigantisme. Du coup la lecture de ce premier volume est très agréable et nous introduit dans l'univers des jeux vidéo avec son langage particulier à base de Level et de respawn... Sur le pitch on est très proche du Ready player One de Spielberg, avec des airs narratifs des Jours qui disparaissent. On suit donc une étudiants du futur qui découvre ce monde virtuel et à tendance à s'y perdre, le récit passant abruptement de séquences virtuelles au réel de façon à montrer la perte de sens de l'héroïne qui s'éclate avec les possibilités fabuleuses de cet univers où elle semble exceller en tout. Une BD qui donne du peps et qui peut devenir un vrai blockbuster pour peu que le graphisme s'affine un peu.

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J'ai enfin lu le premier volume de la suite, "Rouge", du manga Innocent paru en 9 volumes et critiqués sur le blog. Si la césure en deux séries distinctes me laisse un peu dubitatif (la petite sœur terrible, Marie-Joseph, est déjà adulte et possédant un office de bourreau à la fin de la série mère), on commence ici sur exactement les mêmes bases avec une exécution "clinique", des dessins somptueux (réalisés en numérique, pour ceux qui s'interrogent...), un Charles qui semble rentré dans le rang après ses velléités de changer l'ordre établi et une Marie-Joseph décidée à utiliser tous les expédiant en sa possession pour venger la mort de son amant. Ce premier volume s'attarde sur l'exécution du responsable de l’incendie criminel où ont péri les enfants d'Alain et sur une pauvrette, mise enceinte à douze ans et condamnée à mort après un accouchement assez barbare. Ça commence doucement, avec toujours un grand soin à la précision historique. On en redemande curieux de voir comment les idées abolitionnistes des frangins Sanson vont opérer à l'aube de la Révolution...

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Le tournoi en mode Battle Royal pour la survie des univers commence, dans une arène adaptée et avec un respect des règles très stricte: tous les combattants s'engagent en même temps, il est interdit de tuer l’adversaire et toute sortie du ring vaut élimination. La présence de Freezer va quelque peu fausser cette bataille... Ce tome est entièrement dédié au tournoi. Du coup, comme souvent sur DB l'alternance humour/baston tourne ici totalement vers le combat avec quelques rebondissements classiques dus aux coups tordus de Freezer ou des pouvoirs particuliers de certains combattants. Les auteurs se lâchent un peu en mode "invente-moi un combattant" et l'on retrouve un peu l'imagination délirante des premiers Drabonball avec ses dinosaures et autres démons invoqués... A mesure que les combattants sont éliminés on devine un affrontement Goku/Vegena/Jiren/Hit mais Toriyama joue maintenant depuis quelques temps avec son lecteur sur la rivalité Goku/Vegeta et on risque d'avoir des surprises. Pas le plus original des albums de la série mais si vous aimez les combats dans DB c'est suffisamment dynamique pour ne jamais vous lasser.

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L'exigence graphique du catalogue de cet éditeur est importante et quand on regarde ce Vampire de Barcelone, avec une préface, une introduction, un épilogue, une conclusion (le tout illustré de journaux d'époque dans une très bonne définition), un cahier graphique et la première BD réalisée, en 1912 sur l'histoire de la Vampire de Barcelone, on ne peut qu'être élogieux. Cela participe grandement à l'appréciation générale sur l'album et l'immersion du lecteur.

En 1912 toute la ville de Barcelone est en effervescence après la disparition d'une fillette dans le quartier populaire d'El Raval. Très vite l'enquête révèle une affaire qui n'a rien de banale et semble impliquer des personnalités de la haute société catalane. Entre la personnalité de la suspecte, surnommée "Vampire" et les difficultés de l'avancée de l'enquête, le juge Fernando de Prat voit son professionnalisme mis à rude épreuve...

La Vampire de Barcelone intrigue par son titre et une couverture qui fait penser à l'orphelinat du film Les trois brigands. La qualité des encrages (comme souvent chez les dessinateurs espagnols) et des couleurs saute aux yeux dès cette première image au design élégant. Les auteurs nous proposent une véritable enquête policière dont le suspens ne portera pas sur l'identité du criminel (la fameuse vampire sera arrêtée dès les premières pages) mais bien sur la mise au jour d'une machination dont on ne sait si le plus horrible est les actes de la criminelle ou le cynisme des dignitaires qui couvrent ses agissements. La mécanique du scénario est la classique découverte d'éléments successifs, reprenant les confrontations entre juge d'instruction et suspecte, découverte d'indices, intervention de tiers maléfiques etc. Mais l'on sent que nous avons surtout affaire à une chronique de l'époque, des mœurs de l'Espagne d'avant Guerre, une société corsetée dans ses classes sociales et des puissants qui se croient tout permis, y compris le plus flagrant viol de la morale chrétienne et sociale. Ce qui fascine c'est, comme dans tous les documentaires, la confrontation de la BD avec les documents d'époque, le fait de savoir que ces évènements se sont vraiment passés.

La lecture ne garde pas moins l'aspect thriller avec une machination très efficace à mesure que le juge de Prat découvre les protection dont jouit Enriqueta Marti, qu'il se fait agresser et que les pièces à conviction disparaissent. Nous avons ainsi tout le long ce qui fait le sel des films à dossier avec des officiers idéalistes bataillant avec la procédure malgré des preuves qui devraient condamner l'auteur du rapt très rapidement. Le rythme n'est pas entrecoupé de coups de théâtres mais plutôt constitué d'une certaine linéarité dans la progression de l'enquête. Une sorte de tableau criminel où l'on se demande à chaque évènement si les véritables commanditaires historiques sont allés si loin ou si les auteurs ont pris des libertés. Les textes des annexes nous indiquent que le sujet a été relativement bien traité outre-Pyrénées dans la littérature et que la BD est bien restée au plus près des éléments connus, appuyée sur une documentation assez abondante dès les premières semaines des évènements. Totalement inconnu de par chez nous, on imagine néanmoins les cas similaires qui se sont produits dans l'histoire criminelle de notre pays au début du XX° siècle.

L'album nous permet de découvrir également un dessinateur (Jandro Gonzalez) de grande qualité, qui nous rappelle Jordi Lafebre et dont ce premier album BD en France laisse présager de très belle choses s'il devait continuer dans l'illustration album tant son talent, notamment dans les encrages et l'expressivité des visages, s'étend du réaliste-glauque au comique. Le rendu des espaces (essentiellement huis-clos), la dynamique des cadrages et une colorisation très élégante en font un bon représentant de l'école hispanique, style que j'adore et qui montre une qualité technique et esthétique redoutable depuis quelques années dans la BD franco-belge.

Cet album est une étonnante surprise de professionnalisme qui montre l'ambition croissante de ce petit éditeur alsacien qui semble se spécialiser pour l'instant dans les auteurs espagnols et italiens. L'alliance de beaux dessins expressifs, d'une documentation de qualité et d'un scénario efficaces font que ce sujet inconnu qui n'avait pas vocation à intéresser outre Espagne deviens une BD grand public qui rend curieux et montre que bien traité tout sujet est passionnant.

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L'album de Runberg et Miville-Deschênes est une suite d'une nouvelle de Richard Connell et non du film adapté qui lui a valu la gloire. Il a été proposé par le dessinateur à son scénariste de Reconquêtes, avec l'envie de traduire graphiquement les impressions ressenties à la lecture du texte. Le lien avec le texte d'origine est à la fois très fort (l'album comporte une longue introduction rappelant les événements précédents) et étiré notamment par la fin qui annonce une probable extension (j'y reviens). Comme d'habitude chez Signé, nous avons un très bel album (je ne suis pourtant pas super fan de l'illustration de couverture qui semble pourtant avoir été envisagée très vite) agrémenté d'un joli cahier final avec découpage du scénario, commentaires du dessinateur sur ses croquis préparatoires et explications de développement du scénariste. Du tout bon au niveau éditorial.

L'échec de Zaroff sur sa précédente chasse à l'homme l'a laissé dépressif. Réfugié avec ses hommes sur une nouvelle île, il découvre un jour une caméra devant le portail de son fort: la fille d'une de ses victimes a décidé de se venger et lance une chasse dont la proie n'est autre que la sœur et les neveux du comte. La situation chasseur/chassé semble s'inverser. Mais une fois sur le terrain, qui sera le prédateur le plus féroce?

François Miville-Deschêne fait partie de ces dessinateurs qui teasent beaucoup sur les réseaux sociaux et cette peinture de couverture, étrange avec ce vert et le look du comte circule depuis plusieurs mois, créant une envie certaine. Surtout depuis que j'ai découvert l'auteur en feuilletant en librairie l'intégrale de la saga d'antic-fantasy Reconquêtes, album qui m'a conquis autant par son scénario que par son graphisme quasi parfait. Car le dessinateur québécois est probablement l'un des plus techniques de la BD franco-belge. Juste pour vous prévenir: la lecture des pages de Zaroff ne souffrent d'aucun défaut esthétique! Concernant Sylvain Runberg je l'ai découvert sur la formidable série SF Warship Jolly Roger et je retiens deux choses: d'une part sa capacité à s'adjoindre la collaboration d'excellents dessinateurs, d'autre part l'imprévisibilité de ses scénarios, ce qui les rend très intéressants.

N'ayant ni lu ni vu La chasse du Comte Zaroff le projet n'avait aucune raison de m'attirer. Pourtant il se justifie par lui-même dans cet étonnant équilibre que les auteurs parviennent à insuffler à leur album, qui jouit de la mythologie du personnage avec la liberté d'une intrigue originale. Ou plutôt une revisitation. Un peu comme ce qu'a fait Abrams sur StarWars7 en remakant Un nouvel espoir.  Du coup on passe les premières pages à se concentrer pour comprendre la chronologie des évènements précédents et le who is who. Je vous épargnerais une recherche internet inutile: hormis Zaroff et les personnages présents dans l'introduction tout ce que vous verrez dans l'album est original. Pourtant il s'insère avec fluidité et l'on a vraiment l'impression que tout cela est issu de l'ouvrage original. Cela s'appelle un background et Runberg est très doué pour développer ce hors champ qui donne une consistance à toute bonne histoire.

Mais le cœur de l'ouvrage est l'aventure, avec une recette simple: un méchant (très) charismatique, une bande de bandits très armés avec à leur tête une héritière contestée par ces machos irlandais, un environnement naturel plein de pièges, d'animaux sauvages et de décors grandioses,... Soyons clairs, le vrai héros de l'histoire est Zaroff et les auteurs se cachent à peine de leur envie de nous narrer ses prouesses. Il est un monstre mais est chassé par des bras cassés pas forcément plus vertueux. Fiona (la chasseuse) est également réussie avec son guide brésilien, sorte de crocodile Dundee. Mais la donzelle au caractère bien trempé reste dans l'ombre de ce que cherchent à nous narrer Runberg et Miville-Deschênes: ce génie du mal est invincible pour peu qu'aucun tiers ne vienne fausser ses plans. On réalise ainsi progressivement que l'enjeu n'est pas de savoir si Zaroff va s'en sortir mais plutôt combien d'irlandais survivront...

L’île est un décors improbable mais grandiose, avec des formations géologiques incroyables et des panoramas qui semblent presque issus de mondes Fantasy. Surtout, le dessinateur se régale dans ses palettes de couleurs, ses décors de jungle, ses falaises, ses arrières plans aussi détaillés que les personnages, il semble à l'aise partout. Du fait de l'histoire on peut ressentir une légère monotonie d'environnement mais l'action et la qualité du trait font que l'on n'a pas le temps de s'ennuyer une seconde. Disons pour chipoter que la partie graphique est légèrement moins impressionnante que sur ses derniers albums, mais cela reste techniquement parfait, notamment dans ces visages et expressions, tous spécifiques et totalement crédibles. Un sacré artiste.

Zaroff est typiquement le genre d'album au sujet minimaliste mais que la seule réalisation (sans faute) propulse au rang de blockbuster de la BD. Quand un album vous permet de découvrir deux grands artistes, vous donne envie de lire le texte d'inspiration et vous régale les yeux, il est difficile de résister. Si vous aimez l'aventure et les beaux dessins de style classique, courez, Zaroff est peut-être déjà derrière vous...

A lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/06/19/zaroff

La couverture de cet album et le pitch l'ont envoyé directement sur ma page des albums les plus attendus... Elle va également illico dans mon top catégorie Couverture tant cette image et le design du titre marquent et donnent terriblement envie de lire l'album. Bravo global pour cette composition à la fois esthétique et efficace... avec le risque que l'envie donnée ne soit pas totalement récompensée (j'y reviens plus bas). Hormis cela rien de particulier niveau éditorial.

Nick est hypermnésique. Il possède une mémoire totale: il se souvient de tout, n'oublie rien. C'est handicapant et l'oblige à organiser sa vie sous ce qui ressemble à des TOC, le rendant particulièrement instable professionnellement et émotionnellement. Un jour il est enlevé, pour ses capacités hors norme...

Eric Corbeyran fait partie des vieux briscards du scénario de BD. Il connait son métier et nous propose avec De Mémoire une histoire remarquablement ficelée sur un pitch redoutable. Tout dans cet album tend vers le thriller, de la couverture au déroulement progressif, structuré entre maintenant et l'enfance, avant l'accident que nous montre la couverture. Or s'il en a les habits cet album n'est pas un thriller mais plutôt la chronique d'une vie compliquée pour cet homme qui a perdu son père très jeune et doté de capacités que beaucoup voient comme un super-pouvoir mais que lui tente plutôt de gérer en en atténuant les effets. Sorte de chronique psychologique, De mémoire évite tout ce qui pourrait l'amener vers une BD grand public. Pourtant de l'action il y en a, que ce soit dans la mise en scène ou l'intrigue même. Mais les auteurs s'attachent plutôt à nous présenter la vie sentimentale de Nick, en couple libre avec sa psychiatre, la seule à même de le comprendre et de l'aider. Cette histoire est touchante car elle évite le misérabilisme très français en nous montrant un homme en pleine possession de ses moyens, que sa spécificité rend aussi fier que compliqué. Nick n'a pas réellement de problématique et c'est peut-être cela qui crée un étrange sentiment d'entre-deux à la lecture. L'on ne saurait dire s'il s'agit d'une volonté de Corbeyran de déstabiliser son lectorat par un traitement assez expérimental (on pense par moment aux rythmes d'un Gibrat sur Léna, sorte de thriller politique contemplatif). Comme en structure juxtaposée, le drame est apporté par la partie Passé, qui remonte jusqu'à nous pour nous révéler en fin d'album l'origine de l'hypermnésie de Nick et en quoi son enlèvement est lié à ses parents.

On ne peut pas dire que cela soit un défaut tant la maîtrise de la progression dramatique, des dialogues et des scènes est évidente et efficace. On a plaisir à voir cet esprit libre changer de job comme de chemise, incapable de s'inquiéter et honnêtement heureux avec sa chérie. Tout en détachement, Nick envoie des réparties décalées que seul le lecteur, complice, peut saisir et qui laissent ses interlocuteurs intrigués. Comme un film de genre à la française, De mémoire casse les codes. Selon le public que l'on est cela n'aura pas le même effet. Personnellement je vois le potentiel d'une grande série SF ou d'un thriller conspirationniste. Les auteurs ont plutôt opté pour une histoire simple, peut-être pas assez ambitieuse malgré les enjeux représentés par les recherches du père de Nick. La capacité de Nick pouvait permettre une revisitation su thème super-héroïque en mode réaliste. Plein de choses passionnantes que l'on n'a finalement pas et qui peut laisser un peu déçu.

Graphiquement, le dessinateur propose d'élégantes planches au trait fin et à la colorisation agréable. Si les personnages sont correctes, la partie technique (arrières plans, cadrage) est très réussie et participe à l'efficacité du récit. Les quelques scènes d'action sont très lisibles et l'album propose plusieurs visions graphiques vraiment réussies.

Cet album est donc un étrange objet qui intrigue surtout quand on sait l'attrait de Corbeyran pour le policier. J'ai été un peu frustré de voir ce potentiel bouclé (très convenablement) en un one-shot. Les lecteurs habitués aux BD psychologiques seront sans doute les plus satisfaits et surpris par ce scénario hybride. Les fans de thriller seront sur leur faim. La lecture n'en est pas moins très agréable, donnant envie d'avancer et sans accroc. Un travail très sérieux qui manque sans doute un poil d'ambition.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/06/20/de-memoire

Ce que j’aime avec Dragonball c’est que par rapport à tant de Manga qui s’étendent sur des dizaines et des dizaines de volumes, ici on est déjà au cinquième tome et le second arc (Zamasu) se termine! Toriyama a toujours aimé jouer sur les espaces-temps (jusqu’à nous présenter par un schéma les différents chevauchements de temporalité) sans se formaliser avec les invraisemblances et Deus Ex Machina tous plus gros les uns que les autres. Cela fait trente ans qu’il balade ses lecteurs dans des combats toujours impossibles, où les héros n’ont de cesse de monter en niveau devant un adversaire invincible, à affronter des dieux, des rois de dieux, etc… et le pire c’est qu’on marche encore et qu’on en redemande!

Ce volume est donc à cheval entre la fin de l’épisode Zamasu et le début du tournoi des univers qui rassemblera à la demande de Maître Zen-o (le seigneur de tous les univers) les champions des douze univers. Avec un retour attendu du désormais mythique Monaka (!!). C’est donc moins baston, un peu plus d’humour à la sauce n’importe quoi et on revoit des personnages étrangement disparus de la circulation (la Goku family). Bref, business as usual mais j’adore et je continue jusqu’à la fin des temps…

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2018/12/08/sushi-et-baggles-6/

Excellente surprise que cet album post Secret Wars (Panini comme à son habitude nous relate les dernières évolutions du monde Marvel dans une introduction), qui a la même fraîcheur que le récent Esprits de la vengeance, des albums courts et libérés du carcan de la trame infinie du Marvelverse… Des auteurs qui ne sont pas des cadores de l’industrie peuvent alors se livrer à une enquête simple mais réjouissante, notamment grace à un Hawkeye au tempérament constamment décalé par rapport à la gravité de la situation. C’est très drôle et très bien dessiné par Travel Foreman dans un style assez technique mais à l’encrage un peu léger à mon goût. Sorte de Buddy-story avec deux personnages aux antipodes, Hawkeye l’ado attardé et Bucky Barnes le super-tueur ultra sérieux recherchent une Veuve Noire… officiellement tuée par le Captain lors des événements Secret Wars. On plonge donc en pleine guerre secrète des organismes d’espionnage: c’est dynamique, les séquences d’action très réussies, les dialogues donc sont délirants, bref, on a du bon comics d’espions, sans aucun super-machin (ou presque) et on espère que Marvel sortira d’autres épisodes stand-alone de cet acabit.

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Je reconnais à Mark Millar une radicalité toute européenne et des concepts qui s’ils ne sont pas toujours révolutionnaires ont pour eux un traitement toujours fun. J’avais découvert Kick-ass au cinéma et le personnage de Hit-girl m’avait bien plu avec son côté bad-ass psychopathe. Je découvre donc le personnage en comics et je dois dire que si l’aspect déjanté et ultra-gore change un peu des BD de super-héros aseptisés, il y a un relent un peu malsain qui s’en dégage. Sous couvert de buter du narco on plonge en plein sadisme sans aucune autre justification ou prise de recul que le fun. C’est un peu court. Le dessin de Ricardo Lopez Ortiz rappelle par certains côtés celui de Kaare Andrews sur Renato Jones (notamment l’utilisation de trames) mais est moins travaillé dans son découpage. La thématique aussi rappelle le 1% killer mais justement, si Renato avait pour lui la morale, Hit-girl dézingue pour le sport uniquement. Millar aurait pu travailler le côté psychopathe en livrant un message sur cette anti-héroïne. On termine un peu épuisé par autant de violence vide de sens, moyennement graphique et l’on oublie cet album vite lu pour se replonger dans le Jupiter’s Legacy du magnat Millar, oeuvre autrement plus ambitieuse.
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L’album relié, au format comic comprend treize histoires des bandits Kili et son pote le robot Banjo, pré-publiées dans le mythique magazine Ekllipse (… qui a participé à nombre de découvertes d’auteurs pour votre serviteur!) et dans LanfeustMag. Les quatre premières histoires sont dessinées par Eric Herenguel, d’autres uniquement écrites par lui, certaines où il n’intervient pas. Une quinzaine d’auteurs participent à ce recueil délirant, dont Timothée Montaigne, le dessinateur du Troisième Testament-Julius. Les histoires sont découpées avec page de garde. Chose assez rare, l’album commence par des bulles dans l’intérieur de couverture en mode « ouverture de rideau et fermeture de rideau ». Enfin, un carton propose des bonus à télécharger. Un gros délire de la première à la dernière page, j’adore le concept. Seul bémol, la couverture, malgré la signature de la star maison de l’éditeur (Kim Jung Gi), est terne et assez peu engageante. Étonnant, mais pas suffisant pour ôter le Calvin pour l’édition.

Kili et Banjo ce sont les Bonnie & Clyde d’un futur en mode western, un univers désertique parcouru de camions géants et de stations service. Kili est une redoutable tireuse à la langue bien pendue et au verge très fleuri. Banjo est le dernier modèle des cyborg de type Mephisto, fabuleuse machine à tuer… dotée d’un défaut d’étanchéité qui le rend incontinent à l’huile de vidange!

Avec Kiliwatch Eric Herenguel a de toute évidence eu envie de rendre hommage à un chef d’œuvre que les quarantenaire ont découvert avec les premières publications de manga par Glénat au milieu des années quatre-vingt-dix: L’Appleseed de Masamune Shirow. On y découvrait dans un monde post-troisième guerre mondiale une vétéran de l’armée, machine à tuer accompagnée de son amoureux transformé en cyborg de type Hecatonshire aux capacités de perception phénoménales… Visuellement Kiliwatch est très proche du manga. Thématiquement on s’en éloigne avec un univers de sale gosse à la mode Fluide Glacial, beaucoup plus proche de Maëster. Les dialogues sont le gros point fort d’un album où on se marre franchement sur des réparties bourrines et vaguement vulgaires de Kili. Évidemment entre les histoires de gros (très gros!) flingues et les problèmes de fuite du robot, les histoires sont bardées d’allusions vaseuses basées sur les problèmes technologiques du robot ou sur la perfidie des bandits et autres salopards rencontrés. Mention spéciale au robot atteint du syndrome de la tourette. Amis de la finesse passez votre chemin!

"Allez, sortez gentiment ou mon pote vous finit au bazooka. Et il est locké en mode combat sans échec. Le premier qui descend les mains sous les oreilles je lui frise la tête au 44 Magnum"

Graphiquement malgré la profusion de dessinateurs tout se tient sur un assez bon niveau, mention spéciale pour Herenguel dont la colorisation notamment est remarquable en créant une ambiance rouge-soleil et poussière avec des textures très élégantes. On est étonné de trouver une telle qualité graphique dans une BD d’humour.

Même si l’album est un peu cher pour un format comics et une pagination a peine plus importante qu’un album franco-belge je vous conseille cette virée virile au pays des gros flingues et des bons mots. Je vous passerais la foison de références ciné, vous l’aurez compris, Kiliwatch est une bonne poilade qui donne envie tout autant de relire du steampunk à la mode mad-max que de feuilleter ses albums de Fluide.

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C’est peu de dire que je l’attendais celui-là! Depuis ma découverte des illustrations d’Olivier Coipel et ma première lecture de l’auteur sur Spider-verse, la diffusion des planches de l’album, j’imagine ce qu’un Mark Millar qui nous a proposé autant de chefs-d’œuvres pourra nous proposer. A noter que ce volume est un one-shot, comprenant les six issues de la publication US avec les couvertures originales en séparations de chapitres, des couvertures alternatives et une bio des auteurs (y compris l’excellent coloristes sans qui, tout de même, les dessins de Coipel ne seraient pas aussi forts). Le fait qu’il s’agisse du premier album publié par Netflix avec comme objectif une adaptation (déjà annoncée) à l’écran est pour moi totalement secondaire bien que cette info ait accaparé une bonne partie de l’attention des sites de comics. Et je crains d’ailleurs que la brièveté de l’album ne limite pas mal les possibilités d’univers large en série TV.

La famille Moonstone protège le monde des dangers d’entre les dimensions, de ce qui se cache entre les réalités. Ils sont magiciens. Ils ont une famille. Ils ont des problèmes. Ils sont humains… Lorsqu’une puissante magicienne bannie passe à l’action, les membres de l’ordre tombent les uns après les autres, massacrés par un mystérieux personnage déguisé en vénitien. Leur dernier espoir réside dans le plus puissant d’entre eux: Gabriel. Mais Gabriel a renoncé à toute magie depuis la mort de sa fille…

Les comics de Millar sont particuliers en ce que l’on sait à l’avance qu’ils ne seront pas ratés: la découverte réside dans la barre placée très haut et qui fait se demander si l’on aura été trop gourmand ou si l’on a un nouveau chef d’oeuvre. Sa très grande qualité (outre le choix d’immenses dessinateurs, contrairement à son compatriote Alan Moore qui semble opter pour l’inverse…) réside dans la cohérence de ses univers et la radicalité du traitement. Un peu comme Rick Remender, il aime placer de tout puissants personnages dans les affres des difficultés psychologiques du bas peuple. J’ai trouvé en cela de grandes proximités de Magic Order avec Jupiter’s Legacy, dans cette approche familiale alliant de brillants représentants confrontés aux désirs paternels et d’autres vilains canards qui n’arrivent pas à gérer leur vie quotidienne. Mark Millar a un vrai talent de dialoguiste et de metteur en scène (à quand une réalisation?), créant des caractères intéressants, des images géniales et des scènes d’actions que ses dessinateurs savent parfaitement dynamiser. On a tout autant de plaisir à voir un magicien faire ses courses avant d’affronter un Titan que des assassinats défiant les lois de la physique et un prestidigitateur compter les entrées de son spectacle du soir. Et lorsqu’il laisse divaguer son imagination sur le sort original qu’il pourrait trouver on a une explosion d’idées toutes plus inventive les unes que les autres.

Contrairement à la famille d’Utopian dans Jupiter’Legacy, l’ambition ici reste celle d’une transposition adule du concept Harry Potter (jusque dans les baguettes). J’aime voir des variation sur le même thème, comme le Black Magick de Nicola Scott qui penche plus dans l’intimiste féminin. Pas de discours politique donc, aucune dénonciation, Magic order est (ce qui est beaucoup reproché à Millarworld) un concept destiné à lancer une poule aux œufs d’or audiovisuelle pour l’investissement de Netflix. Ce manque d’ambition de l’auteur écossais est dommage car son talent est fou et il est un des rares scénaristes à assumer ses envies, sans censure, se rapprochant beaucoup plus de la philosophie du Franco-Belge que de l’industrie super-héroïque formatée. Chez Millar on se drogue, des gamins égorgent des adultes dans la nuit, les personnages sont ouvertement homosexuels et même quand c’est édité chez Marvel les super-héros se font massacrer et le monde dominer par une famille Hulk consanguine et dégénérée (Old-man Logan qui a inspiré le Logan de James Mangold au ciné). Ce n’est pas le trash pour le trash mais juste plus réaliste que ce qu’on lit souvent. Millar donne à voir la vie réelle des super-héros une fois ôté le vernis politiquement correcte. Et c’est ce que veulent les lecteurs comme le montrent les grands succès de super-hero movies au cinéma. Malheureusement Magic Order est au format one-shot, ce qui est suffisant pour lancer un pitch mais bien trop court pour développer un background solide et réaliste. Pour rappel Jupiters’s Legacy tenait en deux tomes…

Graphiquement en revanche on a sans doute un des plus beaux comics de l’année. Olivier Coipel est un très grand dessinateur avec un style qui évite les dessins trop léchés de nombre de ses confrères. Un peu comme Jerôme Opena ou Sean Murphy j’aime le côté rapide, à la fois très précis et hachuré de ses cases. La colorisation de Dave Stewart rehausse incroyablement ces dessins et si Panini propose une édition spéciale n&b, personnellement je ne suis pas sur que ce soit préférable tant on à ici l’alchimie parfaite dessins/couleurs qui rend l’album supérieur. Le design général est également au top, avec une élégance et un côté décalé qui rend cette histoire vivante. Les différents magiciens sont à peine entraperçus, nous donnant terriblement envie de savoir de quoi ils sont capables, avant de disparaître… Encore frustrant.

Magic order est donc bien un des tous meilleurs comics sorti depuis longtemps, d’une facture irréprochable, mais aussi frustrant qu’enthousiasmant. Qu’il s’agisse des personnages, de l’histoire de l’ordre et de la Guerre secrète, de la famille Moonstone, tout n’a que le temps d’être effleuré et c’est déjà fini. Pourtant il y a de la bravoure, du mystère, du sang, de la folie,… tout ce qui fait un succès. Les auteurs s’amusent pendant quelques planches à imaginer les pouvoirs de ces sorciers, comme si détruire les amusait plus que bâtir sur le long terme. Le magnat des comics aurait pu nous gratifier d’un ou deux volumes supplémentaires pour bâtir un sommet des comics. Il préfère nous laisser là les yeux brillants, à relire ce qu’il nous a jeté et attendant sagement son prochain concept. Avec une prolongation sur Netflix pour les plus passionnés.

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Très bonne surprise que ce Télémaque, avec notamment une découverte, l’excellent dessinateur espagnol Kenny Ruiz, au style proche du manga et aux encrages forts issus de l’école espagnole. L’équilibre n’est jamais évident à trouver pour les séries estampillées jeunesse, entre un intérêt scénaristique et une simplification qui parle aux jeunes. Les auteurs ont trouvé cet équilibre avec un vrai réalisme littéraire dans les noms grecs et la complexité mythologique comme politique du contexte de l’Egée antique. Les enfants pourront trouver cela un peu compliqué mais les férus de mythologie (ils sont nombreux) s’y retrouveront. L’action et le style manga est en outre diablement efficace, avec des personnages drôles et une succession de péripéties qui s’enchaînent en suivant l’itinéraire de l’Odyssée de façon fluide et non forcée. Dans l’esprit on est proche d’Aliénor Mandragore, avec le même humour décalé et des personnages semblant des transposition de héros mythiques. Télémaque est cependant plus efficace visuellement et en matière d’action. Et le principe de l’équipée de copains aux caractéristique bien particulières qui revisitent l’itinéraire d’Ulysse permet des perspectives sur une série longue. Une vraie réussite!

Cet album est un événement. Un peu comme l’Histoire de Siloë dont le dernier volume est sorti récemment après seize ans d’attente, le nouvel album du dessinateur Frank Miller, auteur qui a révolutionné la narration et le dessin de la BD américaine avec sa radicalité sur Hard Boiled (dessiné par Geoff Darrow, le designer de la saga Matrix), avec son ombre et lumière sur Sin City, avec son design sur 300… Xerxès est totalement lié à 300 sans aucunement en être une suite. Pour comprendre cet album il convient de faire un petit regard dans le rétro.

Miller naît artistiquement en 1985 avec la publication du Dark Knight return, en pleine époque Reagan, qui redéfinit totalement le Chevalier noir (autant que le fera bien plus tard Sean Murphy en… 2018). Toutes ses publications ont été marquantes mais celle-ci définit un comic mature qui se destine à un publique réellement adulte. N’ayant personnellement jamais vraiment apprécié cet album, trop daté, Frank Miller reste pour moi l’auteur (en 1991) de l’incroyable Sin City où, s’inspirant des dessinateurs sud-américains et du roman noir, il crée une œuvre unique par son approche graphique. Car Miller n’est pas un bon dessinateur et scénaristiquement un réactionnaire assumé… C’est donc dans la forme, le design, l’atmosphère que se trouvent la force de ses albums. Tirant parti de ses lacunes techniques il pousse le contraste et la recomposition des cases à l’extrême, ce qui donnera envie au très graphique réalisateur Zach Snyder (aucun lien avec le scénariste Scott Snyder) d’adapter au cinéma 300, album singulier notamment par son format à l’italienne qui permet une horizontalité étonnante en comics. L’histoire narre la bataille des Thermopyles où 300 spartiates tinrent tête aux légions de l’envahisseur perse Xerxès.

Là commence une nouvelle histoire liée au cinéma. L’adaptation de 300 suite d’un an celle de Sin city où Miller a fait ses premiers pas derrière la caméra comme co-réalisateur de Robert Rodriguez. Le succès des deux films donne des envies à la fois aux producteurs et à l’auteur qui, malade et fatigué de dessiner comme beaucoup d’artistes de BD, tente un solo catastrophique sur une adaptation du Spirit de Will Eisner. Une suite à 300 est annoncée chez Dark Horse, devant lancer un film. Mais Miller ne dessine plus… Finalement le film 300: naissance d’un empire sort six ans après le film de Snyder et reprends la partie la plus intéressante de la BD (les quelques planches alors dessinées) abordant la jeunesse de Xerxès derrière son roi de père, le grand Darius. L’histoire devait alors porter sur les batailles de Marathon et Salamine mais le scénario de Miller a totalement glissé pour aborder l’ensemble des guerres Médiques jusqu’à la conquête d’Alexandre.

Non que cette option ne soit intéressante. Mais, d’abord, le titre est bien celui du roi grandiloquent, vaguement drag-queen que Miller avait inventé en 1998. Le personnage, comme tout bon méchant, intéressait. Il n’occupe finalement que quelques pages avant que le lecteur ne voit des coupures chronologiques assez incompréhensibles: on passe de 490 avant JC à l’assassinat de Xerxès en 465 (séquence assez cryptique bien que graphiquement superbe, à base de drippings et de noirs puissants), puis l’on revient à -479 avant de sauter directement à Darius 3 en -336 et les conquêtes d’Alexandre. Guère de continuité entre tout cela (sur un album relativement bref). Sans doute Miller n’est que trop peu historien pour construire une histoire cohérente. Son propos est graphique et sur ce plan c’est très beau, original, spacieux. Mais Xerxès ne devait pas être un art-book, n’en est pas un…Matériellement superbe, cet ouvrage doté de 14 pages bonus fait la part belle aux pleines pages et propose sur une bonne partie des visions aussi puissantes que celles des albums précédents de Miller. Mais l’histoire chaotique de son accouchement a produit une dilution du scénario qui de matrice à blockbuster a glissé vers un enchevêtrement de plusieurs projets pas nécessairement mis en cohérence. Pour ceux qui chercheront une vision de l’antiquité il faudra repasser. Pour ceux qui attendaient une suite à 300 également. Les fans de Frank Miller eux seront comblés mais pas forcément rassurés sur la capacité de leur idole à réaliser de nouvelles BD de lui même dans les années qui viennent.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/06/12/xerxes-la-chute-de-lempire-de-darius-et-lascension-dalexandre/

L’édition intégrale n’apporte rien de plus que les cinq albums qui la composent. Les parties sont séparées par une page de titre.

Cette série est une référence, d’abord de par son âge, Luc Brunschwig ayant été un des scénaristes phares des débuts de l’éditeur Delcourt dans les années quatre-vingt-dix, à l’époque des premiers albums d’un certain Lauffray ou autre Vatine par exemple… Datée graphiquement, de par des couleurs que l’on faisait à l’époque et un dessinateur à ses débuts (qui progresse à chaque tome), le volume critiqué ici est le premier des trois cycles qui viennent de se terminer et reste totalement novateur dans son sujet comme son traitement.

Dans une ville de New York en proie aux violences et en pleine campagne pour la mairie, une série de personnages très différents, de toutes les strates de la société, vont s’entrecroiser autour d’une machination pour le pouvoir. Entre mafia, politiciens véreux, journalistes et citoyens marqués par une vie difficile, Jessica Rupert, une visionnaire idéaliste, est convaincue que l’intelligence peut conquérir la mairie de New York et rendre aux innocents leur place dans cette société inégalitaire…

Il est toujours compliqué de lire une grande saga avec un dessinateur débutant. Le niveau d’exigence graphique atteint par les jeunes dessinateurs aujourd’hui est sans commune mesure avec une époque où la pression était moins forte, les éditeurs faisaient leur boulot de lancer des jeunes, leur laisser leur chance. Je ne vais pas ici parler du débat actuel autour de la surproduction et du statut des auteurs (pauvres) mais le contexte actuel de la BD fait étrangement échos au sujet comme à la période de publication du Pouvoir des Innocents. Comme dit plus haut, l’aspect graphique ne doit pas vous dissuader de vous lancer dans cette aventure toujours pertinente et ô combien ambitieuse. Laurent Hirn propose dès les premières planches une partition, si ce n’est très technique, très respectable et il atteindra progressivement, avec une amélioration des couleurs dès le premier cycle, un niveau très agréable dans les cycles suivants.

En outre l’exigence du scénario de Luc Brunschwig, très cinématographique et original dans ses cadrages et surtout ses enchaînements, ne le rend pas facile à transposer visuellement. Car outre des effets atypiques que l’on trouve parfois au cinéma (des eyefish ou des perspectives faussées), la particularité du scénario est d’enchevêtrer les récits de manière perturbante au début mais ô combien efficace et intellectuellement motivante. Que ce soient les principaux protagonistes (le sergent Logan, sa femme, Providence le boxeur,…) ou des personnages secondaires, une narration continue l’autre, que ce soit dans le texte ou visuellement. En somme l’auteur utilise (là encore) le décalage entre image et son utilisé au cinéma qui permet d’emmener le spectateur sur des interprétations faussées de ce qu’il voit ou à l’inverse induire des similitudes. Vous l’aurez compris, Le Pouvoir des innocents est un véritable film en BD et pourrait sans aucun doute être transposé à l’écran pratiquement sans retouche.

Les thématiques abordées sont multiples même si elles correspondent à des sujets que l’on traitait fin 80 en BD comme à l’écran. La guerre du Vietnam, le traumatisme incurable, les riches et les pauvres en Amérique, la communication médiatique manipulatoire, tels sont les focus de la BD. Mais dans son aspect multiple le scénario ne s’accroche jamais sur un élément, entrecroisant l’ensemble en une toile cohérente, selon le personnage au manettes du récit à tel moment. Ainsi, l’histoire de Logan prends des aspects de film militaire alors que celle de Providence a l’image d’un film carcéral. Et ainsi de suite. En solo ces intrigues auraient été juste intéressantes, mélangées elles créent une dynamique qui immerge le lecteur dans sa complexité. On pourra néanmoins regretter un côté mièvre un peu insistant dès qu’il s’agit de Jessica Rupert. Un univers de bons sentiments un peu appuyés, qui restent cohérents par contraste avec la dureté des vies de ces « innocents » mais agace un peu la lecture par son côté premier degré.

Au final, avec ses défauts graphiques comme scénaristiques, Le Pouvoir des innocents reste une BD touchante par l’implication de ses auteurs, par le travail visible de Laurent Hirn, par son engagement politique réel. Comme toute l’industrie culturelle la BD a tendance à freiner ce qui peut sortir du consensus du loisir. Des BD comme celles de Luc Brunschwig ou Wilfried Lupano nous rappellent que l’imaginaire, le thriller, ne sont jamais aussi intéressants que lorsqu’ils se rattachent au réel et abordent des thématiques d’actualité et investissent le champ politique. Cette BD est un hymne à l’utopie politique, à changer le monde, à renverser la table des injustices d’un capitalisme triomphant. Merci aux deux auteurs de nous proposer cette bouffée d’espoir.

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Avant de commencer cette critique je tiens à féliciter l'éditeur Glénat qui fait un boulot assez remarquable sur ses albums depuis quelques temps, avec par exemple la collection Conan , l'exceptionnel Ramirez l'an dernier et donc cet album: alors que nous avons l'habitude, dans le monde de la BD, du marketing un peu facile sur des vrais-faux TT, les versions noir et blanc pas toujours sérieuses niveau tirage et des bonus maigrelets pour des prix de vente conséquents, l'éditeur grenoblois propose ici pour vingt euros un album de cent-vingt pages avec une superbe reliure et un cahier alliant entretien avec les auteurs et illustrations superbes. Ce que j'appelle une édition collector pour le prix classique vue la pagination. L'amateur de BD en a pour son argent et le sentiment d'être dorloté. Un album qui vous met dans des conditions optimales et qui mérite amplement un calvin éditeur!

A New-York, à l'été 1977 la canicule bat des records. Soudain une lumière aveuglante éclate. en arrivant sur zone les soldats découvre ce qui ressemble à une attaque nucléaire en plein cœur de Manhattan... Qu'ont à voir avec cette explosion Darby le bossu volontaire pour des expérimentations médicales avant-gardistes et Billy, le jeune noir qui semble communiquer avec les animaux? Alors que la haine raciale semble poussée par l’événement et la chaleur, des êtres aux pouvoirs inimaginables vont se révéler...

Luminary est presque une découverte totale pour moi. J'ai lu quelques séries de Luc Brunschwig qui est pour moi un scénariste de qualité, très régulier et dont la dimension politique me plait. En revanche je n'ai jamais lu la série de super-héros française Photonik, éditée par les éditions LUG dans les années quatre-vingt et ne connaissais pas le travail assez impressionnant de Stephane Perger. Et puisqu'il faut bien commencer par un côté, les dessins de l'illustrateurs, tout en couleur directe avec très légère retouche numérique à la marge sont un régal pour les yeux de la première à la dernière page. Et comme tout album peaufiné avec amour, les auteurs ont apporté un soin à l'ensemble du bouquin, d'un titre au design très original à la composition en chapitres, reprenant très clairement le format des comics US tout en restant dans la taille franco-belge. Dès la double page de titre on est jeté dans l'image, immense, immergente, explosive. Les auteurs prennent leur temps et c'est efficace pour nous conter cette origin story qui ne veut pas se presser (sans que cela soit ennuyeux). Car en conteur d'expérience, Brunschwig utilise a peu près la même structure en rétroplanning alterné que Bec sur son récent Crusaders mais avec une beaucoup plus grande efficacité. Si ce dernier perdait le lecteur dans son introduction par une trop grande opacité, ici le scénariste reste dans la simplicité, indiquant les bornes temporelles à chaque saut et suivant une structure finalement assez linéaire. Cela fonctionne très bien en nous donnant envie de comprendre tout le long comment ce bossu un peu débile a pu provoquer cette explosion d'énergie... De la même manière l'alternance avec l'histoire du gamin noir, sans être reliée jusqu'ici à notre héros, permet de doubler l'intrigue en maintenant le suspens. Des recettes simples mais toujours efficaces pour qui sait les manier.

Dans un schéma d'histoire de super-héros (peu originale donc), la mise en scène a une importance capitale et je dois dire que les planches sont bluffantes. Pourtant la technique d'aquarelle de Perger est peu évidente, comme le montre la série à succès Descender où Dustin Nguyen ne parvient pas à préciser ses arrières plans et donne une impression trop brouillonne. Le dessinateur de Luminary arrive lui à être remarquablement proche d'un dessin classique de la BD, d'abord par son trait précis (les annexes nous montrent l'évolution d'une page du crayonné à la couleur) mais surtout car sa colorisation éclate, dans des tons chaleureux de jaunes ou de rose. La taille des cases permet sans doute cela, mais toujours est-il que la maîtrise graphique est impressionnante et justifie à elle seule la lecture de cet album.

Du reste pour qui aime les super-héros on a ici une histoire de sensibilité européenne, jouant de politique, parlant de la ségrégation et des mécanismes de manipulation des foules à côté de l'histoire typique des expériences clandestines gouvernementales avec savant fou à la manœuvre. Le surgissement de Luminary est puissant, réussi, son affrontement avec sa consœur magnifique et l'histoire du jeune noir touchante. Les auteurs sèment les graines pour une série qui pourra durer longtemps et dont les bases sont suffisamment solides pour nous entraîner dans des aventures fantastiques tout au long des années 2020. Un poil trop formaté pour être un chef d'oeuvre mais assurément un coup de cœur quand à la qualité irréprochable du travail de bout en bout de cet album.

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L'équipe de la très sympathique série Wonderball revient chez son éditeur de toujours pour une nouvelle série éponyme qui sent bon l'Ouest et le soleil. Avec la qualité des trois auteurs on pouvait s'attendre à un nouveau succès parti pour de longues années de têtes de gondoles.

Nevada est un arrangeur: il est envoyé récupérer les acteurs d'Hollywood partis en vadrouille et qui mettent en péril l'équilibre financier des films en cours de tournage. Nous sommes aux Etats-Unis quelques années après la Grande guerre. Entre enquêteur et gâchette, il sait déjouer tous les traquenards. Lorsque son employeur l'envoie aux trousses de l'Etoile solitaire il se retrouve aux prises avec la mafia mexicaine...

Dans ce genre de BD je pars en confiance aveugle entre les mains de bons conteurs chevronnés. Car finalement dans la BD d'action et d'aventure le contexte est souvent secondaire face à l'efficacité des dessins, du découpage et des dialogues. On a de ça bien sur dans ce premier tome de Nevada. Des séquences amusantes lorsque dès l'introduction le héros trouve une actrice dans une situation fort scabreuse, un art de la réplique, des séquences d'action efficaces... Colin Wilson sait mettre en image bien que son style très années 90 n'évolue guère et conserve des lacunes notamment sur les visages étrangement plats de ses personnages. C'est vraiment surprenant car nombre de cases sont particulièrement léchées avec leur aspect western à la Giraud (Wilson a commencé sur Blueberry) quand beaucoup de gros plans semblent mettre l'artiste en difficulté. Les couleurs aussi (on a  l'habitude chez Delcourt) sont remarquables et si les encrages de Wilson restent superbes (je conseille la version n&b) le travail de Jean-Pierre Fernandez donne une autre dimension à ces planches.

Tout devrait aller pour le mieux dans le meilleur des mondes... sauf qu'une fois clôturé cet album on a un vague sentiment de consommation d'une énième BD dont la justification est discutable. Il semble évident que l'envie des auteurs de travailler dans une ambiance western avec ce profile inhabituel (encore que...) explique l'existence de cette série. Pourtant on cherche l'originalité. Le héros est abordé de trop loin pour être charismatique, le background est vraiment léger et seules les péripéties du personnage permettent de faire avancer une histoire dont on se préoccupe guère. C'est assez gênant car on finit ce joli album bien construit avec une impression de vacuité. Peut-être la mauvaise idée qu'un éditeur avisé aurait dû demander à retravailler... Devant la profusion de publications, L'étoile solitaire est aussitôt lue aussitôt oubliée.

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Je profite de la sortie du nouvel album du duo, la suite du film La chasse du comte Zaroff, pour chroniquer l'intégrale de la série Reconquêtes, que je n'avais pas vu passer lors de la sortie de ses quatre tomes et dont l'atmosphère et le dessin m'ont littéralement envoûté en librairie! La très belle édition du Lombard sépare les tomes avec d'immenses doubles-pages reprenant les illustrations originales des volumes, un régal. Elle inclut un cahier graphique de recherches préparatoires de huit pages, très intéressant car il permet de voir l'évolution des premiers jets des personnages, beaucoup plus typés sémites avant leur évolution vers un type européen (j'y reviens). Enfin, une bibliographie des deux auteurs clôt l'ouvrage. Du très beau travail qui vaut un Calvin.

Dans une Antiquité reconstruite, l'avancée des puissants Hittites en Asie Mineure pousse la Horde des vivants à se reformer: cette alliance de trois peuples nomades, redoutables guerriers, va entamer une reconquête de leurs territoires, entre trahisons, suspicions et courage guerrier. Leur chronique sera suivie par une scribe, la très belle envoyée du roi de Babylone Hammurabi...

Reconquête est un étrange objet, un scénario composite mis en image par l'impressionnant François Miville-Deschênes, que je ne connaissais pas et qui compte indubitablement parmi les plus grands dessinateurs en activité. Ce qui saute aux yeux dès les premières planches c'est la technique parfaite du dessinateur québécois. Que ce soient les animaux, les hommes ou les femmes, tout est précis, détaillé, différencié. Alors qu'un certain nombre de dessinateurs réutilisent le même visage avec de simples changements de coiffures et de costume pour leurs personnages (Bilal par exemple), ce qui peut être gênant pour la compréhension, ici l'hyper-réalisme est extrêmement agréable et donne véritablement l'impression de lire un péplum sur grand écran. Le travail documentaire très conséquent sur les costumes, les décors, mobilier et l'imagination pour rendre cette Antiquité semi-historique crédible sont vraiment remarquables et montrent une passion de tous les instants mise dans ce travail.  Il a toujours été compliqué de représenter l'Antiquité sans tomber dans le kitsch. Le style de Miville-Deschênes accentuait ce risque, en se souvenant des grands dessinateurs réalistes tels Chéret (Rahan) qui ont produit nombre de BD historiques un peu désuettes depuis les années soixante. Or, que ce soit par la colorisation très élégante ou l'esthétique générale, tout est de bon goût, crédible, travaillé. Certains albums font ressentir le travail préparatoire, le développement de l'univers et des personnages. C'est le cas ici, un peu comme dans la grande série Servitude, où les combats ne sont qu'un moment (grandiose!) dans la description ethno-historique de peuples qui combattent pour leur mode de vie.

Sylvain Runberg nous propose avec Reconquêtes une Antiquité fantasmée, reconstituée par agencement d'éléments distants. Ainsi la scribe qui fait office de narrateur est envoyée par le roi de Babylone Hammourabi (XVII° siècle avant notre ère) pour suivre l'alliance des peuples Sarmate (env. V° siècle av. J.C.), Cimmériens (VII° siècle...) et Callipides (peuple cité par Hérodote) face aux conquérants Hittites (entre XVI° et XI° siècle avant notre ère)... L'ajout de références à l'Atlantide et de quelques créatures mythologiques permettent d'éviter toute  confusion quand au projet de réalisme historique et nous laisse profiter de la reconstitution de ce qu'aurait pu être cette antiquité oubliée. Si la pâleur des peaux surprennent au début, habitués que nous sommes à des typologies sémites pour les peuples antiques, elles illustrent le sérieux documentaire des auteurs puisque nous savons que les peuples Scythes étaient de type "caucasien", blonds et à la peau claire... Ce qui fascine c'est la cohérence de l'ensemble, avec des styles vestimentaires reconnaissables (et la propension des guerrières Sarmates, sortes de proto-amazones, à vivre torse nu...), la rudesse des combats et des mœurs, l'originalité de ces palais mobiles dans lesquels ces rois nomades se déplacent. Les auteurs ne nous épargnent rien de la violence de l'époque, avec des soldats souvent balafrés, des sacrifices humains bien gores et quelques séquences de sexe sans insistance. Si François Miville-Deschênes se fait plaisir en matière d'anatomie féminines aux plastiques parfaites, les planches restent très élégantes et cela ne tombe jamais dans le grivois. Qu'il s'agisse d'éléphants de guerre, de vieux magiciens ou de cavalières sarmates tout est élégance du début à la fin dans cet album.

L'intrigue est dramatique, dans le sens théâtral. Si les combats en cinémascope sont nombreux et parfaitement lisibles, le cœur de l'histoire repose sur les relations entre les trois souverains qui jouent entre respect, concurrence et méfiance. Un élément perturbateur est venu perturber l'équilibre de la Horde et une conspiration va semer la discorde en imposant aux trois dirigeants un choix: risquer la disparition de tous pour l'honneur de leurs peuples ou respecter l'alliance au risque de trahir leurs traditions propres. Ce dilemme qui les taraude du début à la fin est passionnant et permet de connaître les spécificités de trois peuples que seul le nomadisme et l'esprit guerrier tient ensemble. Reconquêtes pose sa focale sur le peuple des femmes et se rapproche en cela du récent Cœur des amazones mais en bien plus réussi car il n'oublie pas le spectacle.

Reconquêtes est la série que je n'attendais plus, un peu lassé de la Fantasy et peu intéressé par des BD historiques qui restent souvent figées dans leur aspect documentaire. Runberg aime tordre l'histoire tout en gardant ses bases comme sur sa récente série Jakob Kayne. Il propose avec son comparse un modèle de BD grand public à la fois héroïque, belle et bien écrite. Un régal.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/05/24/reconquetes

Après la chronique des tomes 1 et 2 de ces histoires de l'Ordre de Minuit, voici un tome 3 spécial japon et qui semble préparer de futurs autres tomes thématiques (sur l'Inde?). La couverture est signée Bablet et présente le Kaiju d'Hiroshima. Comme d'habitude, l'intérieur sera composé de cinq courtes BD d'auteurs différents, une nouvelle et des articles de background toujours intéressants, que ce soit sur les thématiques abordées (la place des femmes au Japon, les Kaiju, l’Île fantôme) ou l'univers occulte de l'Ordre de minuit.

- Mokusatsu (Pagani/Bablet): le volume s'ouvre sur une origin story avec le combat d'une équipe de Midnight girls contre le Kaiju libéré par les occultistes américaines à Hiroshima. C'est bien mené graphiquement bien qu'un peu facile (l'origine cachée des grandes catastrophes on commence à connaître...). Surtout cela va lancer toutes les autres histoires de ce volume trois qui en découleront. Les dessins de Baptiste Pagani rappellent ceux de Singelin et sont assez sympa bien que les décors atomiques d'Hiroshima laissent peu de place à la virtuosité.

- Parasites (Rouzière/Bordier): nouvelle équipe, menée par la fille de l'héroïne d'Hiroshima (Kyoko), qui va combattre des Yokaï (esprits) parasites, alors que sa mère a sombré dans l'alcoolisme et rejette toute sa frustration sur la pauvre jeune fille. Pas franchement convaincu par les dessins alors que le dessinateur Thomas Rouzière présente des illustrations vraiment superbes sur son blog...

- Bâton de cendre (Maudoux): le comparse Maudoux propose l'histoire la plus forte à la fois graphiquement (peut-être une de ses histoires visuellement la plus réussie?) et scénaristiquement. La construction complexe est très bien menée, lisible et touchante avec ces jeunes japonaises prises entre tradition et modernité... auxquelles s'ajoute le devoir de protection qu'impose l'Ordre. Cette section symbolise totalement le projet Midnight Tales (et plus globalement celui du Label 619) d'allier pop culture et analyse des faits de société. La sensibilité de Maudoux (allez voir Vestigiales, ça vaut le coup!) sur l’altérite est toujours aussi intéressante.

- Les sœurs de Selene (Neb studio/Bablet): très jolie séquence dans un pure style Anime dessinée par les auteurs de La Valise, avec de superbes couleurs, de l'action, du bizarre, bref, du tout bon. Surtout elle ouvre beaucoup l'univers avec l'apparition de cette confrérie inconnue jusqu'ici, qui a opté pour la collaboration avec les esprits dans une sorte de refuge, et qui sont attaquées par leurs ennemies, les Magical Girls... menées par Kyoko, en suivant donc toujours cette filiation de la séquence originelle.

- Epilogue (Bablet): qui conclue cette histoire familiale de Kyoko rendant visite à la tombe de sa mère. Anecdotique mais ces quelques pages permettent de conclure joliment cet album.


Au final ce troisième volume des Midnight tales est assez différent des autres par son homogénéité. J'aimais bien l'idée de volumes thématiques mais (peut-être par manque de temps pour la développer) l'histoire de cette Magical Girl est finalement moins accrocheuse que les histoires de chaque séquences racontées jusqu'ici. Mathieu Bablet continue néanmoins avec ses comparses (en nous permettant de très belles découvertes!) à développer une mythologie assez riche et qui mériterait d'ici quelques temps des albums entiers. A savoir que la trame principale de la série est écrite sur plusieurs volumes et devrait se recentrer sur certains personnages maintenant que le background est installé.

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Si on peut remarquer quelque chose sur les albums de Christophe Bec c’est que les couvertures claquent! Et on peut dire que celle-ci est juste magnifique et va directement dans mon top de l’année dans cette catégorie! En plus on nous parle de Hard-science, du premier voyage interstellaire à la rencontre d’une intelligence supérieure… je ne peux qu’en avoir la bave aux lèvres! Reste que Bec, un peu comme monsieur Millar, est un maître pour lancer des super projets mais a beaucoup de mal à tenir la longueur en se perdant dans de multiples toiles scénaristiques avec un goût prononcé pour la complexification de construction. Moins il aide le lecteur mieux c’est. Je ne suis pas en désaccord profond sur cette idée mais pour cela il faut que le scénario soit nickel.

Crusaders commence mal sur ce plan puisque les vingt premières pages ne cessent d’alterner des séquences dans le passé , le présent et le futur, sans aucune indication, que ce soit en matière de découpage ou de bulles. On finit par comprendre que le fil rouge est Natalia, la commandante en chef de l’armada des cinq navires spatiaux Crusaders, « offerts » par un signal venu de trente-deux années-lumières de distance… Hormis ce démarrage un peu abrupte et l’arrivée du signal que je trouve ratée, on bascule ensuite dans une trame plus classique qui suit la formation des équipages sélectionnés pour être les premiers humains envoyés si loin, le décollage des vaisseaux qui donneraient presque des frissons et la première étape du voyage emprunte d’angoisse de l’inconnu. A la fin de l’album la boucle n’est pas encore bouclée avec un prologue en mode apocalypse qui est très mal relié qui casse un peu ce mystère qui fait tout le sel de cet album au demeurant fort réussi. On retrouve dans La colonne de fer l’ambiance du premier film Star Trek avec un design général vraiment réussi, mélange de réalisme technique et d’esthétique futuriste crédible. De même avec les artefacts alien qui ont une cohérence d’ensemble remarquable. Et pour une fois le scénariste Bec (… oui, si vous n’avez pas suivi il est de plus rarement dessinateur sur ses séries) fait de gros efforts de pédagogie en nous expliquant via les discussions entre Natalia et son père ou avec le scientifique de bord les concepts de physique assez pointus qui sont utilisés ici. De la bonne Hard-SF, réaliste, gigantesque (l’arrivée sur la colonne de fer!!!), ambitieuse et qui évite le cryptique. Le risque est grand de tomber dans de la BD SF plus classique à l’arrivée des aliens, mais pour le moment hormis ces quelques accrocs on peut dire que Crusaders (prévu en maximum six volumes pour le premier arc) est la bonne surprise Space-opera que l’on n’attendait plus, ambitieuse, assez bien dessinée, mystérieuse et documentée.

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Attention, événement comme il y en a peu dans le petit monde de la BD! L’histoire de Siloé fut lors de sa sortie il y a … 19 ans!! un des projets SF les plus attendus et réussis avec un partenariat de deux valeurs sures du Franco-belge: Serge Letendre (le co-créateur de la Quête de l’oiseau du temps) et Servain, dessinateur typique des premières grandes séries Delcourt (l’esprit de Warren avec Brunschwig) et récemment de Holly Ann. Pour des raisons que j’ignore (je n’ai pas trop cherché…), la série prévue en trois tomes s’était arrêtée après le second alors que le dessinateur avait pourtant tenu les délais sur des albums de 70 pages. Rangée depuis presque vingt ans au cimetière des grandes séries inachevées, la saga dotée de l’ambition d’un Akira était considérée comme une grosse perte pour beaucoup tant l’intrigue et le dessin étaient réussis. Il faut croire que les personnes impliquées savent parfois tenir leur langue car c’est avec une immense surprise que Delcourt a mis en ligne il y a quelques semaines une date de sortie. Servain parlait en 2015 sur le forum BDgest de sa reprise a zéro du tome 3 dont les 2/3 avaient déjà été réalisés… et depuis plus rien. Pour le coup, si les arcanes des relations dessinateur/scénariste/éditeur restent souvent obscures sans que l’on sache à qui la faute, pour ce coup Delcourt a été très patient et fidèle jusqu’au bout puisqu’il propose en simultané la sortie du T3 et de l’intégrale qui permettra aux personnes à qui cette interminable attente aura été épargnée de découvrir la série d’une traite. Pour les autres il faudra relire, ce que je viens donc de faire avec attention.

Alors qu’il s’apprête à lancer l’expérience finale de ses travaux sur le Temps et la Matière, le professeur MacGuffin constate que sa femme, enceinte a pénétré l’enceinte du laboratoire… Devenu veuf avec une fille dotée de pouvoirs difficiles à comprendre, le professeur se retrouve au centre d’une lutte de pouvoir entre le président des Etats-Unis et une secte chrétienne très organisée. Poursuivi de toutes part il va devoir protéger sa fille et tenter de comprendre les implications de l’accident originel…

Cette série est compliquée à critiquer tant il est nécessaire de séparer les envies, les souvenirs et la comparaison avec les autres BD SF du même type. Tout d’abord les trois tomes de Siloë sont très différents, tant graphiquement que dans les rythmes de l’histoire. Serge Letendre a une grande ambition au départ, faire le récit d’une famille détruite par la science en même temps qu’une anticipation politique et un habillage scientifique autour de l’espace-temps. Dès les premières pages l’on sait que le professeur MacGuffin ambitionne de révolutionner (comme son scénariste?) la connaissance de la physique. Malheureusement le lecteur reste un peu sur sa faim quand aux développements des implications de ces recherches. Car très vite tout tourne autour des pouvoirs de sa fille, avec des mécanismes de mystère efficaces. Que sont ces chauves-souris qui surviennent autour de ses crises? D’où sortent les losty connectés mentalement avec la fillette? La secte des Esséniens?… On voit très vite différents thèmes repris d’Akira (on peut difficilement regretter les références à une telle bible): la secte religieuse, le pouvoir politique semi-démocratique, la crise institutionnelle, l’expérience qui dérape, l’enfant-mutant,… Le soucis est que passer après un tel monument nécessite d’apporter une autre vision d’auteur si ce n’est des éléments novateurs. Et c’est principalement ici que le bas blesse: le manque d’ambition au final. C’est étrange car les deux premiers volumes lancent des pistes et proposent une intrigue qui monte en puissance et qui laissait supposer un grand final. Mais comme ces séquences action très bien menées individuellement mais peu articulées dans les albums, trop timides, on a l’impression d’un manque de passion du scénariste pour ses personnages, pourtant assez réussis: les méchants comme le major West n’interagissent pas avec les héros, le super vétéran de l’armée dont l’on imagine l’intervention déterminante reste un spectateur un peu piteux, Siloë est passive tout le long et le président Steiner comme le chef des Esséniens sont cantonnés dans leurs bureaux. Comme un dramaturge qui ne saurait pas gérer la diversité de lieux on a un sentiment de juxtaposition d’événements, d’actions, de personnages, sans liens.

Logiquement il en est de même pour les planches de Servain, capable de dessins très subtiles, il alterne ici entre très beaux décors, vaisseaux qui semblent l’inspirer et personnages parfois rapidement dessinés. Le cadrage est hésitant comme s’il n’avait pas eu trop de direction de son scénariste… La séquence spatiale finale est par exemple très réussie mais ne se termine pas vraiment de même que son démarrage n’est pas préparé… il en est ainsi de beaucoup de scènes qui manquent de liant. Si le style a légèrement évolué (sans problème de cohérence pour autant), c’est surtout la colorisation qui est plus subtile aujourd’hui qu’à l’époque du tome 1 mais reste dans des tonalités un peu ternes. Avec un style rapide, Servain propose toutefois par moment de très beaux plans calmes ou des graphisme puissants lorsque le contraste de la case l’oblige à rajouter de l’encrage.

Je ne voudrais pourtant pas laisser croire que l’on a affaire à une mauvaise BD. Sans doute que l’attente et les portes ouvertes ont créé de la déception. Mais dans l’univers très concurrentiel de la Hard SF très peu de séries parviennent à assumer leur ambition (Universal War est un peu une singularité). L’art des faiseurs d’histoire est celui du bon agencement des emprunts. Et l’on peut dire que Serge Letendre connaît ses classiques en proposant une Terre futuriste où les déviances actuelles sont à peine poussées: la montée du fondamentalisme, la dépendance envers les technologies (les Dreamboxes rappellent d’ailleurs le récent Paris 2119), le pouvoir des médias,… Comme pour le Niourk de Vatine, on a le sentiment de quelque-chose qui n’est pas parvenu à sortir de sa chrysalide et qui nous laisse un peu penaud. Pas sur que le problème soit lié à la taille de la série (on a tout de même trois albums de soixante-dix pages, soit quasiment six tomes) mais bien plutôt à assumer le statut de série grand-public, d’associer l’intime, la réflexion scientifique et le spectacle. Essai moyennement transformé donc, qui reste malgré tout un projet original qui se classe dans le haut du panier SF avec l’oeuvre de Fred Duval.

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Années 80, Corse. Catherine rencontre par hasard un demi-frère dont elle ignorait l’existence. Il comble un manque inconscient, cette part corse que la parisienne, étudiante venant se ressourcer chez sa cousine ne connaît pas bien. Il révèle les mensonges de sa famille, de sa mère, obligée d’abandonner cet enfant d’un mariage turbulent. C’est l’histoire de la France, de la Corse, d’une famille qu’elle découvre en spectateur. Mais les secrets ne sont jamais terminés…

J’ai lu cet album car il figurait dans la sélection du prix des médiathèques du territoire où j’habite. Il s’agit d’une jolie découverte, dans un style graphique et une sensibilité générale proche du Paroles d’honneur de Leila Slimani et Laetitia Coryn. L’histoire corse en question est remarquablement construite, avec plusieurs étapes qui suivent une évolution surprenante et permettent de découvrir tout en souplesse des sujets assez différents: la mafia, les colonies et la France des années 50, les secrets de famille, la question corse et le terrorisme,… On pense lire une histoire de famille et le curseur s’ouvre rapidement sur quelque chose de plus vaste, sur le principe de la petite histoire qui intègre la grande Histoire. Le personnage principal est assez touchant, jeune fille simple découvrant la complexité des secrets de famille. Cette histoire aurait pu se passer ailleurs et aurait été tout aussi intéressante. Mais elle se passe en Corse et les spécificités de l’île (peut-être un peu caricaturale puisqu’elle ramène inévitablement la question mafieuse: la French Connection… ) rajoute un peu plus de drame. Pourtant le traitement se fait tout en douceur, sans pathos car c’est le point de vue de Catherine qui prévaut, aimant son demi-frère sans jugement malgré les ombres de sa vie. Les aller-retour temporels sont très bien balisés visuellement et se suivent sans difficulté, hormis peut-être l’évolution physique des personnages qui peut parfois être un peu compliquée.

Il en ressort un joli album dont la couverture reflète particulièrement bien cette narration douce et ombrageuse à la fois. Une belle BD que je n’attendais pas et qui, si elle nous surprend peu, est très cohérente et maîtrisée.

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L’album a été lu dans le cadre de l’opération annuelle 48h BD proposant une sélection d’albums à 2€. L’occasion de découvrir cette série incluse dans la collection créé par Jean-Luc Istin (les séries Elfes, Orcs, Nains, etc.). Je dois dire que si ma première tentative sur Elfes n’a pas été très concluante, j’ai essayé cette série notamment pour sa très jolie couverture qui respire la ride et l’âpreté… Les Inquisiteurs sont un ordre d’enquêteurs, à la fois juge et bourreau, envoyés en compagnie d’un sage elfe par le haut conseil des Juges pour résoudre les crimes commis sur le monde d’Oscitan, divisé en deux empires, au nord et au sud. Le concept de la série, par cycles de cinq tomes autonomes conclus par un album commun, propose donc des enquêtes avec un personnage différent chaque fois. Ici Obeyron qui assouvit sa vengeance après avoir été envoyé dans un piège mortel il y a des années et dont il est revenu doté d’une rage et de pouvoirs imprévisibles… Graphiquement on est dans du très correcte, notamment pour les personnages (moins sur les arrières-plans). L’univers de fantasy n’est pas très original mais intéressant néanmoins avec cette ancienne guerre globale dont le monde panse encore les plaies. Si le thème de l’enquête dans un monde de fantasy est sympa, on n’avance pas beaucoup, du fait sans doute d’une intrigue à étaler sur cinq albums. Du coup on lit surtout une succession d’actions violentes de cet ex-inquisiteur qui a un peu oublié qu’il ne devait pas se faire justice lui-même. L’originalité de l’album réside surtout dans ce fantôme d’elfe qui parle à l’oreille du anti-héros sans que l’on sache tout le long si le personnage est fou ou doté de facultés spéciales. Une demi-réussite, comme très souvent malheureusement dans ces séries concept dont est friand l’éditeur Soleil, dotées de belles couvertures, de dessins correctes et de scénarios qui se tiennent… mais peinent à justifier leur existence hors de l’intérêt commercial.

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J’avais chroniqué la très bonne surprise que représentait le premier tome de la nouvelle série SF de Bilal, qui m’avait réconcilié avec le grand illustrateur qui est cette année membre du jury du festival de Cannes… Le tome 1 nous laissait en compagnie de Junia Perth et Obb, à bord d’un aéronef à destination du rendez-vous pour récupérer la fille de ce dernier. Maintenant que le monde entier sait que le spationaute possède dans son crâne, une foule de services secrets, mafias et factions est à ses trousses. Son odyssée ne sera pas de tout repos malgré les pouvoirs gigantesques qu’il a acquis grâce à la cohabitation avec le parasite qui a élu domicile dans son corps…

Bug a le mérite de reprendre les thèmes chers à Bilal (et qui finiraient par devenir obsessionnels tant on les retrouve dans la quasi-totalité de son œuvre BD…) dans une trame scénaristique très classique bien que là-aussi très Bilalienne. J’avais laissé tomber ses BD après la grande déception qu’a été pour moi la quadrilogie du Monstre et je dois dire que nous retrouvons ici comme dans la trilogie Nikopol le même schéma de fuite chaotique d’un héros habité par un trésor improbable. Les héros de Bilal, portant toujours les mêmes visages, sont à la fois dépressifs (le mal de crâne de Nikopol ou de Nike Hatzfeld) et imprévisibles, avec une forte propension à être enlevés par des sectes et autres groupuscules. Résultat de recherche d'images pour "bug bilal"Ses récits sont emprunts d’une sorte de passivité qui transforme les voyages en succession d’enlèvement-fuite. On peut s’en lasser mais constater également que nombre d’auteurs reprennent leurs thèmes de façon plus ou moins originale, à commencer par le patriarche Jodorowsky. Personnellement je trouve que l’on perd un peu en originalité mais si Bug est plus classique, plus sage que le Monstre (notamment graphiquement) il est aussi beaucoup plus accessible et pourrait presque être vu comme une version grand public de sa dernière grande saga. Cela sans-doute car moins personnel, moins intime et plus en phase avec notre actualité. Bug est un pur récit d’anticipation et en cela la vision de Bilal, avec son humour décalé et sa vision toujours fraîche (j’adore ses versions du néo-marxisme, des mafieux corses et des supporters-terroristes de l’OM!) touche juste. Son personnage connecté donne une vision sérieuse et franco-belge de l’héroïne Valiant Livewire et il est amusant de comparer ce traitement très différent, comme quand on mets en miroir les films MCU et l’Incassable de Night Shyamalan! Ce second volume poursuit donc sur les mêmes bases que le premier, avance un peu mais sans que l’on s’attende à un coup de génie scénaristique. C’est bien sa vision du futur et l’ambiance graphique unique qui plaît chez Bilal. On ne peut pas contester l’élitisme/hermétisme de précédents albums et la simplicité du nouveau. Moi je préfère comprendre ce que je lis en rêvant, qui sait, à un retour à une collaboration plus sage avec un certain Pierre Christin…
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Dans cet épisode le tournoi pour déterminer le futur chef du village qui épousera la sœur de Kohaku bat son plein. L’arc du village touche à sa fin avec l’invention de la chimie et du médicament qui devra sauver la prêtresse. Je trouve que la série commence à s’essouffler en réduisant le côté world-building avec un combat où l’on retrouve les grimaces chères à Boichi mais pas très intéressant ni graphiquement ni thématiquement. Heureusement les auteurs savent rebondir régulièrement avec un cliffhanger assez costaud qui nous relate ce qui s’est passé juste après la pétrification… Je pense que je vais m’arrêter là pour ma part mais cette série reste de très bonne qualité pour les jeunes et peut aussi servir à introduire un lecteur (disons à partir de 10 ans?) au manga avec son aspect vulgarisation scientifique accélérée.

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Mauvaise pioche… J’ai découvert le talentueux Gerald Parel sur twitter où il publie régulièrement des fan-art de toute beauté. Du coup j’ai voulu tenter un des rares comics qu’il a dessiné… et comme pour nombre d’autres illustrateurs Parel est clairement plus attiré par les dessins de couvertures et autres concepts que par des albums complets. Celui qui doit publier une nouvelle version d’Astroboy très prochainement (on espère que Morvan saura cadrer) propose ici ce que je qualifierais de brouillon… Si l’histoire n’est pas inintéressante (bien que fortement reprise du scénario du film, avec un focus sur l’alcoolisme de Stark), si Parel excelle dans un style proche du rough tout numérique pour ce qui est des visages et premiers plans, les séquences action, arrière-plans et décors sont totalement brouillons, à peine esquissés et franchement pas chouettes à voir! Je suis dur mais quand on connait le talent du bonhomme on peu être assez choqué que l’éditeur ait accepté de publier cela. Je n’ai rien contre le dessin numérique esquissé, bien au contraire, et il est toujours impressionnant de voir combien en trois traits une silhouette lointaine prends vie. Mais tout de même… Est-ce le problème du calendrier imposé ou Parel qui n’a pas pris le boulot au sérieux, je n’en sais rien mais cela aboutit à un album que je déconseille clairement, même aux amoureux d’Iron-Man et du dessinateur.

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Sa sent la fin! La vague finale de Sato est lancée pour détruire les institutions du pays après avoir pris le contrôle de la base d’Iruma dans une bataille dantesque! Ce volume comporte un peu moins d’action mais garde un rythme endiablé de révélations sur le fonctionnement des Ajin, de leurs fantômes et de leur « physique ». Gamon Sakuraï est un redoutable marionnettiste qui joue de ses personnages en recherchant toujours l’inattendu. Si quelques ficelles du plan de Sato s’avèrent un peu faciles, laissant les forces de défense et le gouvernement dans une sidération totale, on apprécie toujours autant ce diable se jouer de tout le monde avec une facilité déconcertante et une gestion de son corps totalement machiavélique. Au risque, depuis le début de la série, de vampiriser quelque peu l’attention du lecteur en laissant les personnages secondaires en retrait. On ne sait pas trop comment fait le héros Kei Nagaï pour parvenir à comprendre le raisonnement de Sato mais c’est finalement un détail tant cette série continue tome après tome à nous aspirer dans ce tourbillon d’action géopolitique qui n’oublie pas de questionner la société japonaise sur son élitisme et son rapport à l’autre. Résolument un indispensable si vous appréciez les manga!

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La couverture est superbe et le titre diablement intrigant et accrocheur. Un pari réussi sur ce coup de poker étonnant qui a fait parler de lui! Une biblio des deux auteurs est proposée en ouverture. Hormis cela rien de particulier. A noter que contrairement à ses habitude, l’éditeur n’indique pas de nombre de tomes prévus, ce qui est bien dommage, surtout sur une série de Loisel qui nous a habitué à des séries relativement longues.

Années 70, frontière du Brésil, Max arrive en terre inconnue pour retrouver son père, dont il ne connaît pas le nom… Il tombe sur un trio de copines délurées qui le prennent sous leur aile. Entre chaleur tropicale, camps d’ouvriers où règne une loi très primitive et amours simples, Max entame une quête improbable au sein d’une hostile Amazonie où les Mythes et croyances semblent ne pas avoir tous disparus…

Je dois dire que le titre a été l’élément accrocheur qui m’a fait m’intéresser à cette série en titillant ma curiosité. Les deux noms d’auteurs m’ont poussé à l’acheter: si je ne suis pas un fanatique de Loisel dont j’ai tendance à apprécier plus les scénarios que les albums qu’il a dessiné, j’avais énormément aimé le style d’Olivier Pont sur Où le regard ne porte pas… série qui a beaucoup de proximités avec Un putain de salopard (j’y reviens).

Ma première surprise après avoir refermé ce premier volume porte sur le ton de l’album, que j’attendais beaucoup plus sombre au vu du titre. Or si le sujet est bien « Max au pays des salopards » avec un univers féroce qui contraste avec la bonhomie des « 3C » (Corinne, Charlotte, Christelle, les trois filles de l’équipée), le traitement rappel l’atmosphère colorée et rigolote du Magasin général ou du diptyque d’Olivier Pont et Grégoire Abolin. Dès les premières planches à la superbe mise en couleur de François Lapierre (que Loisel a amené dans ses valises depuis ses séries précédentes), on savoure le style à la fois cartoon et très graphique d’Olivier Pont, qui se retrouve dans un univers familier fait de cabanes bricolées, de ciels azure et de feuillages verts profonds. Les respirations ésotériques apportent cette touche de mystère que le dessinateur avait su tisser dans son grand succès… une autre histoire de copains! Cette proximité entre les deux séries n’est pas une redite, elle raconte l’univers personnel d’un grand dessinateur qui rencontre un autre auteur amoureux de la nature. Car du vert il y en a dans ce Putain de salopard! Pages après pages, une bonne partie de l’histoire se déroule en effet dans une fuite de Max et son équipière muette, l’indienne Isabelle, aussi belle que mystérieuse, au sein de la jungle où entre fauves, pluie et maladies la chasse va se rapprocher de la quête initiatique. Malgré ce décors monotone, les planches ne le sont jamais. Avec un art du cadrage et des détails remarquable, le dessinateur (et son scénariste?) parvient à rendre chaque case superbe, inspirée, dessinée. Je note très souvent dans mes critiques la différence entre les bons albums où le dessinateur délaisse ses arrières-plans et les grands albums où chaque détail est travaillé. C’est le cas ici, au-delà d’un simple jeu premier/arrière-plan où la BD vire presque au documentaire animalier, Olivier Pont prends le temps tout au long de ses quatre-vingt pages de peaufiner ce qui fait vivre un univers, ces mille petits détails, mouvements, personnage qui donnent envie d’aller de l’autre côté de la page.

Cette vie est aussi apportée par les personnages, la grande force de Loisel. Ici l’on n’est pas chez les apollons et nymphes que beaucoup de BD nous dépeignent. Si le dessinateur sait dessiner de beaux traits, le duo croque volontairement des filles un peu grasses, un peu maigres, des ouvriers-esclavagistes pas-tibulaires mais presque, ou son héros bien couillon avec ses grandes dents. Les trognes de Corinne, la nympho libre, sont à mourir de rire et les séquences aux dialogues très dynamiques rendent la lecture rapide et joyeuse. On se sent bien avec les « trois C », un peu naïves, amoureuses de la vie, positives en diables et qui apportent une modernité à cet espace loin de la civilisation.

Le dernier élément qui rend cette BD attachante c’est son féminisme béat. Les deux gugus aux manettes de l’album nous dépeignent ce que l’on imagine la Guyane (l’album commence sur un tarmac au Brésil mais tout le monde parle français), où seules les femmes sont intelligentes et rassurantes. Les bonshommes sont soit moches, soit inquiétants, soit violents, soit les trois. Les filles sont amoureuses, optimistes et ont le savoir… J’ai pris beaucoup de plaisir en compagnie des quatre zigoto dans ce début d’odyssée contre l’injustice que l’on imagine virer vers le grand feu d’artifice dans les prochaines tomes. Sur un sujet presque aussi sombre que le Katanga de Nury et Vallée, je préfère cette lumière et cet optimisme où la beauté des feuillages rencontre la beauté des personnes. Et avec deux auteurs aussi talentueux on aurait presque envie que l’aventure se prolonge sur la longueur…

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J’avais critiqué le tome 1 que vous pouvez trouver ici avec notamment le descriptif éditorial. Entrecoupés de pages noires, les chapitres de l’album sont titrés en français et en anglais. Un court cahier couleur démarre l’un des chapitres centraux qui portent sur l’histoire des Anciens. Une courte bio de l’auteur et de Lovecraft est proposée en fin d’ouvrage.

Après le massacre du camp de Lake le professeur Dyer part à la recherche du seul survivant. Après avoir franchi la crête des immenses montagnes noires, par plus de 7000 mètres, ils découvrent une cité cyclopéenne datant de millénaires avant l’apparition de l’homme sur Terre. Une cité qui les mènera aux portes de la folie…

J’avais été légèrement déçu par le premier volume, notamment sur des dessins par trop imprécis et j’ai été très surpris par la différence avec ce second volume, qui s’explique sans doute par la construction du texte original (très progressif) mais pas uniquement. On sent en effet l’auteur bien plus à l’aide dans le graphisme architectural de la cité(les premiers mirages aperçus dans le premier volumes laissaient présager cela). Mais surtout, cette exploration laisse moins de place aux personnages humains (réduits à deux protagonistes) pour entrer pleinement dans une découverte absolument fascinante et remarquablement bien découpée. Pas un seul temps mort dans cet album que l’on peut découper en trois parties: la découverte de la cité, en plans larges, paysagers, montrant les dimensions incroyables des constructions, un gros passage central très réussi relatant l’histoire des Anciens et des Shoggoth qui nous fait entrer pleinement dans le Mythe de Ctulhu, enfin la fuite des explorateurs (je m’arrête là pour ne pas spoiler l’ »indicible » :).Résultat de recherche d'images pour "les montagnes hallucinées tanabe"

On peut regretter le petit manque d’imagination de Tanabe quand au type de constructions, parfois aux proportions démesurées qui illustrent bien le caractère « non-euclidien » de cette cité, parfois on tombe dans le basique mur en pierres avec voûte en berceau… Ca reste un détail mais toute la force des écrits de Lovecraft reposant sur l’impossibilité de ses visions (par exemple le principe même de la mégalopole par 7000 mètres d’altitude), des architectures que des humains auraient pu bâtir brisent un peu la magie. Néanmoins l’auteur sait semer des liens comme cette tour qui rappelle discrètement les peintures de la Tour de Babel (illustrant la descendance humaine des Anciens!) et ces bas-reliefs qui permettent aux explorateurs de découvrir l’histoire des créatures étoilées.Résultat de recherche d'images pour "les montagnes hallucinées tanabe"

Si le premier tome traînait à démarrer, ici on est dans l’action du début à la fin avec un rythme parfait. On découvre l’incroyable avec nos deux témoins, on apprends ce qu’il est advenu du survivant du camp Lake, tout est résolu jusqu’à la conclusion parfaite et logique. Avec ses références bien placées à nombre d’éléments de la mythologie ctulhienne (du plateau de Leng au Necronomicon en passant par la Ville sans nom des déserts d’Arabie,…), le manga de Gou Tanabe sait titiller notre envie de fantastique et pousse à aller lire les ouvrages de Lovecraft et sans doute ceux à venir du mangaka dans la collection éditée en France par Doki-Doki. Très fidèle au texte original, il cite également l’ouvrage mythique Arthur Gordon Pym d’Edgar Allan Poe, qui a en partie inspiré le mythe de Ctulhu. Un ouvrage sans faute qu’il aurait sans doute mieux valu publier en un unique tome et qui mériterait cinq Calvin avec des dessins un peu plus expressifs.

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Esad Ribic est un de mes dessinateurs chouchou depuis ma lecture du fantastique Thor: le massacreur de dieux et les graphic novels qu'il a sorti sur Loki, Silver surfer et Namor. Capable de l’exceptionnel comme de l'assez banal, ses dessins ont néanmoins toujours une ambiance unique, barbare et éthérée, que j'adore. Mercenaire de Marvel depuis des années, pour lequel il produit un nombre important de couvertures, toutes superbes, Ribic propose avec VS son premier comic indépendant, peut-être lassé par une industrie qui ne permet plus à des auteurs de proposer de beaux albums finis... Panini sort très rapidement sa traduction dans une édition identique à l'originale, avec la maquette particulière qui intègre intelligemment l'atmosphère télévisuelle aux chapitres de la BD et ajoute les couvertures originales et alternatives en fin de volume.

Sur une planète futuriste les conflits armés sont devenus un spectacle télévisé jouissant d'une audience record et sponsorisés par une foule de produits. Tout se vends, tout s'achète.  Satta Flyn est le meilleur soldat de la garde industrielle. Voici ses chroniques...

Je ne vais pas vous cacher que je n'ai pas compris grand chose à cette histoire... Est-ce d'ailleurs bien un one-shot? Rien ne le confirme ni ne l'infirme et j'espère sincèrement qu'un tome deux viendra expliciter quelque peu cette intrigue très obscure. Mais y a t'il seulement une intrigue ou le projet n'est-il pas plutôt de dépeindre les chroniques d'une société du spectacle publicitaire?

Car sur ce point l'affaire est tout à fait réussie avec une omniprésence de messages d'annonceurs qui rappellent les films de Paul Verhoeven et le récent Il faut flinguer Ramirez qui proposait comme ici de fausses publicités pleine page. Dans VS ces publicités sont placées idéalement comme pages de transition entre les chapitres, véritables intermèdes dans l'histoire. Bien vu! On découvre ainsi au fil de la lecture de nombreux messages par des bulles et icônes qui nous maintiennent dans cette omniprésence de l'intervention commerciale, du sponsor, sans jamais savoir si nous voyons à travers un écran de diffusion ou la réalité. Les BD traitant de Big Brother ou de l'hyperconsommation publicitaire sont nombreuses mais je n'avais jamais autant été immergé dans cette ambiance par des planches elles-mêmes. Ainsi nous voyons des soldats, entre le sportif et le gladiateur, soutenus par des sponsors qui peuvent décider au gré des choix des actionnaires de retirer leur soutien financier et l'équipement de haute technologie qui va avec. Le héros, amputé de la jambe, peut soudainement se retrouver infirme et le lendemain champion pour peu qu'il ait trouvé une autre écurie.

L'autre réussite est graphique, notamment le design des combattants et l'univers général hyper technologique que maîtrise Ribic depuis longtemps, avec ces arrières-plans brumeux laissant entrevoir de colossaux vaisseaux lardés de halos lumineux provenant des hublots et balises, que l'on voit souvent dans ses albums. C'est réchauffé mais que c'est puissant! Le découpage est généreux, avec un album d'un format ni trop gros ni trop court, des pleines pages et surtout cette science du mouvement, du cadrage dans laquelle le croate excelle.

Et j'en reviens donc à l'histoire, sans quoi on frôlerait l'album parfait (un message, des dessins, et...). Car hormis le démarrage avec de très belles séquences d'action en mode squad militaire SF dirigé par un héros qui déchire avec ses bras robotiques d'appoint très classes, on ne sait pas bien ce que l'on lit. Une description de sa vie de super-soldat, de son contexte, mais une gestion du temps tout à fait opaque (est-on avant, pendant, après?), le scénariste nous instillant par une bulle ici des infos qui seront contredites par la séquence d'après et surtout aucun élément pour attraper une linéarité. Du coup on voit combattre Satta comme un vieux soldat rouillé sans que l'on sache comment on est passé du statut de héros à celui de raté. Est-ce que l'héroïsme était fictif, qu'il le devait au talent de ses adjoints? Est-ce que le temps a passé? Est-il toujours en vie? Est-il un clone? Beaucoup de questions se posent, souvent riches, permettant d'aller dans plein  de directions... mais sans rien pour valider une thèse. Du coup ça fait mal à la tête et on finit par perdre totalement le fil à se désintéresser du personnage, pourtant très charismatique.

L'atmosphère militaro-spatial, le graphisme unique de Ribic, justifient pour moi la lecture de cet album mais on a tout de même ici un gros gâchis sur un projet qui avait tout pour donner une BD majeure. Je dis souvent sur ce blog que je suis particulièrement attaché aux dessins. Mais quand on en vient à oublier carrément de construire une intrigue il est difficile de garder une cohérence à un projet. Dommage.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/05/08/vs

Blackout est intégré au relaunch Valiant après le très bon Secret Weapons (dont c'est la quasi suite directe), le récent Ninja-K (qui se déroule à peu près en même temps) et la trilogie en cours X-O Manowar.

La psiotique Livewire (dont on comprend qu'elle est destinée à devenir le personnage majeur de cet univers), capable de communiquer et contrôler tout ce qui est électronique, provoque un blackout total sur les Etats-Unis lorsque le gouvernement s'en prends à ses protégés, les jeunes psiotiques branques découverts dans Secrets Weapons. Le GATE envoie alors le héros Aric tout juste rentré de ses aventures spatiales pour contrer Livewire. Ninjak et Bloodshot se mêlent à la bataille ainsi que le HARD corp, dans un conflit sur le rôle que doivent jouer les héros, la liberté individuelle et l'attitude autoritaire des gouvernements.

Un héros doit-il obéir au pouvoir ou est-il un contre-pouvoir? Les psiotiques sont-ils un danger pour l'humanité?... des thèmes classiques de l'univers X-men qui nous sont proposés ici de façon pas hyper originale donc mais très bien écrit et remarquablement dessinée. Car si j'aime toujours le traitement radical des héros Valiant, avec des caractères bien trempés et indépendants voir sombres, c'est bien le graphisme qui marque sur cet album et en fait sans hésitation le plus bel album de l'éditeur proposé jusqu'ici. J'ai déjà remarqué depuis plusieurs albums la barre mise assez haut en matière de dessins mais ici on arrive à un niveau rarement vu en comics. En effet les quelques quatre artistes qui officient sont tous très très forts et particulièrement inspirés. Par exemple Renato Guedes qui m'avait estomaqué sur ses planches de X-O Manowar mais beaucoup déçu sur Bloodshot Salvation #2, impressionne fortement sur cet album. Idem pour Thomas Giorello dont le style semble plus adapté à  l'univers terrestre de Blackout (comme celui de Ninja-K) que le gros bordel guerrier d'Aric. Enfin, Patricia Martin reprends exactement le style, la colorisation et le découpage particulier de Secret Weapons pour notre plus grand bonheur. Une véritable dream-team sans aucune baisse de régime qui maintient un intérêt visuel sur une trame sans les ruptures qui avaient pu faire la marque de fabrique de certains albums Valiant (Bloodshot ou Ninjak). Du coup la lecture est aisée, sans réflexions permanentes sur qui est qui et on est quand et reste centrée sur l'intrigue principale. Ça se fout pas mal sur la gueule, l'évolution de Bloodshot est très intéressante et pour peu que vous soyez à jour dans les derniers albums publiés par Bliss vous prendrez grand plaisir à lire l'évolution émotionnelle de Ninjak et Livewire. L'image totalitaire des agences gouvernementales (déjà aperçue dans Ninja-K) étonne et pousse les héros à remettre en question leur rôle. Dès mes premières lectures Valiant j'ai aimé l'idée d'un Toyo Harada, sorte de Magneto œuvrant pour l’essor de la race psiotique tout en les persécutant, cette zone grise où personne n'est très propre. Avec de vrais questionnements qui laissent de côté les quelques délires fantastiques d'autres séries Valiant, Blackout est pour moi le deuxième album de l'éditeur où je prends autant de plaisir (... et qui donne envie de lire d'autres titres!) depuis The Valiant qui m'a fait commencer cet éditeur. Une grande réussite et une porte d'entrée/vitrine possible, relativement facile d'accès et rattachée à beaucoup de séries publiées en France par Bliss.

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J'avais vu passer à sa sortie ces très belles couvertures inspirantes, montrant le travail des noirs de l'auteur et le contexte de la grande Dépression à New-York. Ayant lu auparavant l'excellent Blue Note portant un peu sur le même thème (la destinée d'un costaud mystérieux dans le New-York de la Prohibition) je me suis laissé tenter par cette série aux très bons échos presse et dont la fausse suite, Bootlack, sort ce printemps chez le même éditeur.

Dans la Dépression il y a des hordes de chômeurs et d'immigrants attirés par les feux de l'Amérique, mais il y a aussi des riches qui mènent une course aux plus hauts grattes-ciel. Cela fait de l'emploi, dangereux mais rémunérateur et crée des sociétés d'ouvriers rassemblées par nationalité. Parmi eux il y a "Giant", l'irlandais quasi muet. C'est son histoire qui nous est contée...

Le problème avec les BD dont on parle beaucoup c'est qu'on attend un chef d'oeuvre à chaque fois. C'est parfois le cas, mais la plupart du temps on a "juste" de très bonnes BD... C'est un peu ce qui se passe avec ce diptyque Giant qui emprunte un chemin déjà très balisé, celui de la Dépression américaine dont l'iconographie a été allègrement diffusée par la photo et le cinéma. Difficile ensuite de trouver un élément qui justifiera cette énième vision, tant ces plans de gamins jouant dans le jet des bouches d'incendie, ces ouvriers en salopettes trop grandes et ces villes entre noir et miroir font partie de l'imaginaire collectif!

L'ouvrage commence d'ailleurs sur ce cliché mythique d'ouvriers déjeunant sur une poutre suspendue pendant la construction du Rockfeller Center et c'est le point de départ de cet album qui vise à nous conter les dessous de l'image: qui était le photographe, qui étaient les ouvriers, quelle était leur vie et le pourquoi de leur arrivée à New-York. En prenant pour focus un colosse mystérieux, l'auteur instaure un mystère nécessaire au déroulement de sa photographie. L'homme qui manie le pistolet pneumatique destiné à enfoncer les rivets est de celui que l'on ne titille pas. Il sait être protecteur avec son nouveau partenaire d'équipe, un jeune idéaliste beau parleur, pour peu qu'on ne lui pose pas de questions sur son passé. C'est à ce moment que l'on découvre une correspondance avec Mary-Anne, une irlandaise restée au pays et dont les lettres indiquent une grande proximité. Mari? Frère? Le lecteur est titillé par de nombreuses questions que Mikaël délie subtilement tout au long de ses deux tomes. Sur ce plan le scénario est très habile et parfaitement rythmé.

Côté dessin j'ai été un peu déçu en comparaison de l'album de Mickaël Bourgoin, dont le trait est plus organique, plus râpeux et reflète ces espaces sales d'une Amérique à peine sortie du tiers-monde. Intrinsèquement il n'y a rien à reprocher à Mikaël, qui propose des planches aux beaux plans très encrés, suffisamment proches de nos attentes sans tomber dans le fan-service. Simplement, comme dit plus haut, il arrive après beaucoup de très bons travaux et pour comparer à l'album précédent on constate sans doute la différence entre un auteur autodidacte et un autre formé à Emile Cohl.... le diable est dans les détails.

Giant propose une bonne histoire, une époque et un lieu passionnants, dispose de bons dessins et de deux couvertures très marquantes. Il rate néanmoins l'excellence par un petit manque d'originalité, par une touche d'auteur qui permettrait à l'album de dépasser la carte postale. Par de nombreux moments (lorsqu'on aborde la photographe) on n'en est pas loin. Mais ce Giant reste trop longtemps une image, une figure manquant un peu de contenu qui empêche le lecteur de s'impliquer dans sa lecture. Je recommande néanmoins ce diptyque qui est une très bonne lecture pour qui s'intéresse à ce sujet, mais qui n'est pas l'ouvrage majeur dont certains ont parlé.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/05/01/giant

Saccage est un rêve... ou un cauchemar? Dans sa préface Frederik Peeters explique le pourquoi de cet album et quelques grilles de lecture (malgré son caractère très personnel, ce texte vous aidera un peu à saisir ce que vous vous apprêtez à découvrir). Cette lecture, toute fascinante qu'elle soit n'en reste pas moins totalement hermétique malgré les quelques lignes de suivi qui nous sont données, principalement cet homme jaune et l'enfant qui l'accompagne. L'album, qui est pour moi plus un art-book qu'une BD, a cela de fascinant qu'il semble donner une matière aux visions intérieures d'un artiste, avec toutes ses références plus ou moins évidentes (un inca de Tintin par ci, Bruegel par là en passant par les animaux-insectes de Dali...). Il est d'ailleurs intéressant de prolonger la lecture jusqu'à la page de remerciements où l'auteur s'essaye à une liste non exhaustive de ses inspirations, beaucoup dans l'art classique, un peu dans la BD. C'est cet aspect conscient qui est le plus intéressant dans l'expérience de lecture de ce pandémonium graphiquement sublime. Je n'avais rien lu de Frederik Peeters et je découvre l'un des dessinateurs les plus talentueux du moment. Utilisant le stylo-bille comme un retour confortable à une technique qui semble le satisfaire (pour le travail des textures), Peeters nous propose une immersion visuelle où l'étrange se mélange au sublime dans un itinéraire fatigant tant le nombre d'éléments par page nous donne parfois l'impression de parcourir un album Où est Charlie?... Une expérience visuelle vraiment superbe que je conseille à tout amoureux du dessin.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/05/04/bd-en-vrac-8

Ce second tome arrive seulement quelques mois après le premier volume de cette aventure steampunk sous la forme d'une enquête dans l'imaginaire fantastique du XIX° siècle, où l'on passe de l'Ile du Docteur Moreau à Jack l'éventreur en passant bien sur par Jules Verne... On a laissé les deux frères embarqués dans une société secrète d'érudits, sur un aéronef en route vers le Portugal. Dès l'ouverture du second album on est replongé dans ce qui marque cette série: son découpage très innovant qui participe à un habillage général et donne du corps à l'histoire. L'histoire familiale des deux héros se détaille avec des flash-back où l'on apprend les relations orageuses avec le paternel, alors que les objectifs des différents membres de la société secrète s'avèrent troubles. Lorsque nos héros se retrouvent agressés par des créatures encore plus étranges que les "cyborgs" rencontrés à Paris la réalité bascule  et l'on ne sait plus trop bien ce qui est explicable et ce qui frôle le démoniaque... Les auteurs Alexie Durant et Sylvain Ferret connaissent leurs gammes en matière de fantastique et d'effets horrifiques (... bien gores!). "Tournée" comme un film, cette BD apporte un dynamisme certain en jouant sur nos références imaginaires en sachant titiller nos envies d'aventure steampunk et de fantastique sans tomber dans le plagiat de ce qui a déjà été fait. La fabrication sent la passion, du titre en latin jusqu'aux annexes qui prolongent l'intrigue. Quand originalité rime avec efficacité, il ne faut pas bouder son plaisir!

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Gros carton critique de l'année 2017 (Fauve du meilleur album à Angoulême 2018), cet album en solo de l'auteur du très réussi Singe de Hartlepoole nous présente la misère de l'Islande, terre désolée victime de la fureur de la Terre, ses volcans et ses geysers, ses tremblements de terre, la rigueur de son climat... Cette histoire assez sombre d'un orphelin doté d'une force colossale, volcan humain décidé à être quelqu'un, repose beaucoup sur le dessin, très particulier, des paysages d’Islande, ses coulées de lave, ses névés, ses landes caillouteuses. Sur Le Singe le style de Jérémie Moreau passait par-ce que c'était une farce. Ici on est dans la Saga, le récit mythique des héros islandais, ce qui peut justifier ce trait grossier. Mais j'ai eu néanmoins beaucoup de mal avec ces planches épaisses, ces personnages bovins et ces couleurs très ternes. Je reconnais la technique (issue de l'animation) de Moreau sur les plans et mouvements des personnages. Mais cela reste trop fruste pour moi. L'album a de toute évidence nécessité un gros boulot et une implication de son auteur (comme tous les albums de la collection Mirages de Delcourt), l'idée d'une Saga en cours de construction, avec ce poète qui reconnaît la destinée de Grimr malgré les heurts d'une époque et société très violentes, injuste, superstitieuse, tout cela est plutôt intéressant mais la partie graphique entache trop le projet pour en faire véritablement un bon album...

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Pfiouuu, enfin la conclusion de la saga mafieuse de Boichi, qui m'a fait passer par toutes les étapes: sceptique sur le début, ébahissement visuel sur tout un tas de séquences, ridicule vulgaire sur un gros arc et limites porno sur pas mal de séquences... Pour rappel mon dernier billet sur la série remonte à janvier avec la fin du combat contre Ban Phuong.

Après les révélations sur le rôle du clan du père de Yumin, fidèle à lui-même Ken abandonne le clan à son ami Tae-soo qui croit nécessaire d'assumer le fonctionnement criminel du clan, devenu la plus grosse organisation criminelle de Corée, rendu par là même visible aux yeux du Clan du dragon blanc. L'affrontement se prépare alors que ce dernier décide d'éliminer la Sun-Ken Rock et de prendre le contrôle de la Corée. Las, Ken décide de passer à l'action pour protéger ses amis et conclue enfin avec Yumin lors d'une soirée d'amour moins vulgaire que d'autres séquences de sexe du manga mais tout aussi explicite. L'affrontement final se déroulera dans le building de Busan où le parrain du Clan a posé ses valises.

La conclusion de Sun-Ken Rock est à l'image de tout le manga. Totalement sidérant de virtuosité graphique (Boichi est clairement l'un des tout meilleurs dessinateurs japonais), de chorégraphie des combats (l'affrontement au sabre de Yumin est magnifique), lénifiant de blablas interminables, très drôle quand il décale les séquences et tout à fait lourdingue par ses plans prolongés et récurrents sur l'entre-jambe des filles et ses délires SM. Arrivé au terme, je conseille aux lecteurs de démarrer simplement au tome 16 avec l'affrontement contre le gang de Ban-Phuong pour vous éviter ainsi les arcs inutiles sur la chanson et les interminables débilités et cours culinaires.

La série se termine de façon incompréhensible avec plusieurs courts prolongements entrecoupés de sauts temporels, comme si Boichi avait prévu d'autres arcs mais n'avais pas souhaité y passer encore plusieurs années. Enfin, on voit intervenir Wallman... La très bonne série dérivée est sortie en 2013, Sun-Ken Rock se termine en 2016 et reprends donc les personnages créés trois ans plus tôt. Contrairement à ce que je disais, peu de chance donc de voir une suite à Wallman...

Sun-Ken Rock reste donc une série très imparfaite, truffée de bonnes idées, de flamboyances visuelles de la part d'un homme au talent incroyable. Gageons que s'il choisit dans la suite de sa carrière de s'allier avec des scénaristes cela bridera ses mauvaises idées et fan-service éhonté. La série vaut néanmoins le coup pour ces moments de combat incomparables pour peu que vous preniez des raccourcis. A bon entendeur, salut Ken!

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/27/sushi-baggles-13

Jimmy est toujours poursuivi par les services secrets à qui il échappe assez facilement. Lorsqu'il découvre que sa fille est également un démon, il se retrouve plus vulnérable et fomente des plans pour la récupérer et éliminer l'agent qui le poursuit. Dans le tome 2 on en apprend beaucoup sur l'origine des démons et le fonctionnement du passage d'un corps à un autre (une sorte de "physique" démoniaque...). Sans oublier les jeux de problèmes sur lesquels s'éclate l'auteur, on est surpris de voir un contexte développé alors que la série démarrait surtout sur un concept absurde et gore. Dans le tome 3, après quelques longueurs décrivant la vie immortelle de Yee et sa fille, le rebondissement au tiers de l'album enchaîne sur l'une des course-poursuite les plus folles qui ait jamais été inventée (... et qui donne furieusement envie qu'un dingue propose une adaptation ciné qui enverrait sans doute Deadpoole au rayon des bleuettes disneyennes!) et s'achève sur un challenge imposé par l’adversaire du duo, immorale en diable et qui vous mettra un sourire de plaisir coupable jusqu'à l'occiput... Le tome 4 déroule l'attaque finale contre la base dont la défense vous aura déjà fait passablement marrer: des forces-spéciales unijambistes, des siamois, une armée de démons... et toujours des idées toutes plus farfelues pour contourner les problèmes dans ces paradigmes aberrants de la réincarnation immédiate.

A noter que, sortie après le manga Ajin (auquel il reprend beaucoup de l'idée "et si on était immortel"), la BD de Jason Shiga s'en inspire sans aucun doute en proposant une variation plus humoristique. Un coup de cœur immédiat et un des "top délire" de 2019!

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Le tome 1 avait fait partie de mes coups de cœur de l'an dernier, véritable choc  proposant une revisitation originale de la cabale fantastique en prenant pour objet l'argent et les banques d'investissement qui organisent le capitalisme financier mondial. La grande réussite du premier volume reposait dans son aspect visuel (où la maquette importe autant que les dessins très forts de Cocker), sur l'insertion de documents textuels développant largement le background de cet univers et sur l'effort de concentration demandé pour attraper des bribes de liens, au sein d'une histoire somme toutes assez linéaire. Je dirais que le volume deux perds un peu de cette nouveauté, de ce mystère en dévoilant un peu trop à mon goût la réalité fantastique de la Caïna-Kankrin. Avec quelques facilités scénaristiques qui raccourcissent fortement l'intrigue on perds un peu du charme pour revenir à une excellente BD mais qui se démarque du coup moins des séries proches. La richesse de cet univers reste néanmoins très grande et le talent des auteurs respire de chaque page. Ayant lu dernièrement Lazarus, dont le traitement hyper-réaliste et mystérieux à la fois est assez proche, je place clairement Black Monday murders au dessus, en espérant que le dernier volume (qui aura un peu de retard car sa parution n'a pas commencé aux Etats-Unis) retrouve le charme noir des débuts.

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YIU est un projet totalement atypique, à commencer par son titre unprononçable! Sorti il y a vingt ans chez l'éphémère éditeur Le téméraire, le projet très ambitieux prévoyait neuf tomes, avec les couvertures des trois premiers déjà réalisées (les deux premières ont été conservées, la troisième, remaniée en moins sexy, habille désormais le tome 4 de l'édition Soleil). Atypique de par sa longueur, sa pagination importante et surtout par le temps pris pour raconter les dernières heures du monde, l'Apocalypse du point de vue d'une assassin envoyée détruire la Bête afin de sauver son petit frère malade...

Le premier tome que j'avais acheté à l'époque m'avais subjugué par son découpage novateur me rappelant les dizaines de pages de cataclysme d'Akira... La place que seul les manga se permettent d'occuper, mais en grand format franco-belge! L'habillage du volume et le background général très poussé laissaient envisager une chronique dantesque et marquante. Lorsque l'éditeur a fermé, il a fallu attendre deux ans avant que le projet ne renaisse chez Soleil, réduit à sept tomes et une augmentation de pagination qui fait que le premier volume Soleil prolonge de plusieurs pages le tome original. Entre temps les auteurs avaient développé un superbe site web (à l'époque des Modems, les très nombreux dessins préparatoires étaient fascinants et ... longs à s'afficher!). Bref, un gros projet très construit et extrêmement ambitieux.

Malheureusement l'excellent dessinateur Jérôme Renéaume (depuis devenu game-designer) qui avait réalisé les deux premiers tomes a quitté le projet et laissé la place à Nicolas Guénet, très bon peintre-coloriste mais moins subtile dans son trait et un peu caricatural dans ses personnages bodybuildés et glabres à la mode Corben. Non que cet univers soit très subtile en effet, mais liée au changement de dessinateur, la continuation de l'histoire a pris la forme d'un combat un peu orgiaque visuellement bien que très beau et dantesque (on aime ou on n'aime pas mais la démesure de tout ce qui sort de ces pages fascine). On retrouve un peu de la surenchère d'un Olivier Ledroit sur Requiem dans YIU, et la BD de Soleil s'avère finalement moins malsaine que les chroniques du chevalier-vampire avec le recul...

Le projet jouit d'un background vraiment touffu et d'un travail préparatoire extrêmement important. Malgré les doubles pages finales de chaque album qui détaillent plus à fond certains personnages ou structure de cet univers décadent on sent l'envie des auteurs d'exploiter un maximum de leur matière, au risque de la surabondance. Car les pages de YIU sont chargées, très chargées. Mais le découpage résolument généreux avec ses doubles pages et ses cases successives très cinématographiques en zoom-dézoom qui illustrent l'action permettent d'orienter une lecture  qui en met plein les yeux. YIU doit se lire d'une traite. D'abord car l'action se déroule en quelques heures seulement, mais surtout car cette BD est très cohérence dans le pourquoi de cette profusion. Même si c'est un peu fatiguant à la longue, cela nous fait ressentir l'urgence, l'orgie de violence inouïe qui est déployée contre la Bête et plus globalement le désespoir de ce monde en déliquescence.

Le design est extrême, pas loin du cyberpunk dans les éléments techno, influencé par Hellraiser et le monde d'Elric sur l'aspect religieux extrémiste avec force scarifications, piercing et contorsions des corps. Tous ça est gros, trash, comme ces flingues à 25 canons plus gros que leurs porteurs, mais tout cela illustre l'idée d'un aboutissement extrême du pire de l'histoire humaine. Ces aspects sont renforcés par les tics de Nicolas Guénet qui se trouvent digérés par l'atmosphère générale. Tout ceci vise à nous montrer qu'il n'y a rien à sauver de ce monde dont la destinée apocalyptique est finalement peut-être souhaitable. Sauf que...

L'équilibre est trouvé dans ces quelques moments de calme (aux couleurs plus bleutées quand les nombreuses séquences d'action sont dans les rouges) qui nous permettent de nous reposer les yeux et de faire respirer l'intrigue. Notamment les moments autour de Ji-A, le petit frère au corps aussi perdu que le monde dans lequel il grandit, soupçon d'innocence pour lequel YIU va tout donner. Vraiment touchant.

Les auteurs ne nous expliquent finalement pas grand chose du pourquoi de l'arrivée de la Bête. Le scénario, simple, est une fuite effrénée de violence. C'est finalement l'étrange agencement d'un monde très fouillé (que vous aurez sans doute envie de découvrir plus à fond dans la série dérivée Premières missions) avec une mise en scène cinématographique extrêmement visuelle qui donne corps à ce récit des dernières heures du monde. Épuisant comme un morceau de Métal, mais une BD que je vous recommande chaudement, pour la qualité du travail accompli, sa cohérence dans le temps et son originalité indéniable.

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YIU est un projet totalement atypique, à commencer par son titre unprononçable! Sorti il y a vingt ans chez l'éphémère éditeur Le téméraire, le projet très ambitieux prévoyait neuf tomes, avec les couvertures des trois premiers déjà réalisées (les deux premières ont été conservées, la troisième, remaniée en moins sexy, habille désormais le tome 4 de l'édition Soleil). Atypique de par sa longueur, sa pagination importante et surtout par le temps pris pour raconter les dernières heures du monde, l'Apocalypse du point de vue d'une assassin envoyée détruire la Bête afin de sauver son petit frère malade...

Le premier tome que j'avais acheté à l'époque m'avais subjugué par son découpage novateur me rappelant les dizaines de pages de cataclysme d'Akira... La place que seul les manga se permettent d'occuper, mais en grand format franco-belge! L'habillage du volume et le background général très poussé laissaient envisager une chronique dantesque et marquante. Lorsque l'éditeur a fermé, il a fallu attendre deux ans avant que le projet ne renaisse chez Soleil, réduit à sept tomes et une augmentation de pagination qui fait que le premier volume Soleil prolonge de plusieurs pages le tome original. Entre temps les auteurs avaient développé un superbe site web (à l'époque des Modems, les très nombreux dessins préparatoires étaient fascinants et ... longs à s'afficher!). Bref, un gros projet très construit et extrêmement ambitieux.

Malheureusement l'excellent dessinateur Jérôme Renéaume (depuis devenu game-designer) qui avait réalisé les deux premiers tomes a quitté le projet et laissé la place à Nicolas Guénet, très bon peintre-coloriste mais moins subtile dans son trait et un peu caricatural dans ses personnages bodybuildés et glabres à la mode Corben. Non que cet univers soit très subtile en effet, mais liée au changement de dessinateur, la continuation de l'histoire a pris la forme d'un combat un peu orgiaque visuellement bien que très beau et dantesque (on aime ou on n'aime pas mais la démesure de tout ce qui sort de ces pages fascine). On retrouve un peu de la surenchère d'un Olivier Ledroit sur Requiem dans YIU, etla BD de Soleil s'avère finalement moins malsaine que les chroniques du chevalier-vampire avec le recul...

Le projet jouit d'un background vraiment touffu et d'un travail préparatoire extrêmement important. Malgré les doubles pages finales de chaque album qui détaillent plus à fond certains personnages ou structure de cet univers décadent on sent l'envie des auteurs d'exploiter un maximum de leur matière, au risque de la surabondance. Car les pages de YIU sont chargées, très chargées. Mais le découpage résolument généreux avec ses doubles pages et ses cases successives très cinématographiques en zoom-dézoom qui illustrent l'action permettent d'orienter une lecture  qui en met plein les yeux. YIU doit se lire d'une traite. D'abord car l'action se déroule en quelques heures seulement, mais surtout car cette BD est très cohérence dans le pourquoi de cette profusion. Même si c'est un peu fatiguant à la longue, cela nous fait ressentir l'urgence, l'orgie de violence inouïe qui est déployée contre la Bête et plus globalement le désespoir de ce monde en déliquescence.

Le design est extrême, pas loin du cyberpunk dans les éléments techno, influencé par Hellraiser et le monde d'Elric sur l'aspect religieux extrémiste avec force scarifications, piercing et contorsions des corps. Tous ça est gros, trash, comme ces flingues à 25 canons plus gros que leurs porteurs, mais tout cela illustre l'idée d'un aboutissement extrême du pire de l'histoire humaine. Ces aspects sont renforcés par les tics de Nicolas Guénet qui se trouvent digérés par l'atmosphère générale. Tout ceci vise à nous montrer qu'il n'y a rien à sauver de ce monde dont la destinée apocalyptique est finalement peut-être souhaitable. Sauf que...

L'équilibre est trouvé dans ces quelques moments de calme (aux couleurs plus bleutées quand les nombreuses séquences d'action sont dans les rouges) qui nous permettent de nous reposer les yeux et de faire respirer l'intrigue. Notamment les moments autour de Ji-A, le petit frère au corps aussi perdu que le monde dans lequel il grandit, soupçon d'innocence pour lequel YIU va tout donner. Vraiment touchant.

Les auteurs ne nous expliquent finalement pas grand chose du pourquoi de l'arrivée de la Bête. Le scénario, simple, est une fuite effrénée de violence. C'est finalement l'étrange agencement d'un monde très fouillé (que vous aurez sans doute envie de découvrir plus à fond dans la série dérivée Premières missions) avec une mise en scène cinématographique extrêmement visuelle qui donne corps à ce récit des dernières heures du monde. Épuisant comme un morceau de Métal, mais une BD que je vous recommande chaudement, pour la qualité du travail accompli, sa cohérence dans le temps et son originalité indéniable.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/26/yiu

Je ne suis pas fana des couvertures des albums de Zep, trop monochromes et figées. L'image de couverture reste néanmoins intrigante, avec ce titre fort et totalement pertinent. Album grand format, aéré, papier épais agréable. Du travail propre comme toujours chez Rue de sèvres, mais rien d'exceptionnel non plus.

Théo est doctorant en biologie et commence un stage en suède auprès d'un scientifique qui a découvert le codex biologique de la planète dans un fossile de feuille. Son hypothèse est que toute la communication mondiale de la Nature est inscrite dans ce codex. Lorsque des morts inexplicables surviennent à plusieurs milliers de kilomètres de là, des suspicions se portent sur une multinationale du médicament. A moins que cela soit plus grave...

N'ayant jamais lu Titeuf, j'ai découvert Zep sur Un bruit étrange et beau, qui m'avait impressionné graphiquement mais aussi par sa narration douce et fluide. Les dessinateurs bons scénaristes sont rares et je dois dire que le récent Paris 2119 (avec Bertail aux pinceaux) m'a confirmé les qualités d'écriture de cet auteur. The End se lit ainsi d'une lecture souple, assez rapide, permettant d'apprécier les grandes qualités esthétiques et techniques de Zep. Il est dommage que l'album soit en aplats de couleurs, il aurait gagné à être soit en noir en blanc soit colorisé de manière plus classique. D'autant que les nombreuses cases de nature et paysages sont très visuelles et auraient mérité un travail de lumières et de verts. Si le dessin, très léger, presque pas encré, est par moments un peu rapide (on sent l'envie d'aller vite), c'est sur les visages, les plans serrés que le dessinateur montre tout son talent dans ce style réaliste.

L'intrigue reprends celle du très méconnu et critiqué  film Phénomènes de M. Night Shyamalan qui présentait un "apocalypse Gaïa" lorsque la Nature toute entière se rebellait contre les humains via l'émission de substances mortellement toxiques par les plantes. Comme le film, l'album de Zep montre ainsi les dernières heures de l'humanité alors que l'équipe du scientifique découvre soudainement que les crises survenues de-ci de là sont liées à une décision "consciente" de la Nature. C'est d'ailleurs rigolo de voir des variations différentes du même principe, entre le Guerrier éternel des comics Valiant (version action), l'apocalypse zombie, cette version plus documentaire ou encore la variante Stryges qui reste fondamentalement sur la même idée.

Le scénario est le gros point fort de l'album, faisant monter progressivement la tension en jouant sur les psychologies et relations des personnages pour nous faire oublier le drame à venir. L'auteur ne fait pas grand mystère de sa chute puisque la première séquence montre la mort brutale de l'ensemble d'un village. Son objet est de rappeler la crise écologique actuelle et de montrer les conséquences pour l'humanité alors que la Terre n'a pas besoin de cette dernière. Résolument politique, l'auteur prends comme héros un activiste prêt à en découdre avec les forces de l'ordre dans des manifestations pour le climat ou de passer à l'action illégale contre un laboratoire soupçonné d'être responsable des empoisonnements. Les ficelles du scénario catastrophe  scientifique sont parfaitement maîtrisées avec les sacrifices, les survivants et l'avancée inexorable du drame et ses visions d'une terre désolée.

Zep nous livre avec The End une vision très sombre de notre avenir, appuyée sur la bande son du The end des Doors que le professeur écoute une bonne partie de l'album, comme un avertissement. Cela justifie un titre et habille le sujet. Une lecture que je recommande vivement.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/24/the-end

La structure de l'album est très simple, avec une entrée en matière immédiate puisqu'il suffit de quelques pages pour démarrer le show. J'ai été surpris que Péony ne soit pas plus perturbée que cela de l'étrangeté dans laquelle elle est transportée, mais visiblement cela ne chagrine pas les jeunes lecteurs... On a donc plusieurs séquences du concours où chaque fois un concurrent est éliminé, jusqu'à ce qu'il n'en reste qu'un. Outre l'univers hyper coloré et farfelu (on a en fin d'album une version "crustacés" des personnages!), on a progressivement une complexification de l'histoire, avec l'interaction entre Péony et Neptunia (qui ne semble pas commode) qui se développe grâce à l'empathie de l'humaine, mais aussi des mystères comme ce cameraman qui semble amoureux d'elle et les infos sur cet atroce concours cannibale parallèle où les concurrents sont dévorés... Je ne suis absolument pas intéressé par ce genre de Show TV mais pour un album jeunesse le côté tournoi progressif (ce qui marche dans Dragon Ball par exemple) avec plein de personnages bons et méchants fonctionne très bien. Les dessins sont correctes, les couleurs très vives et le découpage, sans être fou, se permet des effets en mode dessin-animé très sympa. Au final, si on n'est pas surpris du déroulement, on a hâte de connaître le fin mot de cette histoire, notamment grâce à un cliffhanger particulièrement redoutable!

Lire l'article intégral avec une lecture croisée parent/enfant sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/21/space-battle-lunchtime

Le travail éditorial d’Ankama et de Comix Buro est de grande qualité. Après la sortie des trois tomes de la série entre 2012 et 2015 pour le lancement de la collection Les univers de Stefan Wul, une intégrale N&B de Niourk est sortie en 2016 et enfin cette intégrale couleur qui reprend la même mise en page, à savoir la totalité de la série sans coupures, comme un gros one-shot de 160 pages. On n’est pas surpris par la superbe illustration de couverture d’Olivier Vatine, et la maquette est très soignée, avec des vernis sélectifs sur la première et quatrième de couverture. L’album comprend un entretien avec l’auteur sur les origines de l’album, son travail, et une galerie de croquis préparatoires. Il se termine par une couverture alternative et un hommage de Didier Cassegrain et les couvertures originales des romans de Stefan Wul. Dommage que l’on n’ait pas les jolies couvertures originales mais sinon on peut dire que le contenu est plus qu’honnête.

La terre est dévastée. Irradiée. Abandonnée. L’humanité a fui une situation devenue incontrôlable et s’est réfugiée sur Mars. Sur la planète bleue les survivants ont régressé à un stade néo-néanderthalien. Parmi eux un enfant noir va vivre un destin incroyable, un itinéraire vers l’appropriation du savoir et du pouvoir, aux portes du divin…

Comme je le disais, ce qui surprend à la lecture de cette intégrale c’est l’impression de lire un one-shot alors que la publication s’est étalée sur trois ans. Cela car le scénario et le découpage ont très probablement été écrit en intégralité, mais aussi car le récit est aérées de pleines pages qui reviennent assez régulièrement et rendent invisibles les césures de tome, seulement repérables par les numéros de planches. L’histoire est rythmée par des chapitres aux titres aussi simples que le scénario: on va suivre Alpha, l’enfant noir passé du rang de paria de sa tribu néo-néanderthalienne à chef, puis à celui de dieu.

Olivier Vatine n’est pas un laborieux. Que ce soit dans son dessin qui va vers l’épure au fil de sa carrière (parfois jusqu’à donner des planches un peu légères de facilité…) ou de ses scénarii, il propose des intrigues simples aux schémas archétypaux (la vengeance dans Angéla, l’ascension d’un héros dans Niourk,…). Le texte de fin d’album est assez éclairant sur son parcours et le rôle des romans de Stefan Wul dans sa construction d’auteur (il rappelle qu’Aquablue aussi parle de méchants humains, d’écologie et de peuples primitifs…). Si ses intrigues sont simples, son immense talent est celui de la mise en page, du storyboard. Plus affichiste-illustrateur que dessinateur BD (qui nécessite une attention minutieuse sur chaque case), il sait mieux qui quiconque produire de superbes visions et des mouvements par quelques traits suggérés et un travail sur les ombres qui fait la force de son dessin (et donne tout son intérêt aux versions N&B de ses albums). Il n’est ainsi guère étonnant de le voir travailler avec Alberto Varanda, son inverse perfectionniste dont la Mort Vivante reprenant à la fois l’univers de Niourk (sans le préciser on comprend que le contexte est le même) et une intrigue simple (le projet de contrer la mort au travers d’évolutions techno-biologiques) a marqué par la minutie de chaque case, de chaque arrière plan.

Vatine est didactique dans Niourk, il explique au moment opportun ce qu’il s’est passé ces 300 dernières années sur Terre. Il explique aussi les séquences dessinées par la narration de l’Alpha d’après en écho à l’alpha primitif du début. Cela peut paraître un peu appuyé voir inutile alors que les dessins suffisent. A l’inverse (je n’ai pas lu le roman et ne pourrais dire si cela vient du texte ou de l’adaptation) on manque un peu d’explications sur le pourquoi des événements, de l’évolution d’Alpha, de la présence des « martiens » sur Terre. C’est un peu dommage car cela aurait pu donner lieu à quelques planches de pure SF en mode « fuite » et bataille spatiale. Mais Niourk est avant tout un survival et l’auteur se plait à voir déambuler son héros dans les ruines revégétalisées de New-York. La relation d’Alpha avec son ours est touchante tout comme les caractères très différents de Coffy, Tomoe et du Doc. Finalement l’on ne sait si l’album va trop vite ou trop lentement, captivés que l’on est par un dessin qui malgré ses manques (notamment une colorisation un peu old-school qui aurait mérité des tonalités plus franches comme à l’époque bénie où Isabelle Rabarot le colorisait) ne laisse pas de nous fasciner.

Niourk est un album de dessinateur dont la narration graphique déborde très largement le texte. Comme souvent chez Olivier Vatine on est un peu frustré et aimerais voir la même application que sur ses nombreuses couvertures et illustrations solo. Mais celui qui a lancé toute une génération d’illustrateurs continue de nous fasciner par son univers visuel, sa maîtrise instinctive de l’action et l’anatomie suggérée. Doit-on attendre un prochain album, pas certain. Mais pour ceux qui aiment son dessin, cette intégrale est à apprécier comme tout ce qui est rare.

A lire sur le blog:
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Attention, grosse surprise que ce premier tome d'une saga de Dark Fantasy espagnole, dessinée par un impressionnant Sergio Sandoval, vétéran des collaborations graphiques au cinéma fantastique, notamment les films de Guillermo del Toro. Et outre les dessins (que l'on peut ranger dans la catégorie hyper-réaliste comme Christophe Bec ou Michael Lark), c'est surtout le design général de cet univers qui bluffe! Les auteurs prennent leur temps pour installer un univers cohérent, dès l'introduction en forme de genèse de ce monde barbare où une ancienne guerre a confronté les trois grandes Cités à des armées de monstres dirigés par les Druides. Comme pour Game of Thrones et la série BD Servitude, le principe est de bâtir un monde sophistiqué, cohérent, en plaçant des vestiges des temps anciens, plus mystérieux qu'expliqué mais participant grandement à l'intérêt de la série. Ce tome présente du reste l'itinéraire (un peu complexe niveau articulation temporelle) de la Garde blanche vers les marches du royaume où un baron semble devenu moyennement coopératif. On retrouve les grands marqueurs des deux œuvres citées, à savoir la trahison permanente, la menace maléfique invisible et l'intervention d'une puissance hors norme, incarnée ici par un chevalier qui ressemble fortement au Ginea Lord de la Complainte des Landes perdues.

Vous l'aurez compris, hormis quelques réglages de déroulement, les dessins sont superbes (y compris leur mise en couleur), le design génial (je veux dire VRAIMENT génial et rarement vu en fantasy européenne), les scènes d'action barbares et dynamiques et les références à peu près parfaites. Une très grosse surprise pour ce qui peut devenir une série fantasy majeure des prochaines années et qui, j'espère s'étalera sur un certain nombre de tomes.

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J'avais proposé il y a deux ans un long billet de synthèse sur la série que j'avais découvert et beaucoup apprécié. Je rappelle que Paquet propose chaque volume en intégrale et en version grand format divisée en deux tomes, ce qui revient quand-même à 50€ le volume 4 pour le grand format avec cahier graphique...).

Le dernier volume se terminait sur l'exclusion d'Archer pour le viol de Céline et le départ des ado pour lui porter secours dans la zone de danger. On retrouve ici le même plaisir graphique avec essentiellement des paysages naturels (peu de séquences dans la colonie) et les tensions entre les deux groupes d'adolescents. La grande force de la série est ses personnages et là encore les "méchants" sont très travaillés et évitent le manichéisme. Holden, le blond agaçant de service fait des coups pendables mais toujours avec une raison et détaille sa vision divergente des frères Goodwoody. Progressivement malgré ces tensions (les auteurs n'hésitent pas à marquer les protagonistes dans leur chair) on voit se créer une opposition frontale entre les jeunes et les adultes, alors que la menace de renégats et des Ripers se fait plus menaçante. Bagster, le pourri de la série cristallise ces tensions autour de la fidélité de groupe plus que du statut d'adulte, remis en question par le contexte qui replace le statut majeur sur le critère de la capacité combattante plus que sur celle de la morale. Intéressant! Du coup on évite (par une description de contexte sérieuse) le simplisme méchants adultes contre gentils ado intelligents pour voir plutôt des oppositions de vision de cette nouvelle société. Je suis toujours aussi fan de ces contextes qui remettent en jeu les notions de base de démocratie, de violence légitime et de justice. Et avec ce traitement "série TV", ces superbes planches, et ce cliffhanger terrible Gung Ho est en passe d’acquérir le statut de série majeure de la BD franco-belge!

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Je suis assez fan des BD de Romain Hugault, pourtant je n'avais pas démarré la série Angel wings (qui semble pourtant partie pour durer...), par crainte de redondance thématique. Mon billet sur le premier cycle (lien sur le titre de ce billet) suite à une lecture en bibliothèque m'avait pourtant séduit, tant graphiquement que pour le réalisme minutieux des auteurs. Paquet a la très bonne idée de proposer ses albums en format classique, grand format toilé et intégrale par cycles de trois albums. N'ayant pas lu le #4 Paradise Birds qui voit l'héroïne rejoindre l'OSS (ancêtre de la CIA) dans un contexte de préparation du projet Manhattan, je prends donc ce second cycle en cours de route. Cela ne m'a pas empêché d'apprécier encore et toujours les très grandes cases: Hugault dessine entre quatre et cinq cases par planches en moyenne, pour laisser la possibilité de panoramas, quand il n'envoie pas carrément des pleines pages d'un ciel écumé de chasseurs et bombardiers!

Angela est en route pour l'ile d'Iwo Jima où elle va devenir sauveteur-aviateur, seule possibilité qu'on lui laisse de voler malgré son pedigree d'Angel Wing. Si elle reste toujours en retrait de grands événements qui permettent au duo de proposer toujours autant de scènes d'aviation magistrales, l'album n'en propose pas moins un vrai scénario proposant une histoire d'amour compliquée, les relations hommes/femmes toujours difficiles dans l'armée tout en continuant de suivre le déroulement stratégique des derniers mois de la guerre et de la capitulation du Japon après la bataille d'Iwo Jima. Je pense que je me procurerais l'intégrale du cycle en fin d'année lors de la sortie du troisième volume.

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 Spider-verse est sortie en France sous l'excellente collection MARVEL NOW! (où vous trouvez déjà le génial Massacreur de dieux d'Esad Ribic), avec le numéro Amazing Spider-man volume 3. Il réunit des épisodes qui se suivent dans le périodique américain, ce qui permet une continuité de l'histoire et évite l'éternelle impression d'avoir raté quelque chose. L'histoire n'en comporte pas moins plusieurs ramifications dans d'autres publications liées au Spider-verse. Il est entièrement dessiné par Olivier Coipel (rhââ!) et Giuseppe Camuncoli. L'ouvrage comporte l'intro habituelle de l'éditeur (qui n'apporte pas grand chose), les couvertures originales (magnifiques!) entre les parties et les couvertures alternatives. Rien d'exceptionnel.

La famille Morlun est composée de vampires multidimensionnels qui se nourrissent de l'énergie de toutes les incarnations Spider-man du multivers. Lorsque le patriarche déclare l'extinction des Spider-men, ces derniers se réunissent pour préserver leurs semblables dans une guerre entre époques et dimensions où la victoire n'a jamais été aussi improbable...

Comme beaucoup d'amoureux du dessin j'ai été touché par l'exceptionnel buzz autour du Spider-man: into the spider-verse (Spider-man: New generation chez nous... allez savoir pourquoi!) sorti en fin d'année dernière. Découvrant à l'occasion de ce film dingue le concept de Spider-verse et adorant le principe de variantes (comme le Red Son pour Spider-man ou le crossover Looney toons/Batman), j'ai déniché le run de Dan Slott et Olivier Coipel en me demandant quelles étaient les inspi du film. Alors soyons directe, la couverture à elle seule justifie la lecture de cette histoire qui arrive largement au niveau des seules séries Marvel que je trouve accessibles aux non fanatiques, à savoir X-men.

Ceci pour deux raisons. D'abord l'homogénéité du boulot et l'univers cohérent fermé: Spider-verse a un début, un milieu et une fin, avec une explication très simple de qui sont les méchants et de la problématique. Le Big Two oublie trop souvent que les lecteurs ne lisent pas QUE leurs publi et se noient littéralement dans leurs univers. Pourtant l'amoncellement des Spider-men et women avait tout pour me paumer, à l'instar du Secret Wars, puissant, ambitieux mais trop pointu et perturbant pour être lu paisiblement. La bonne idée (comme souvent) est l'humour. Le fait d'intégrer Spider-cochon (juste génial et bien plus présent que dans le film) permet plein d'interventions totalement décalées, mais il n'est pas le seul à ironiser sur le côté WTF de cette histoire. En effet, sans que l'on sache lequel à une origine dans une vrais BD (et on s'en fout royalement!!) les auteurs nous proposent aux côté des Spider-Gwen, Superior Spider-man, Spider-woman ou encore Miles Morales un spider-cheval, un loup-garou ou encore une araignée mutante, un robot (dont doit être issu celui du film) etc. La plupart ne sont que du décors ou de la chair à canon pour les Morlun qui vont en dévorer un bon paquet avant la fin du run. Le multivers étant infini en intégrant en outre le passé et le présent, les possibilités donnent le vertige...

Mais tout ceci garde pourtant bien une structure, simple et relativement linéaire sous la forme d'une chasse à base de sauts entre différents univers (processus qui peut rappeler le Black Science de Remender). Assez vite on apprend que le groupe de base formé par Peter Parker et Superior Spider-man (originellement Dr Octopus) a la possibilité de se téléporter à volonté comme les Morlun et plusieurs Spider-team se réfugient en différents endroits de l'espace-temps. Dan Slott à la bonne idée de ne pas se perdre dans des analyses physico-philosophiques sur la trame du multivers pour rester dans le cœur: des spider-men partout, sous toutes les formes qui se frittent avec des méchants vraiment très très réussis!

C'est ma deuxième raison, j'y reviens toujours, pas de bonne histoire sans bon méchant. Ici il y a toute une famille totalement réussie tant visuellement que dans leur écriture. Du patriarche au scaphandrier (qui aura un rôle particulier) on se régale de les voir intervenir tout en puissance devant laquelle les héros ne font pas le poids. D'ailleurs seule une pirouette finale un peu facile permet de résoudre cette intrigue mal barrée tout le long. A côté des Morlun, les séquences Spider-men sont structurées autour de la guerre de quequettes entre Peter Parker (l'original) et Superior qui revendiquent tous deux le leadership de la contre-attaque... mais bien d'autres spider sont vraiment cool, notamment le Spider-punk, Spider-UK et bien sur Spider-Gwen.

Visuellement si Coipel dessine moins de planches que le très correcte Giuseppe Camuncoli, elles sont toutes absolument renversantes, peut-être plus encore que ce que fait Esad Ribic, mon chouchou de l'écurie Marvel, avec notamment un surprenant aspect subtilement sexy, tout en élégance et qui change des archétypes musculeux et gonflés...

J'ai pris un grand plaisir à parcourir les dimensions en compagnie du Spider-verse et sachez qu'en lisant ce volume vous prenez le risque d'avoir très envie de revoir le film et de rechercher d'autres variantes (notamment le Spider-man noir). En raisons des problèmes du genre (éditeur, ficelles scénaristiques, changements de dessinateurs,...) il est compliqué de mettre 5 Calvin mais on en est très proche!

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/04/03/spider-verse

Le guerrier éternel a eu plusieurs vies. Au service du Géomancien pour protéger Terre-mère contre le Mal (et accessoirement les hommes), il a douté, eu des enfants, combattu... Entre l'antiquité, notre époque et le futur il a du faire des choix entre la violence, la mort et la vie, sa propre vie, pour peu que le destin lui permette d'en avoir une...

Cela fait quelques temps que je n'ai pas lu de Valiant comics et j'attendais ce volume, d'abord car l'annonce des dessinateurs a attiré mon attention (Renato Guedes, Trevor Hairsine et Cary Nord) mais aussi car ce personnage m'intrigue depuis ma lecture de l'excellent The Valiant. Sur ce point je vous arrête tout de suite: Eternal Warrior est plus une chronique des différents doutes et périodes de la vie millénaire du guerrier immortel qu'une insertion dans la lutte contre l'Ennemi (qui faisait la force de The Valiant). Ainsi on tombe un peu dans les défauts de certains Valiant avec une perte du côté épique et de la portée des histoires. Le syndrome Superman en quelque sorte, quand le héros est immortel comment accrocher de l'intérêt? Et bien le scénariste y parvient notamment sur la première des quatre sections, illustrée par le très bon Hairsine, en nous présentant la trahison de sa fille et son renoncement au service des Géomanciens. C'est là la trame principale et l'arrivée d'un nouvel antagonisme, le culte maléfique de Nergal nous titille un peu et donne de l'intérêt aux combats. Malheureusement cette intrigue ne se termine pas vraiment (même si elle nous donne à voir une sorte de combats des Dieux au sein duquel est jeté Gilad) et les deux autres sections (dans un futur post apocalyptique puis à l'époque des invasions barbares) ont une ambition assez dérisoire. Étrangement j'attendais Guedes (qui m'avait subjugué sur X-O Manowar) et c'est Cary Nord qui rend la partition la plus chouette, inspirée par les tableaux antiques des peintres romantiques, les planches de Guedes étant avant sa nouvelle technique en couleurs directes. Au final cet album est très joli graphiquement mais inégal sur le plan du scénario et vaguement décevant pour qui pensait lire une continuité de la lutte entre le Bien et le Mal.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/03/30/sushi-baggles-12

Attention, si vous n'avez pas lu la série mère (Basilisk) passez votre chemin, vous ne comprendrez rien à ce premier volume... Pour cette suite d'un manga mettant en scène un tournoi devant départager deux clans Ninja, on entre directement dans une intrigue en cours sans mise en place, avec mille noms japonais et un univers fantastique qui rappelle par ses combats quasi magiques Cyber Weapon Z. Les dessins sont correctes mais je m'attendais à des combats d'arts-martiaux classiques plutôt qu'à une ambiance plus proche des histoires de fantômes chinois. Les morts revivent, on se téléporte et l'on ouvre des portails vers d'autres dimensions... bref, j'ai trouvé cela un peu too much pour une introduction qui en outre, à peine présentés les deux héros jumeaux, fait intervenir le grand méchant qui dévoile toute l'étendue de son pouvoir. Ce volume s'adresse donc exclusivement aux fans de la première série qui y trouveront sans doute leur content. Pour les autres vous devrez suivre les étapes et commencer par le début...

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Créée par l'américain d'origine japonaise Jason Shiba, Démon est une série en quatre volumes parue entre 2016 et 2018 chez Cambourakis. C'est sur les conseilles de ma bibliothécaire que j'ai entamé ce qu'on peut définir comme un total délire sans bornes morales d'un auteur qui aime à réfléchir sur les casse-tête et jeux mathématiques. Jimmy Yee est suicidaire. Mais il ne peut pas mourir: il se réincarne aussitôt dans la personne la plus proche... Il va alors tenter mille et un stratagèmes pour parvenir à en finir et échapper au gouvernement, qui semble en savoir beaucoup...

J'adore quand un auteur lâche la bride et qu'un éditeur lui permet de laisser libre court à son imagination. Ici Shiba joue avec son personnage en proposant une sorte de bible de toutes les façons possibles pour se suicider. Totalement immoral, d'un humour noir absolu, sanglant au possible. Cette BD n'est pas conseillée aux jeunes car aucune borne n'existe pour l'auteur, ni sexuelle, ni de violence, tout est voué à son jeu. Graphiquement c'est très simple mais amusant et assez bien mis en scène. Une super découverte humour noir qui se lit assez rapidement et que je vais enchaîner d'une traite!

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Ouvrage grand format qui donne de l'espace à un découpage aéré. L'album se termine par quelques pages de repérages photos mis en regard des illustrations qu'ils ont inspirés. Album de facture classique, sans commentaire particulier.

Sur la côté normande les falaises s'effondrent. Madeleine, nonagénaire et aveugle ne veut pas quitter sa maison dont la disparition est inéluctable, plongeant le maire dans une solution inextricable. Mais le ce dernier est un crétin et Madeleine n'a besoin de personne...

J'ai découvert Dhuamel avec ma lecture surprise du Retour (... là aussi conseillé via le prix des lycéens, comme quoi les sélections locales ça donne de bonnes découvertes!) qui traitait déjà peu ou prou des mêmes thématiques: l'identité territoriale, le temps qui passe, la contestation radicale, l'humour... Si je devais résumer Jamais, nouvelle grande réussite de cet auteur donc, je dirais qu'on est au croisement exacte entre Le retour et les Vieux fourneaux, comme si Madeleine était le quatrième larron des affreux de Cauuet et Lupano qui se serait perdu sur la côte normande. Et ce sera le seul bémol éventuel que l'on peut trouver à cette BD qui est très proche de ce que Duhamel a pu faire. Mais quand c'est bien pourquoi se priver?

Car l'auteur a un vrai talent de dialoguiste à coup de punchlines percutantes issues de la culture Audiard. Madeleine est une très forte tête, qui n'est pas là pour faire chier le monde comme une Carmen Cru mais est fondamentalement solitaire dans son monde de silence, accompagnée par son chat obèse et le fantôme de son mari. Elle ne demande rien à personne et seule la confrontation de deux mondes, celui du maire, moderne et réglementé, qui ne conçoit pas que les précautions de sécurité ne soient pas respectées (un vieux c'est dans une maison de retraite et les zones dangereuses on les évacue manu militari!) et celui de la mamie va créer le conflit.

Graphiquement on est dans l'école Pilote avec des orientations semi-réalistes par moment, notamment au niveau du découpage et des effets graphiques inspirés (notamment ces pages de souvenir ou de visualisation de l'effet "Daredevil"...) qui peuvent rappeler Janry dans ses années Spirou. Ça n'a rien de révolutionnaire mais c'est très solide dans le style humour, accompagnant ce pour quoi on lit l'album, les dialogues.

Dès la première page Duhamel nous place dans le contexte d'Astérix, avec une tordante variation des engueulades entre le forgeron et le poissonnier gaulois. L'esprit est posé et l'humour avec. On se poile tout le long, tant par les situations que par les tronches que tirent les personnages. Beaucoup moins mélancolique que son précédent album, Jamais est un cri d'amour à la liberté et l'on aimerait qu'il prolonge les aventures de Madeleine, un vrai bon personnage, attachant et fort.

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Après la fabuleuse version du toujours bon duo Toulhoat/Brugeas, Robin Recht nous propose un volume assez personnel, extrêmement graphique, dont le scénario est plus un concept qu’une histoire. C’est la concrétisation graphique de grands schélas mythologiques qui intéresse l’auteur, donnant une liberté absolue dans la personnification de la féminité, de la relation homme/femme, de la virilité rageuse des guerriers du Nord et jusqu’au divin.

Ayant opté pour la version grand format noir et blanc cet aspect est encore renforcé puisque l’on se retrouve dans un travail artistique très poussé, uniquement de contrastes et d’expérimentation de textures, proche de ce qu’à pu proposer un Frank Miller sur 300 par exemple. Résultat de recherche d'images pour "la fille du géant de gel recht"Sur un champ de bataille il ne reste plus qu’un homme debout, un colosse brun, un cimmerien. Comme à chaque fois la fille du géant de gel vient chercher ce héros pour le sacrifier à son père. Elle est nue, belle, Conan la pourchasse mais elle semble inatteignable, à travers la neige et la montagne. Ce jeu du chat et de la souris est celui d’une déesse face à un humain. Mais la fin de cette histoire est-elle vraiment inéluctable?… Après ma lecture je ne regrette pas cette version superbe, un magnifique boulot de Glénat et de l’auteur. Pourtant les couleurs que je trouvais un peu passées donnent une lisibilité à ces planches et je dirais malheureusement que les deux versions ne sont pas superflues pour ceux qui aiment suffisamment ce dessinateur. D’une lecture très rapide puisque le récit est essentiellement graphique, la fille du géant de gel vaut le coup. Notamment pour le travail sur le texte graphique, ce qu’on appelle onomatopées mais qui prend ici une véritable dimension visuelle, partie prenante du dessin, presque organique. L’album de Robin Recht n’est pas un récit épique mais plutôt un concept mythologique, comme un artbook expérimental, le lâcher prise d’un auteur qui a mis beaucoup d’envie dans son travail.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/03/23/bd-en-vrac-5

La jolie couverture à l'ancienne est efficace et semble proposer de la grande aventure maritime. La focale mise sur le héros avec son masque (qui n'est dans la BD pas aussi important que cette couverture le laisse penser) laisse de côté le cœur de l'intrigue du premier tome: le siège de la cité des Inquisiteurs par les forces du Sultan. Et c'est le principal problème de ce très joli album, on ne sait pas bien vers quoi on va. En effet, si l'univers est plutôt original avec cet affrontement féodo-religieux entre les Omeykhim (inspirés des ottomans du XVIII° siècle) et une Inquisition dirigée par Torquemada qui remplace tout à la fois le Vatican et l'ensemble des puissances catholiques, l'intrigue de ce premier volume se contente de nous montrer les capacités extraordinaires de Jakob Kayne, dernier descendant d'un peuple disparu, les "mange-mémoire" qui outre la possession d'artefacts magiques, ne peut jamais être reconnu... Quelques éléments fantastiques et mystérieux (comme ces hommes-poissons dont on ne sait absolument rien), l'infiltration de Jakob pendant le siège de la cité inquisitrice et c'est tout. On a l'impression d'un album en milieu de cycle ou d'un one-shot en raison de l'absence d'éléments introductifs. Ce n'est pas dramatique mais il faudra attendre la suite pour une série plutôt prometteuse qui sait nous allécher par divers éléments assez sympathiques (même si un peu patchwork) en plus d'un dessin et d'un design donc très sympa.

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Sortie en 2009 dans la mythique collection Série B Delcourt lancée par Vatine et son pote Fred Blanchard, 9 tigres est dessinée par un jeune prodige d'alors, le chinois Jian Yi qui a réalisé un autre album de série inachevée (Sekushi Memory chez Paquet) et une série sur le dieu singe avec JD Morvan, le grand manitou des liaisons BD avec l'Asie. Pour les dix ans d'une série qui s'annonçait comme un carton d'action, je vous propose cette Trouvaille qui malheureusement a peu de chance de voir un prolongement. Renseignement pris auprès d'Olivier Vatine, le dessinateur ne fait plus de BD et est installé aux Etats-Unis. Le scénariste n'a pas encore récupéré les droits mais il est certain qu'étant donnée la grande proximité de style entre les deux ce dernier pourrait tout à fait reprendre le dessin de sa série...

Xiao Mei est le meilleur assassin des 9 tigres, la redoutable mafia chinoise. Au cours d'une mission elle élimine une vieille dame, sa cible... qui lui fait des révélations qui vont bouleverser son existence et l'envoyer comme l'ange vengeur qui éliminera l'organisation criminelle...

J'adore le label Série B! D'abord par-ce qu'il est sorti quand j'ai commencé à lire beaucoup de BD et que mes premières grosses séries suivies étaient signées Vatine, Duval, Quet, Pecqueur, Pécau, etc. Série B c'est de la SF, du Steampunk et du pop-corn avec, dans les premières années du moins, une vraie qualité graphique, un peu numérique niveau couleur, mais qui peps'! Toute une génération de scénaristes et dessinateurs ont été lancées sur ce label que j'ai depuis un peu lâché du fait de séries infinies comme les uchronies Jour J ou l'Histoire secrète. Surtout je trouve que la ligne s'est distendue avec trop de distances prises avec ce qui fait la force de ce 9 Tigres: l'action débridée, le dessin efficace en diable et une ambiance technologique.

La ressemblance entre le dessin de Jian Yi et celui de Vatine (inimitable) est frappante. Entrant de plein cœur dans l'action en une séquence d'intro reprise des pop-corn movies où ça défouraille sec, l'album nous propose une intrigue simple avec une héroïne indestructible qui va se retourner contre son employeur et devoir se sevrer des drogues de combat habituelles. L'arrivée de cette rupture est presque trop rapide, tant Vatine cherche à avancer sans temps morts. Il pose pourtant des séquences explicatives qui construisent l'intrigue mais tout ça va du reste aussi vite qu'un film de Hong-Kong, genre auquel 9 Tigres se réfère sans ciller. Si l'auteur d'Aquablue a beaucoup de bouteille en matière de mise en scène et a certainement chapeauté son disciple, c'est bien le dessin, très élégant, qui fait la force de cet album. On ne va pas se le cacher, Olivier Vatine devenant assez rare aux crayons, la série montre ce qu'il pourrait proposer à ses fans s'il sortait de sa semi-retraite.

Il y avait du potentiel dans cette BD d'action débridée avec un grand méchant esquissé et un soupçon de fantastique que l'on peut deviner. Vatine est un auteur frustrant car rare et ayant une relation compliquée avec l'édition (une génération entière reste traumatisé par son abandon d'Aquablue après un Corail Noir qui reste sans doute l'une des plus fortes BD SF de l'histoire du franco-belge). Chacun de ses travaux dispose pourtant d'une force impressionnante et l'on aimerait plus de régularité. En attendant je vous invite à profiter de cette BD folle, comme un one-shot. Plaisir des yeux, plaisir coupable.

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Air libre (Dupuis) fait partie des éditeurs aux petits oignons qui outre le fait de publier peu mais bon, fabriquent de très jolis one-shots à grosses paginations et maquette fort élégante (Nymphea noir c'est eux, mais aussi les premiers Lepage, Gibrat ou Qui a tué Wild Bill de Hermann!). Ici la couverture, si elle rend hommage aux magnifiques encrages de Steve Cuzor, ne m'avait pas du tout attrapé à sa sortie il y a un an. Jolie mais peu efficace. A l'intérieur le récit est découpé entre un prologue et plusieurs parties séparées par une page de garde ornée d'un médaillon magnifiquement illustré d'un portrait d'un des personnages. Comme je le reproche souvent dans les romans graphiques classieux en franco-belge (chez Air Libre donc, mais aussi chez Signé-Lombard par exemple), on n'a pas encore pris l'habitude des bonus de création, ce qui est bien dommage... Trois tirages limités ont été édités dont un en n&b.

A la veille du Débarquement trois soldats noirs américains se morfondent à faire le ménage dans une base anglaise. La ségrégation n'a pas encore permis aux afro-américains de participer aux combats... Pourtant il va bientôt leur être proposé une mission suicide: rapporter au pays une relique, le premier drapeau de l'Union que l'histoire a fait atterrir en Allemagne nazie...

Cet album est assez impressionnant. Montrant deux auteurs inspirés et en pleine possession de leur talent, il nous embarque dans une odyssée comme seul le cinéma sait nous y transporter. Car c'est bien un film qu'a réalisé Yves Sente avec son acolyte Cuzor comme chef opérateur et directeur photo. On dit souvent que les meilleurs scénarios sont les plus simple, c'est le cas ici. Le pitch de départ donne ne ton en alliant Histoire nationale américaine, mythologie de la seconde guerre mondiale et drame de la ségrégation. L'humain, la morale, l'héroïsme et l'Histoire se confrontent dans ce trio de soldats incroyablement caractérisés, si bien qu'après seulement quelques cases ils nous sont déjà familiers et comme rarement dans les BD on craint pour leurs vies.

Le travail graphique de Steve Cuzor est sur ce plan remarquable. Avec une technique hachurée il détaille les visages de ses personnages de façon que l'on ne doute jamais, de près comme de loin de leur identité. On distingue vaguement l'influence morphologique de certains acteurs américains (Denzel Washington? Forrest Whitaker?...). Très lisibles, ses planches virent à mesure que le récit avance vers de plus en plus d'abstraction, comme pour nous montrer la sortie du monde des vivants lorsque ces héros s'enfoncent dans l'hiver ardennais pourchassés par les forces du Mal... C'est juste magnifique, probablement le plus beau travail de Cuzor jusqu'ici. Son dessin en noir et blanc est rehaussé d'aplats par le coloriste Meephe Versaevel avec un réel apport. Les lieux et les époques sont ainsi définie par la couleur monochrome et seule la dernière planche, tragique, revient dans la polychromie comme pour rejoindre le réel de l'Amérique contemporaine.

L'on ne saurait dire si c'est le dessin ou le scénario qui impressionne le plus dans Cinq branches de coton noir. Avec son passé d'éditeur, Yves Sente parvient mine de rien à construire une bibliographie assez impressionnante par la qualité de ses histoires, du Comte Skarbek (avec Rosinski) aux très bonnes histoires de la reprise Blake et Mortimer. Ici il propose un travail à la fois sérieux, imprégné par des thématiques difficiles en même temps qu'épique, dans une transposition réussie des récits militaires que le cinéma a allègrement documenté. Le cœur de son histoire, du début à la fin, porte sur la situation des noirs américains. Depuis la partie au XVIII° siècle et l'apparition de ce premier drapeau à la place des soldats tout n'est qu'injustice. Ses héros ne se plaignent pas pour autant. Ils sont des battants, se donnant les moyens de leurs ambitions sans courber l'échine. L'enjeu de cette histoire extraordinaire est alors de savoir si l'héroïsme peut renverser le cours de l'histoire...

Portée par le souffle de l'épopée et de personnages puissants, Cinq branches de coton noir est un album presque parfait tant il allie (pour le trait comme pour le texte) technique et élégance, efficacité et expérimentation. Un magnifique album, une pièce de choix dans la collection déjà très joliment garnie d'Air Libre et assurément un livre que tout amateur de BD se doit de lire.

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Delcourt/Soleil sont familiers des séries fantasy, tellement qu'on se demande parfois comment ces dizaines de créations trouvent leur lectorat. C'est donc sans beaucoup d'attentes que j'ai entamé cet album doté d'une très belle couverture. Et heureusement, on trouve régulièrement dans ce genre hyper-balisé de très bonnes surprises dont Le dernier dragon fait partie! Dans une Europe de la Renaissance et des cités-Etat italiennes les dragons n'ont pas disparus. Ils sont protégés par on ordre de dragonnières descendant d'Eve et que de plus en plus de puissances politiques souhaiteraient voir disparaître à mesure que le nombre de dragons faiblit et le pouvoir de l'ordre avec. Car le crane de ces bêtes ancestrales renferme une pierre aux propriétés fantastiques que des chasseurs tentent de posséder au péril de leur vie... Outre les dessins très agréables de Léo Filipovic, le scénario de Pécau a l'originalité de transposer cet élément de fantasy dans un contexte historique bien connu, semant les premières pierres d'une intrigue géopolitique où dragons et dragonnières seront les derniers gardiens d'une ère qui s'éteint. Cet album parvient en 64 pages à poser un contexte, des personnages charismatiques et un univers très solides tout en offrant de l'action et le côté épique de toute BD grand public. Un des succès d'aventure de 2019 à prévoir.

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La série des vieux fourneaux a dû attendre un film (fidèle mais moins bons que la BD) pour atteindre le grand public. Il faut dire que les couvertures, parti pris osé, sont plutôt un repoussoir... Il n'en demeure pas moins que nos trois vieux sont toujours aussi drôles et plaisants à suivre, sous la plume du génial Lupano, énervé comme jamais contre notre monde injuste et égoïste. Si toute la série est excellente, ce cinquième tome est pour moi le plus réussi par-ce qu'il assume une actualité immédiate et laisse un peu de côté les circonvolutions familiales pour se recentrer sur la force de la série: l'humour militant assumé et rageur. La dimension familiale n'est pas totalement oubliée mais sert l'humour et c'est pour cela qu'elle s"intègre mieux que jamais au projet de Lupano et Cauuet. Chapeau les artistes, on en redemande!

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Très efficace couverture pour ce survival-zombie, premier album d'un dessinateur que Jérôme Hamon a rencontré sur internet. Je m'attendais à une histoire de classe verte partant en mode trash, un peu comme sur le très efficace Rocher rouge. Walking Dead fait des émules mais le soucis de cette Green class est d'arriver dans un thème déjà bien encombré et par de très bons albums/séries. Gung-Ho (dont ce dernier est très proche) est excellent tant graphiquement que dans son traitement des relations entre ado et adultes, cela par-ce que le background est travaillé. C'est là la principale faille de pas mal d'histoires de Zombies (y compris Walking Dead et donc ce Green Class) que d'oublier d'expliquer le hors champ et le contexte pour fermer la focale sur un seul petit groupe. Non que cela soit inintéressant mais c'est déjà lu mille fois. Avec un dessin proche du manga très sympa pour les personnages mais assez vide pour les arrières-plans (pour un premier album, pour peu que l'auteur progresse ca reste très acceptable) et des couleurs que j'ai trouvé un peu passées la partie graphique ne suffit pas totalement à combler ce problème. Le scénario se concentre sur l'évolution des relations dans le groupe d'ado en situation de crise et tarde un peu à proposer des scènes choc que nécessitent ces histoires. C'est au final un travail honnête, pas fondamentalement original et qui vire vers le fantastique sur la fin en laissant de possibles perspectives d'aller vers quelque chose de plus novateur...

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Ce deuxième épisode du Château des animaux s'est fait attendre. prévu par Casterman sur une périodicité de trois mois, il aura fallu pas moins d'un an pour lire la suite de nos animaux... Le troisième est annoncé pour le début de l'été et l'on espère que les délais seront cette fois-ci tenus (avec un album en fin d'année). L'édition est toujours aux petits oignons avec la même très jolie maquette, un rédactionnel qui revient sur les événements de l'épisode (et à lire après donc). Mais contrairement au Château des étoiles ou au dernier Bourgeon c'est surtout pour la BD qu'on lit cette version grand format et l'on aurait aimé des commentaires périphériques ou des éléments enrichissant le hors champ. Ce n'est pas très grave tant la BD en elle-même est superbe visuellement et très plaisante avec cette transposition de la célèbre Ferme des animaux d'Orwell. Dans l'épisode on entre dans le vif de la révolte avec l'élément extérieur, un rat saltimbanque qui au travers de son spectacle ouvre les yeux des animaux sur le despotisme du Taureau. Moi j'adore et je profite de ces immenses planches!

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Atomic Robo est une série d'action délirante publiée depuis 2007 aux Etats-Unis, sur douze volumes. le Robot en question a été créé par Nicola Tesla en 1923 et depuis, passe son temps à sauver le monde contre les génies du Mal, créatures géantes et autres inventions démoniaques. On est clairement dans le même esprit que le très drôle Shirtless Bear Fighter publié l'an dernier. Publié dans la collection comics "Paperback" de Casterman qui jouit d'un très bon écho dans la presse et blogs (format comics, couverture reliée avec quelques effets pelliculés mais pas de bonus... et petit détail, est imprimé en France!), la grande qualité de ces aventures repose sur leur écriture très vive jouant beaucoup sur l'absurde des situations et la répartie du héros. Si le dessin n'a rien d'extraordinaire, il reste lisible et le travail d'expressions (improbable) de ce robot limité à la fermeture de ses paupières métalliques est étonnant. Avec un dessin plus qualitatif on arrivait au niveau du Skybourne de Frank Cho, une de mes pépites de l'an dernier. Malgré la simplicité format timbre-poste des intrigues (en mode porte-monstre-trésor), les auteurs arrivent à varier les plaisirs absurdes comme cette expédition sur Mars où les techniciens ont oublié de donner des lectures au Robo pour les deux ans de voyage. Arrivé sur place il se vengera sur Stephen Hawking, responsable de son calvaire, au travers d'étonnantes constructions... Personnage invincible, le Robo est un gros bourrin qui disserte entre deux mitraillages, sur la possibilité théorique que des fourmis géantes existent. On se marre tout le long et on en redemande!

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Les quelques planches diffusées sur le web pour ce comic récent m'avaient laissé par terre et il avait aussitôt rejoint ma pile de BD à venir. Et je dois dire que dès la couverture et tout au long des 150 pages du premier tome on a les yeux qui brillent. Pas tant pour le dessin lui-même, très pro sans être exceptionnel, mais plus pour l'ambiance générale, les couleurs sublimes et le design génial où l'on sent des auteurs inspirés. L'inspi majeure annoncée est celle de Myazaki et son Princesse Mononoké mais aussi du mythe d'Orphée et Eurydice. Cette histoire d'amour impossible entre la capitaine de la garde et sa reine métamorphosée en tigre, dans une itinérance vers Isola, l'Ile des morts, ne ressemble à rien de ce que vous aurez déjà lu. D'abord car c'est une histoire d'amour platonique homosexuelle comme on n'en voir que très peu en BD. Ensuite par l'approche assez rude de la Nature. On a souvent l'impression de lire un long métrage d'animation dans Isola, avec cette approche complexe, japonaise, toute en sous-entendus, presque zen et contemplative. Les expressions du soldat sont très réussies malgré un vague sentiment que les personnages ne font que suivre un cours qui les dépasse. Du coup le lecteur a un peu de mal à accrocher ces héros sans prise sur leur destinée. La construction scénaristique volontairement compliquée (entre présent et passé, réalité/monde des esprits) ne facilite pas les choses et c'est la bande de chasseurs qui donne le plus envie de connaître la suite de ces aventures en faux-rythme. Ces quelques partis pris n'empêchent pourtant pas de s'immerger dans cet univers baroque, sauvage et poétique. Point bonus pour la maquette superbe et les bonus comme Urban en fait rarement. Au final, si la partie graphique vaut le coup à elle seule, on attend la suite pour voir si l'on aura affaire à une très grande série ou à un projet abscons...

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La nouvelle publication de Hi Comics se veut innovante en proposant une revisitation du thème des jeunes gens aux pouvoirs brutalement déclenchés via une conspiration gouvernementale associée à un génie à moitié fou... Le thème d'Akira et Harmony en somme, avec la difficulté de se comparer à ces deux glorieux aînés. J'ai été fort attiré par le pitch, le traitement radical et violent (qui peut rappeler par moments un Jupiter's Legacy) mais suis resté un peu sur ma faim avec l'impression d'un potentiel réel (notamment l'utilisation des mathématiques pour déclencher la mutation) butant sur quelques difficultés techniques à la fois scénaristiques et graphiques. Ainsi le dessin est plutôt chouette quand aux visages mais subit de réelles lacunes anatomiques et dans l'animation des corps. On sent pourtant une influence de Quitely et des dessins hyper-dynamiques chez Araujo et le découpage et mise en scènes sont très efficaces. Mais souvent on coince sur une image ou un saut temporel. De petites choses qui empêchent de profiter pleinement d'une intrigue résolument moderne et SF. Je gage que le projet tienne à cœur aux auteurs et que l'expérience effacera ces petits problèmes, Generation Gone (et sa conclusion) reste une plutôt bonne surprise dans l'univers du comic Indé.

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Comme d'habitude le volume est à cheval entre plusieurs séquences. On termine donc la méga baston entre les dieux de la destruction, vraiment chouette et où l'on voit apparaître un nouveau méchant potentiel. Puis Goku est chargé de rassembler son équipe pour le grand tournoi des champions des univers: un Battle Royal (tous contre tous!) avec 12 champions par univers... un joyeux bordel qui s'annonce et Goku a beaucoup de mal à trouver des héros du niveau suffisant, surtout que notre univers est réputé l'un des plus faibles, et va être contraint de faire appel à quelqu'un que personne ne souhaitait revoir... On retrouve donc Tortue Géniale (maître Kamesenin), Krillin (dont la fille n'a pas de nez!!), C17 en défenseur de la nature et C18 glaciale au possible. L'auteur développe les vies privées des personnages, nous montre ce qu'il se passe sur d'autres planètes et introduit tout doucement les personnages qui seront l'attraction principale de ce nouveau tournoi. Il égratigne au passage Goku, toujours aussi débile et gourmand. On trouve quelques lacunes graphiques sur certains nouveaux personnages qui s'éloignent un peu du canon Toriyama mais ce n'est pas bien grave, le plaisir est toujours là.

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Les aventures de Seth continuent, de retour sur l'Artémis avec la suite de la course en balais très inspirée de Mario Kart de l'aveu de l'auteur. Partis à la recherche de Grimm vers Bôme (le pays des Domitor) la bande de Seth est toujours aussi riche en idées et intéressante à suivre. Difficile de noter un manga et encore plus un volume isolé dans une série, mais pour l'ensemble de la série et par-ce que ce onzième volume parvient à allier poilade, dialogues que j'irais jusqu'à qualifier de virtuose et vrai gros travail de background, beaucoup plus que sur les autres épisodes, Tony Valente mérite 5 Calvin (... le premier de 2019!). Si le contexte de l'Inquisition et des Némésis avait été un peu mis de côté sur l'Arc de Cyfandir on revient ici à fond avec l'apparition de nouveaux inquisiteurs, des infos sur le monde du dessous, sur le conseil des Mages,... bref, un tombereau de background, ce qui différencie souvent une bonne BD d'une grande BD.

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La toute jeune maison d'édition Kinaye nous propose de découvrir l'auteur et illustrateur Ben Sears avec son couple d'aventuriers Plus Man et son robot philosophe Hank. L'éditeur vise à proposer des ouvrages de BD jeunesse américains et si graphiquement on peut dire que c'est le cas de ce Volcano Trash (qui comprend les deux premières aventures du duo), les dialogues se rapprocheraient plutôt de la tradition du strip de presse à la Calvin et Hobbes. Cet humour stoïque est assez percutant ; je ne suis pas certain que de jeunes lecteurs capteront toute la subtilité mais la linéarité du scénario et l'aspect général s'adressent en effet à des enfants. Outre un certain côté décalé de cet univers, j'ai beaucoup aimé le trait vraiment particulier de Sears, qui donne une matière à un monde aux formes arrondies, avec parfois l'impression de se trouver dans une chambre... d'enfants. La technologie de Plus man est rétro et lui permet d'à peu près tout faire, le héros s'en sort toujours avec le sourire dans une relation avec son robot qui reprend donc celle des héros de Watterson avec un humain bourrin à souhait et son acolyte très réfléchi. Il n'y a pas vraiment de sens à l'histoire, plutôt des prétextes à des situations absurdes et acrobatiques. La première histoire nous propose un château hanté dans un univers SF (ne cherchez pas à comprendre la logique), la suivante, plus longue, mets nos héros aux prises avec une sorte de secte belliqueuse dont l’insistance fait parfois penser aux policiers de Miyazaki. Hank sera emprisonné ce qui obligera Plus man à préparer son évasion dans un design très jeu vidéo de plateforme... Bien délire et une une jolie découverte!

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Comme d'habitude les Arènes produisent un très beau livre relié comprenant la préface d'un historien et en fin d'ouvrage une carte de l'Iran avec une post-face de l'auteur rappelant le contexte dans lequel il a réalisé le travail photo original et la note d'intention sur cet ouvrage: essentielle pour comprendre le passage de la photo à ces "dessins" numériques qui font toute la richesse et la spécificité artistique de l'album. La couverture reprend le style des documentaires journalistiques chocs. Pas forcément la plus belle qui soit pour une BD mais ici nous sommes plus dans le reportage journalistique

En 1978 lorsque commence la Révolution iranienne qui donnera naissance à la République Islamique Michel Setboun est un photographe de presse, l'un des rares présent sur place tout au long des événements. Quarante ans après il reprend ses photos pour les travailler numériquement afin de leur donner un aspect jamais vu à la croisée de l'impressionnisme et du réel...

Attention, cet ouvrage est un événement! En faisant cette proposition artistique unique avec un thème à la fois si fort historiquement et si actuel lorsque l'on regarde dans le rétroviseur, il procure au lecteur un coup de poing exigeant. Car l'ambition est haute. Tout d'abord graphiquement: Iran, Révolution est un exemple de tentative de déconstruction d'une oeuvre par son créateur. Dans l'aboutissement de sa réflexion sur la photographie qu'il considère comme une interprétation de la réalité contrairement à l'image véhiculée d'instants saisis, Michel Setboun a joué sur les curseurs de ses logiciels de retouche numériques pour saturer les images noir et blanc originales. Le résultat, sorte de dessins cubistes est très déstabilisant en ce que l'on retrouve le mouvement, l'action prise sur le fait mais avec l'aspect de dessins à l'encre (alors qu'aucune retouche manuelle n'a été faite). Les photos deviennent une expression hautement graphique mais issues du réel. Beaucoup de dessinateurs travaillent en retouchant à la main des photos. Ici c'est la technique qui fascine puisque c'est le seul logiciel qui a transformé l'image. Et le fait de savoir que derrière ces ombres et contrastes il y a une scène et des humains réels donne encore plus de force au graphisme.

Cette portée graphique ne serait pas si forte sans un tel sujet. Evènement majeur du XX° siècle et de l'histoire de la Perse, la Révolution de 1979 est vécue de l'intérieur, jour après jour par Michel Setboun en nous faisant rencontrer Khomeini, le Shah et les différents moments du conflit. L'ouvrage a le mérite pédagogique de nous raconter le déroulement de cette Révolution, l'une des dernières destitutions populaires d'un régime tyrannique avec une portée sans doute aussi fondamentale pour l'Iran que celle de notre Grande Révolution de 1789. Le fait que cela ait abouti à la seule théocratie (avec le Vatican si on le considère comme un Etat...) au monde, considérée par beaucoup comme une dictature, déstabilise le lecteur occidental. Or l'auteur (qui n'est pas journaliste mais bien photographe) reste à sa place d’œil, de gardant bien de juger en ne commentant que le caractère inouï de l’événement hors de ce qu'il est devenu. L'album s'achève néanmoins sur les premières heures du nouveau régime en nous rappelant que comme souvent après des révolutions la répression s'installe...

Cet ouvrage, aussi intéressant visuellement que pour son propos, nous rappelle le pourquoi de la Révolution et donne envie de se documenter plus en détail sur les fondements de cette République à nulle autre pareil: on découvre alors un régime totalement démocratique (le suffrage est universel pour les deux sexes) en même temps qu'une autocratie totalement dictatoriale, un régime bicéphale et schizophrène qui tente d'allier des normes démocratiques modernes pour la gestion politique (exigence de la Révolution menée autant pas les religieux que par les partis de gauche) avec une prédominance du religieux qui condamne toute évolution, ouverture et modernisation possible du fait de la supériorité absolue du Guide et des conseils d'ayatollah. Si on regarde en détail sur le seul plan institutionnel pas mal de nations occidentales ne sont pas mieux armées en matière de contre-pouvoir... Je vous invite donc vivement à lire ce livre impressionnant et qui demande d'ouvrir sa focale, de sortir de son confort d'analyse. Et ça fait du bien!

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Comme souvent chez Ankama l’édition est magnifique. D’abord cette très chouette couverture colorée qui reflète exactement l’album (soldat, SDF, zootherapie), avec titre gaufré et effet métal que l’on retrouve sur la tranche. L’album se termine par un texte d’intention de l’auteur et un carnet de croquis. Vraiment complet, joli, un calvin. A noter que l’album est d’abord paru aux Etats-Unis en 2019 avant l’édition française chez Ankama.

Après la fin de la guerre June revient dans la grande Cité où une légion de soldats démobilisés errent dans le’s rues, horde de sans abris luttant contre leurs stresses post-traumatiques à l’aide de pilules dont le marché est géré par une mafia. En guerre contre le reste du monde, June l’ancienne tireuse d’élite refuse toute aide et va partir à l’assaut de ces truands qui attaquent ses comparses…

J’ai découvert Guillaume Singelin à l’occasion de ma lecture de Midnight Tales dont il dessinait la première histoire, assez fondatrice du projet. Dans le même style manga que PTSD j’avais remarqué déjà une grande maîtrise du découpage et de l’action malgré un dessin tout sauf réaliste. Hormis ceux de Florent Maudoux (plus classiques) je ne suis pas très proche du style graphique et du design de l’équipe du Label 619. Pourtant dès ma lecture du génial Shangri-La de Mathieu Bablet l’identité artistique m’avait marqué et on peut dire qu’il y a une vraie cohérence dans cette bande de jeunes auteurs, à commencer par l’approche sociétale de la misère. Que ce soit la situation des animains dans l’ouvrage de Bablet, les réflexions sur les freaks et la sexualité de Maudoux ou ici le stress post-traumatique et la réinsertion des soldats chez Singelin, ces auteurs élevés dans la culture manga autant que comics proposent des visions très personnelles dans des genres qui facilitent habituellement le grand spectacle. Il peut alors y avoir un peu de frustration pour qui attendrait une BD d’action voir de guerre dans PTSD. Pour comparer avec le cinéma c’est un peu la même démarche que celle de Mamoru Oshii ou Denis Villeneuve, qui dans Sicario ou Ghost in the Shell utilisent un emballage de genre pour proposer des captures et réflexions totalement humanistes.

PTSD nous présente donc l’itinéraire de June, brillante tireuse d’élite revenue borgne d’une guerre sans nom que l’on découvrira au travers de plusieurs séquences intercalées comme des respirations du récit. Accro comme aux médicaments destinés à calmer ses douleurs et son stress comme la horde de vagabonds qui hantent l’immense cité asiatique que l’auteur se plait à nous présenter dans des séquences contemplatives qui occupent la majeure partie de l’album. Le texte post-face explique très précisément les envies de Guillaume Singelin, notamment ces visions urbaines incroyables qui habitent les films hong-kongais et qu’il a lui-même pu expérimenter en résidence à Tokyo. C’est pour moi le plus intéressant dans ce gros ouvrage où l’on retrouve (encore) une proximité avec les préoccupations de son compère Mathieu Bablet, très friand de longues pérégrinations urbaines. Dans PTSD, l’héroïne est seule, refuse toute aide, comme ses frères d’arme. Il n’y a pratiquement aucune critique politique dans ce livre qui s’intéresse bien plus aux relations humaines et aux effets enfermant du traumatisme. Sans mièvrerie, on nous montre comment le théâtre de guerre en obligeant les soldats à dépendre les uns des autres, tisse des liens qui seront détruits au retour. C’est ce travail psy que devra faire June à qui des mains sont tendues et qui les refusera jusqu’à l’arrivée d’un chien dont l’action thérapeutique provoquera la bascule.

Il y a bien sur des scènes d’action, diablement efficaces, lors de la vendetta de June contre les dealers. Trop brèves à mon goût tant l’auteur parvient à retrouver un peu de l’essence d’un Appleseed (Dunan Nuts, l’héroïne de Masamune Shirow est un des modèles de Singelin pour son personnage) dans ces passages. Mais le propos de l'auteur reste bien celui de la vie foisonnante contrastant avec les errements de zombies des anciens soldats. Le travail des couleurs est très réussi et le dessin manga, très rond, facilite l’approche de ces destins tragiques. J’ai un peu tiqué sur les crayonnés laissés à l’impression, qui salissent un peu les dessins sur les gros plans. C’est sans doute recherché mais je ne trouve pas cela très réussi. Les visages très enfantins en revanche sont étonnants d’expressivité malgré la grande limite des possibilités graphiques du genre. Enfin, un détail vous étonnera, les personnages de l’album sont dotés de quatre doigts de la main, cela car l’auteur voulait dessiner de grosses mains et que les doigts ne rentraient pas… Une singularité qui montre la liberté et la sincérité totale de production de l’ouvrage.

Au final, si je ne suis pas aussi enthousiaste que pas mal des autres blogueurs, sans doute du fait de la sensibilité très particulière de l’ouvrage, j’ai passé une très agréable lecture en découvrant un vrai auteur, très impliqué sur son projet et nous faisant partager ses environnements, la vie urbaine asiatique, et en nous immergeant dans une thématique originale peu vue en BD.

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Ce gros volume fait l'objet d'une édition très soignée de Steinkis, avec papier épais, couverture reliée avec une belle couverture alléchante, interview de l'un des fondateurs du groupe, discographie exhaustive de Redbone, préface de la fille de Pat Vega et enfin une bibliographie. Pour être déraisonnable on aurait pu souhaiter un rappel historique de la lutte des native-americans pour mieux situer les événements relatés dans l'album mais sincèrement avec un tel contenu on peut dire que c'est du très bon boulot.

Redbone est le premier groupe de rock composé d'indiens d'Amérique et se revendiquant comme tel. C'est l'histoire de ce groupe, de la musique des années 60 et 70, de ses membres et de la lutte des indiens pour les droits civiques et la reconnaissance de leur culture qui est racontée dans ce livre.

Je n'avais jamais entendu parler de Redbone. Je connais un peu les grands moments de la lutte des indiens pour la défense de leur culture et la fin de l'oppression mais cet étrange album m'a permis de m'y intéresser plus avant en parvenant à mêler avec une étonnante souplesse la biographie familiale, l'histoire de la musique et l'histoire politique d'une Nation indienne opprimée depuis le XIX° siècle.

Redbone ce sont d'abord les frères Pat et Lolly Vegas, indiens Hopis ayant grandi dans une réserve et familiers de la musique de par leur famille. Vivant la ségrégation dans leur chair lorsque Pat est envoyé comme nombre de ses congénères dans un orphelinat d'acculturation, ils choisissent très vite de tenter leur chance à Los Angeles, cité de tous les possibles où les groupes et les artistes naissent à chaque instant dans la foison de clubs qui existent alors. Leur histoire est pour beaucoup une success-story (ou du moins relatée comme telle) et c'est ce qui rend la lecture de la BD agréable. Fréquentant un milieu de musiciens, trouvant rapidement de très bons musiciens (dont on nous raconte aussi l'histoire, ils plaisent aux producteurs et arrivent très vite à sortir des disques, d'abord sous leurs noms puis après la formation de Redbone, après une rencontre décisive avec le jeune Jimmy Hendrix qui leur fait prendre conscience de l'importance d'assumer ses racines et de se battre pour l'égalité.

Le groupe fréquente les plus grands, ayant pour producteur Robert Blackwell qui supervise Little Richards et Sam Cooke et faisant passer des auditions où ils doivent recaler un certain Jim Morrisson et ses comparses. Il y a sans doute un peu d’esbroufe de la part de Pat Vega lorsqu'il raconte l'anecdote à l'auteur de l'album, mais cela permet de nous replacer dans une période à la créativité incroyable. Enchaînant les disques sans discontinuer tout au long de la décennie 70 où ils font partie des groupes les plus réputés, se produisant devant la Reine d'Angleterre et trustant les charts dans plusieurs pays. Leur musique a été remise au goût du jour avec la bande originale du flm Marvel Les Gardiens de la Galaxie...

La décennie 70 c'est aussi celle de la lutte pour les droits civiques et les actions de l'American Indian Movement (AIM), soutenu dès sa fondation par Redbone qui lui verse l'essentiel de ses premiers cachets. Après avoir dû se faire passer pour mexicains pendant leurs premières années, par peur des producteurs que le public blanc fuient leur musique, ils revendiquent fièrement leurs racines et participent aux actions radicales de l'AIM comme l'occupation d'Alcatraz, celle de Wounded Knee (événement sur lequel ils firent une chanson qui sortit en Europe devant le refus des producteurs américains de cautionner un "appel au soulèvement") où ils rencontrent des figures telles qu'Angela Davis.

Graphiquement l'album est assez simple, avec beaucoup de dialogues de visages dessinés, mais aussi quelques planches illustrant les événements historiques. J'ai beaucoup aimé les fausses couvertures de "Redbone comics" séparant le récit en parties, mais hormis cela, si le graphisme accompagne très bien la narration, ce n'est pas pour eux que l'on achètera l'ouvrage.

Très bonne surprise que ce Redbone, de celles qui nous font découvrir une histoire totalement ignorée, ouvrent notre horizon en sachant allier l'intime et des thématiques à la fois politiques et musicales. Ce que j'appelle un bon documentaire.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/24/redbone

Comme souvent Glénat sort la grosse artillerie com' pour le passage du dessinateur de Lanfeust... dont on se demandait quand il accepterait de changer d'air après vingt-cinq ans à dessiner les aventures du rouquin forgeron. Malgré ce confort Tarquin a toujours su faire évoluer son style de dessin, chose que j'apprécie chez un dessinateur même si parfois ce n'est pas pour le mieux. Tarquin travaille depuis le début de Lanfeust Odyssey avec son épouse Lyse sur les couleurs, qui s'en sort très bien en étant relativement sobre en effets spéciaux et autres halos numériques coutumiers chez les coloristes de SF/fantasy. Si UCC Dolores est son premier album "solo", il a déjà produit des scénarios de séries chez Soleil, notamment avec Tony Valente, l'auteur du génial Radiant. Et donc UCC Dolorès ça donne quoi?

Je dois dire que le pitch ressemble énormément à une des très bonnes séries SF de ces dernières années, Warship Jolly Rogers. Et si la réalisation est impeccable et sent l'expérience, niveau scénario l'absence du vieux routier Arleston se ressent avec une certaine imprécision sur ce qu'est cette série, les pistes visées par Didier Tarquin. Le gros bras qui accompagne la rouquine sortie du couvent est efficace tout comme les méchants et surtout le mécano du navire, sorte de Wolverine mutique particulièrement réussi. L'héroïne en revanche subit le même syndrome que Lanfeust à ses débuts, à savoir être finalement le side-kick de ses acolytes... paradoxal. Le mystère principal repose sur le vaisseau lui-même qui sur ce premier tome est étonnamment normal. En conclusion je dirais que pour les fans de Tarquin la lecture se tente (surtout que l'intrigue est prévue en trois tomes pour le premier cycle, ce qui est raisonnable), pour les autres, la comparaison avec la série de Montllo et Runberg est en défaveur de l'UCC Dolorès. C'est un peu lent à démarrer même si l'univers à la Starwars et le design général restent agréables. Essai pas vraiment transformé et on attend la suite pour se prononcer.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/27/ucc-dolores

Le bel album Casterman grand format comporte une préface de l'autrice et quelques références "pour aller plus loin". L'album est directement inspiré de l'autobiographie romancée de Phoolan Devi. Très belle couverture, l'une des plus belles de l'année dernière.

Dans l'Inde des années 70 Phoolan Devi naît fille dans une famille de basse caste. Dans cette société extraordinairement inégalitaire et patriarcale, les filles sont moins que rien. Phoolan est une révoltée. Mariée à 11 ans, violée à plusieurs reprises, elle prends le maquis, devient chef de bande, une Robin des bois féministe utilisant les mêmes armes violentes que ces hommes qui terrorisent femmes et pauvres. Elle finira députée. C'est cette histoire incroyable que nous propose de vivre Claire Fauvel.

Sorti en même temps que l'extraordinaire Guarani, les enfants soldats du Paraguay (qui fait parti de mon top de l'an dernier), Phoolan Devi m'avait attiré par sa couverture très percutante avec notamment ce rouge puissant, le rouge du sang et de la liberté. La figure de Phoolan Devi est éminemment romantique et dramatique. Toute la première partie de l'album est difficile à lire tant elle nous plonge dans une société d'une injustice et d'une violence envers les femmes parfois insoutenable. Non que le graphisme de Claire Fauvel soit dur, tout au contraire, son trait et ses magnifiques couleurs sont agréables à regarder. Mais l'histoire de Phoolan est absolument tragique en ce qu'elle nous jette à la figure la dureté ultime lorsque cette fillette de 11 ans, ignare, d'une innocence absolue, est livrée à un homme de 30 ans, quittant pour la première fois sa famille et son village pour devenir esclave domestique et être violée... Dans cette société une fille n'a pas plus de valeur qu'un chien.

Le récit est celui de Phoolan. Le regard qu'elle porte, adulte, emprisonnée après sa reddition, sur son paye, sa société, les hommes. C'est un récit éminemment féministe, un féminisme de guerre, de révolte concrète contre une injustice quotidienne insupportable et qui mène à la mort, comme ces femmes répudiées ou dont le mariage est cassé et qui n'ont plus pour solution que de se jeter dans un puits... Cette thématique rejoint d'ailleurs l'une des histoires du très intéressant projet Midnight tales chez Ankama. Après cette première partie rude on entre dans une histoire plus romantique, celle d'une jeune femme qui découvre tout à la fois la liberté, l'amour simple, celui d'un humain pour un autre humain avant même de comprendre ce que peut être l'attirance sexuelle. L'auteure touche à ce moment le cœur même de l'humanité et de l'inhumanité vécue par son personnage en ce que le simple fait de considérer l'autre pour ce qu'il est et non par son statut dégradé peut changer un destin. Il n'y a pourtant pas de naïveté dans cet album qui nous montre la violence qu'a pratiqué Phoolan à l'encontre de ses agresseurs, de ces hommes dominants contre lesquels elle retourne la même inhumanité. Claire Fauvel ne condamne ni ne dénonce. Elle documente simplement une réalité, celle de la vie de Phoolan Devi qui jusque dans les dernières heures de négociations pour sa reddition sera victime de son inculture face à des adversaires sans foi ni loi pour maintenir l'ordre établi. En cela le combat de Phoolan Devi est bien un combat révolutionnaire, qui n'est jamais associé à celui de Gandhi mais qui pourrait le rejoindre tant il touche à des fondements de l'humanisme.

Visuellement le trait et le découpage simples mais très graphiques de Claire Fauvel font mouche. Il permet de traiter de scènes crues sans voyeurisme ni violence gratuite. On suggère suffisamment pour ne pas avoir à insister et cette délicatesse joue beaucoup dans la perception du lecteur qui peut voir l'inmontrable sans dégoût, Phoolan étant toujours montrée comme insoumise et accompagnant nos yeux dans une Inde de beaux paysages sauvages et de moments de beauté. C'est cette vision positive que je garde après avoir fermé ce très bel album qui mérite la réputation d'être l'un des plus beaux de 2018.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/03/03/phoolan-devi-reine-des-bandits

Sandawe est un éditeur participatif qui fonctionne sur le crowdfunding: un projet est présenté par l'auteur, le budget détaillé et le montant nécessaire affiché. Les édinautes financent sur différents montants correspondant à des paliers permettant d'avoir l'ouvrage seul ou plus ou moins de bonus.

J'essaye toujours de parler du travail (ou du non travail...) d'édition sur les bouquins que je critique et je dois dire que lorsque j'ai reçu ces deux volumes j'ai été plus qu'agréablement surpris par la qualité de la finition. L'aspect couverture abîmée (avec des textures très propres et différentes sur les deux volumes), la précision et l'élégance de la maquette, la force évocatrice des couvertures, tout est aux petits oignons niveau édition et ça mérite amplement un Calvin pour cela (chose assez rare sur ce blog), surtout venant d'un petit éditeur participatif. Je précise que la couverture est format comics mais reliée (donc en dur pour les non initiés à la terminologie bibliophilique...). Dernier point, l'imprimeur a changé entre les deux tomes, le premier volume proposant un papier épais mat, le second un papier glacé plus fin. Je préfère le premier que je trouve plus adapté au dessin fort noir de l'auteur.

En 1916, sur le Front, les allemands ont disparu... Explorant le Tötendom, la montagne des morts, les poilus découvrent des scènes indicibles, des humains modifiés et autres abominations. L'armée fait appel à un spécialiste du Muséum d'Histoire Naturelles pour aller éclaircir ce mystère. Là-bas, s'enfonçant dans les entrailles de la terre il mettra à jour des révélations qui bouleverseront la réalité telle que nous la connaissons...

Vous l'aurez compris en lisant ce court résumé, on a affaire ici à une histoire inspirée du Mythe de Ctulhu. J'adore le fantastique, j'adore le monde de Lovecraft et je trouve que l'on n'a pas si souvent l'occasion de lire une bonne histoire s'inscrivant dans ce genre. Bones, l'auteur de ce triptyque (le troisième est en préparation) est en outre dans la ligne graphique de l'école Mignola (... et ô sacrilège, je préfère le dessin de Bones à celui de l'américain, le trouvant plus clair).

Si cette série est une très grande réussite c'est d'abord par-ce qu'elle remplit son cahier des charges de genre en transposant l'intrigue dans le contexte de la Grande Guerre (le premier tome pendant, le second juste après). Les histoires fantastiques à base de tentacules ne sont jamais fondamentalement originales de la même manière qu'une histoire de chevaliers et de dragons ne l'est pas. L'auteur et le lecteur cherchent avant tout à donner des images titillant notre imaginaire collectif. Ainsi ce sont les éléments clés d'une telle histoire et leur articulation, le montage, qui plaisent ici: le savant fou, les allemands, la civilisation pré-civilisation, l'indicible et le traitement visuel de l'horreur, avec ses gros-plans et ses bruits en onomatopées omniprésentes. Le contexte est ainsi idéal et le scénario, particulièrement équilibré, arrive en 86 planches à nous présenter l'intrigue principale, du flashback, l'arrière-plan (Paris, les généraux, le Muséum) et à présenter un début, un milieu et une fin, sans que la chute ne soit expédiée comme c'est souvent le cas quand on est en présence de ce genre d'intrigue. L'histoire a été construite en format one-shot avec la possibilité d'une prolongation après le tome 1, Bones ayant sans doute envisagé dès le début une trilogie. La fin du premier album est ainsi un peu vague si vous en restez là alors que l'articulation entre les deux tomes peut sembler avoir quelques difficultés par moment (manque d'explication sur l'ellipse de trois ans entre les deux volumes). Cela est sans doute dû aux incertitudes éditoriales et je gage que le troisième tome sera bien mieux articulé.

De la même manière les personnages sont archétypaux mais je les ai trouvé très réussis, notamment le capitaine-courage et Bär, le volumineux allemand équipé d'une mitrailleuse et furieusement bad-ass! Si les méchants sont essentiellement à base de monstres sur le premier volume, ils montent d'un cran dans Un océan de souffrance en cultivant un mystère bien orchestré en restant tapis dans l'ombre. Les trois thèmes Terre/Eau/Espace rattachés aux trois volumes peuvent sembler artificiels mais personnellement j'aime bien quand une série développe des thématiques, des colorations rattachées aux albums. Ils permettent en outre d'éviter la redite, ne serai-ce que graphiquement, si La montagne des morts est une histoire de tranchées et de monde souterrain, le second introduit la thématique vernienne qui nous sort un peu du seul Ctulhu (même si on en reste très proche) avec des constructions sous-marines et navires de guerre. Globalement la progression dramatique, la divulgation des infos, coups de théâtre et l'approche scénaristique générale sont remarquables.

Visuellement les planches sont vraiment belles et l'on sent à la fois la quantité de travail et la maîtrise technique dans cette grande lisibilité et propreté des architectures et arrière-plans. Le style est particulier et certains n'aimeront pas. Mais force est de reconnaître qu'il colle parfaitement à l'atmosphère et montre un dessinateur qui a largement passé le stade de l'amateur. Nombre de dessinateurs œuvrant dans des styles ombre et lumière (dernièrement Eduardo Risso sur Moonshine) rendent des planches parfois confuses. Je n'ai jamais ressenti cela à la lecture de Dessous. Bones propose surtout nombre de visions fantastiques qui font frémir notre imaginaire.

Comme il faut aussi pointer les manques, je parlerais (mais cela a été relevé et corrigé sur le tome 2) des dialogues en allemand non traduits sur le T1 (comme sur Black Magick, tiens, est-ce que les scénaristes germanophones oublient que tout le monde ne parle pas la langue de Goethe?) et des halo lumineux ajoutés par l'auteur dans le T2 et qui me semblent trop artificiels au regard d'un projet qui respire l'artisanat et l'encre.

Hormis cela Dessous est une vraie bonne BD de genre, un vrai bon dessin d'un auteur qui a clairement de l'avenir. J'ai retrouvé dans cette lecture beaucoup du plaisir des illustrations de Lauffray et un peu de ce qu'il pourrait produire s'il sortait enfin sa grande BD d'exploration lovecraftienne. Si vous avez peur des poulpes et imaginez des temples ensevelis dans votre jardin, si vous aimez les encrages profonds, les savants fous et les machines steampunk, rattrapez vite votre retard avant Un regard vers les étoiles, que vous pouvez aussi pré-financer sur le site de l'éditeur.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/20/dessous-1-et-2

Sandawe est un éditeur participatif qui fonctionne sur le crowdfunding: un projet est présenté par l'auteur, le budget détaillé et le montant nécessaire affiché. Les édinautes financent sur différents montants correspondant à des paliers permettant d'avoir l'ouvrage seul ou plus ou moins de bonus.

J'essaye toujours de parler du travail (ou du non travail...) d'édition sur les bouquins que je critique et je dois dire que lorsque j'ai reçu ces deux volumes j'ai été plus qu'agréablement surpris par la qualité de la finition. L'aspect couverture abîmée (avec des textures très propres et différentes sur les deux volumes), la précision et l'élégance de la maquette, la force évocatrice des couvertures, tout est aux petits oignons niveau édition et ça mérite amplement un Calvin pour cela (chose assez rare sur ce blog), surtout venant d'un petit éditeur participatif. Je précise que la couverture est format comics mais reliée (donc en dur pour les non initiés à la terminologie bibliophilique...). Dernier point, l'imprimeur a changé entre les deux tomes, le premier volume proposant un papier épais mat, le second un papier glacé plus fin. Je préfère le premier que je trouve plus adapté au dessin fort noir de l'auteur.

En 1916, sur le Front, les allemands ont disparu... Explorant le Tötendom, la montagne des morts, les poilus découvrent des scènes indicibles, des humains modifiés et autres abominations. L'armée fait appel à un spécialiste du Muséum d'Histoire Naturelles pour aller éclaircir ce mystère. Là-bas, s'enfonçant dans les entrailles de la terre il mettra à jour des révélations qui bouleverseront la réalité telle que nous la connaissons...

Vous l'aurez compris en lisant ce court résumé, on a affaire ici à une histoire inspirée du Mythe de Ctulhu. J'adore le fantastique, j'adore le monde de Lovecraft et je trouve que l'on n'a pas si souvent l'occasion de lire une bonne histoire s'inscrivant dans ce genre. Bones, l'auteur de ce triptyque (le troisième est en préparation) est en outre dans la ligne graphique de l'école Mignola (... et ô sacrilège, je préfère le dessin de Bones à celui de l'américain, le trouvant plus clair).

Si cette série est une très grande réussite c'est d'abord par-ce qu'elle remplit son cahier des charges de genre en transposant l'intrigue dans le contexte de la Grande Guerre (le premier tome pendant, le second juste après). Les histoires fantastiques à base de tentacules ne sont jamais fondamentalement originales de la même manière qu'une histoire de chevaliers et de dragons ne l'est pas. L'auteur et le lecteur cherchent avant tout à donner des images titillant notre imaginaire collectif. Ainsi ce sont les éléments clés d'une telle histoire et leur articulation, le montage, qui plaisent ici: le savant fou, les allemands, la civilisation pré-civilisation, l'indicible et le traitement visuel de l'horreur, avec ses gros-plans et ses bruits en onomatopées omniprésentes. Le contexte est ainsi idéal et le scénario, particulièrement équilibré, arrive en 86 planches à nous présenter l'intrigue principale, du flashback, l'arrière-plan (Paris, les généraux, le Muséum) et à présenter un début, un milieu et une fin, sans que la chute ne soit expédiée comme c'est souvent le cas quand on est en présence de ce genre d'intrigue. L'histoire a été construite en format one-shot avec la possibilité d'une prolongation après le tome 1, Bones ayant sans doute envisagé dès le début une trilogie. La fin du premier album est ainsi un peu vague si vous en restez là alors que l'articulation entre les deux tomes peut sembler avoir quelques difficultés par moment (manque d'explication sur l'ellipse de trois ans entre les deux volumes). Cela est sans doute dû aux incertitudes éditoriales et je gage que le troisième tome sera bien mieux articulé.

De la même manière les personnages sont archétypaux mais je les ai trouvé très réussis, notamment le capitaine-courage et Bär, le volumineux allemand équipé d'une mitrailleuse et furieusement bad-ass! Si les méchants sont essentiellement à base de monstres sur le premier volume, ils montent d'un cran dans Un océan de souffrance en cultivant un mystère bien orchestré en restant tapis dans l'ombre. Les trois thèmes Terre/Eau/Espace rattachés aux trois volumes peuvent sembler artificiels mais personnellement j'aime bien quand une série développe des thématiques, des colorations rattachées aux albums. Ils permettent en outre d'éviter la redite, ne serai-ce que graphiquement, si La montagne des morts est une histoire de tranchées et de monde souterrain, le second introduit la thématique vernienne qui nous sort un peu du seul Ctulhu (même si on en reste très proche) avec des constructions sous-marines et navires de guerre. Globalement la progression dramatique, la divulgation des infos, coups de théâtre et l'approche scénaristique générale sont remarquables.

Visuellement les planches sont vraiment belles et l'on sent à la fois la quantité de travail et la maîtrise technique dans cette grande lisibilité et propreté des architectures et arrière-plans. Le style est particulier et certains n'aimeront pas. Mais force est de reconnaître qu'il colle parfaitement à l'atmosphère et montre un dessinateur qui a largement passé le stade de l'amateur. Nombre de dessinateurs œuvrant dans des styles ombre et lumière (dernièrement Eduardo Risso sur Moonshine) rendent des planches parfois confuses. Je n'ai jamais ressenti cela à la lecture de Dessous. Bones propose surtout nombre de visions fantastiques qui font frémir notre imaginaire.

Comme il faut aussi pointer les manques, je parlerais (mais cela a été relevé et corrigé sur le tome 2) des dialogues en allemand non traduits sur le T1 (comme sur Black Magick, tiens, est-ce que les scénaristes germanophones oublient que tout le monde ne parle pas la langue de Goethe?) et des halo lumineux ajoutés par l'auteur dans le T2 et qui me semblent trop artificiels au regard d'un projet qui respire l'artisanat et l'encre.

Hormis cela Dessous est une vraie bonne BD de genre, un vrai bon dessin d'un auteur qui a clairement de l'avenir. J'ai retrouvé dans cette lecture beaucoup du plaisir des illustrations de Lauffray et un peu de ce qu'il pourrait produire s'il sortait enfin sa grande BD d'exploration lovecraftienne. Si vous avez peur des poulpes et imaginez des temples ensevelis dans votre jardin, si vous aimez les encrages profonds, les savants fous et les machines steampunk, rattrapez vite votre retard avant Un regard vers les étoiles, que vous pouvez aussi pré-financer sur le site de l'éditeur.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/20/dessous-1-et-2

Ankama fait partie des éditeurs que j'aime bien car ils soignent leurs productions et lancent des projets originaux, même si je n'accroche pas avec toutes leurs publications. On a donc ici de gros volumes au format comics et papier épais non glacé, une table des matières, couverture à rabats et bibliographie pour aller plus loin. La maquette est très sympa et donne envie avec une alternance de courtes BD, de nouvelles et de textes documentaires ou pseudo-journalistiques qui participent grandement à la matière de cet univers, comme sur le Chateau des Etoiles par exemple. Une bibliographie est insérée sur le rabat à la fin des ouvrages. Hormis deux-trois pages avec un problème de chevauchement d'impression des textes (à moins que ce soit fait exprès pour l'ambiance trouble?) c'est nickel et mérite un Calvin pour l'édition.

Chaque volume rassemble l'équipe du Label 619 dans un ensemble de BD et de contenu hétéroclite fidèle à ce que propose Ankama depuis quelques temps avec Doggy Bags et Gorcery par exemple. Le projet est chapeauté par Mathieu Bablet (qui produit presque tous les scénarii) en visant à développer un univers global autour de cette confrérie et du monde parallèle. L'originalité du projet, outre de rassembler textes et BD est de s'intéresser à des questions sociétales en différents points du monde et d'aborder les sorcières via leurs problèmes humains. Les personnages étant essentiellement des filles le focus est mis sur la perception féminine, les relations mères-filles, l'enfantement, etc. Je constate d'ailleurs que beaucoup de publications du label 619 semblent adopter ce point de vue féminin.

C'est orienté jeunes adultes et c'est particulièrement bien écrit! La maturité créative de ces jeunes auteurs est assez impressionnante, quand aux dessins si quelques cadors mettent le curseur très haut, l'ensemble est plus qu'honnête. Je ne suis pas forcément féru d'ouvrages multi-auteurs mais j'ai été totalement conquis pas le projet, son ambition et le sérieux de sa réalisation.

Volume 2
- Witch O'Winchester: histoire de maison hantée dessinée par le génial Florent Maudoux, la première BD du recueil nous raconte la chronique de la veuve de la famille Winchester (la carabine) contrainte de bâtir une maison tentaculaire si elle ne veut pas mourir. C'est très beau comme d'habitude même si l'on aurait aimé en savoir plus sur cette jeune guide membre de l'Ordre.

- L'étrange cas de M. Bartholomew: des sorcières égyptiennes sont contactées par un riche occidental envoûté et rendu minuscule. L'histoire est un peu anecdotique et permet surtout de parler de la mythologie égyptienne, du monde des morts et de l'histoire coloniale de l'Egypte.

- L'amulette: retour de Bablet tout seul pour une assez courte histoire qui donne lieu à quelques fascinantes visions de l'autre monde. Trop court pour être vraiment marquant mais cela permet d'introduire le plus intéressant article depuis le lancement de la série, celui sur la Society for Psychical Research.

- Devil's garden #2: la suite du précédent, dessiné cette fois par Mathilde Kitteh, nous présente une Midnight girl Thaï extrêmement puissante et qui ne parvient à contrôler son pouvoir qu'en s'épuisant dans les drogues et l'activité. Elle se retrouve contrainte de cohabiter avec l'âme de l'une de ses victimes avant l'intervention de l'Ordre. La séquence est un peu redondante mais permet de développer un peu le background de l'Ordre de Minuit.

Le volume s'achève sur une passionnante réflexion sur le passage des esprits à la religion et de la religion à la science dans l’Égypte antique.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/16/midnight-tales-1-et-2

Ankama fait partie des éditeurs que j'aime bien car ils soignent leurs productions et lancent des projets originaux, même si je n'accroche pas avec toutes leurs publications. On a donc ici de gros volumes au format comics et papier épais non glacé, une table des matières, couverture à rabats et bibliographie pour aller plus loin. La maquette est très sympa et donne envie avec une alternance de courtes BD, de nouvelles et de textes documentaires ou pseudo-journalistiques qui participent grandement à la matière de cet univers, comme sur le Chateau des Etoiles par exemple. Une bibliographie est insérée sur le rabat à la fin des ouvrages. Hormis deux-trois pages avec un problème de chevauchement d'impression des textes (à moins que ce soit fait exprès pour l'ambiance trouble?) c'est nickel et mérite un Calvin pour l'édition.

Chaque volume rassemble l'équipe du Label 619 dans un ensemble de BD et de contenu hétéroclite fidèle à ce que propose Ankama depuis quelques temps avec Doggy Bags et Gorcery par exemple. Le projet est chapeauté par Mathieu Bablet (qui produit presque tous les scénarii) en visant à développer un univers global autour de cette confrérie et du monde parallèle. L'originalité du projet, outre de rassembler textes et BD est de s'intéresser à des questions sociétales en différents points du monde et d'aborder les sorcières via leurs problèmes humains. Les personnages étant essentiellement des filles le focus est mis sur la perception féminine, les relations mères-filles, l'enfantement, etc. Je constate d'ailleurs que beaucoup de publications du label 619 semblent adopter ce point de vue féminin.

C'est orienté jeunes adultes et c'est particulièrement bien écrit! La maturité créative de ces jeunes auteurs est assez impressionnante, quand aux dessins si quelques cadors mettent le curseur très haut, l'ensemble est plus qu'honnête. Je ne suis pas forcément féru d'ouvrages multi-auteurs mais j'ai été totalement conquis pas le projet, son ambition et le sérieux de sa réalisation.

Volume 1
Le volume comprend quatre histoires de fantômes liées à l'Ordre de Minuit, une nouvelle et des articles traitant des femmes en Inde, des mythes des cités englouties, d'un type de fantôme et des sources historiques de la magie.

- The last dance: la première histoire relate les aventures d'un groupe de jeunes lycéennes en proie aux problèmes de leur âge alors qu'un Esprit annonciateur de malheurs apparaît. Le dessin de Guillaume Singelin, de type manga, est très propre, dynamique et efficace. On entre bien dans ce monde de spirit slayers.

- Samsara: la seconde, dessinée par Sourya voit une équipe de sorcières indiennes accompagner les âmes des morts vers leur dernier voyage. Je ne suis pas passionné pas la société indienne et suis un peu resté en retrait, même si la variation orientale des démons reste originale.

- Nightmare from the shore: Mathieu Bablet seul aux commandes nous propose un petit apocalypse autour d'un couple d'amies un peu perturbées par leurs conditions sociales et qui passent un pacte avec un démon sorti des eaux... pour le pire. Toujours ces fascinantes pérégrinations urbaines décadentes dont il a le secret.

- Devil's garden #1: enfin Gax nous raconte l'histoire de la fille du Diable, Lilith, sur le point de rejoindre son géniteur alors qu'un chevalier de l'Ordre surgit pour empêcher la catastrophe. Très bonne ouverture de l'univers fantastique, un peu brouillon visuellement (l'esprit graph du Label 619, on aime ou pas) mais qui dessine de très bonnes perspectives.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/16/midnight-tales-1-et-2

J'avais été plutôt agréablement surpris par le premier tome de cette série, de part un très bon dessin et un vrai travail sur les personnages. Ce second volume transpose la même trame mais cette fois dans une flotte coloniale "d'Europe du sud" décimée par le matériel bas de gamme chinois, utilisé pour constituer cette flotte du dernier espoir. Si l'idée de changer la "couleur" de la flotte est plutôt intéressante, la trop grande proximité entre les deux albums se fait en défaveur de ce dernier. La relation familiale compliquée, les pouvoirs cachés d'une peuplade inconnue, l'utilisation du fantastique dans une série de hard-science... tout cela est trop proche d'Islandia et j'espère sincèrement que c'est un simple raté  de démarrage car produire une série de cinq tomes sans plus de variations me semble être un suicide! Du reste en tant qu'album one-shot, Deluvenn propose des thèmes intéressants hormis le fait que le héros soit assez inintéressant. Les Kraken sont la plus grande réussite de l'album mais le scénariste Nicolas Jarry ne creuse malheureusement pas du tout ce côté là. Un bon album de SF nécessite un background costaud. On est un peu court sur ce point et une vague impression de filiation avec Aquablue nous montre que l'originalité du projet a été un peu délaissée... même si cet album reste dans la moyenne très acceptable des BD très grand public de SF familiale.

Lire sur le blog:
https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/09/bd-en-vrac-3

Ce troisième et dernier tome de la série Katanga poursuit dans la continuité de ses prédécesseurs. Je rappelle les points forts de cette plutôt bonne série, que j'avais évoqué sur les précédents billets: un dessin un peu cartoon mais très propre et à l'encrage qui donne envie de le lire en édition spéciale, la colorisation absolument parfaite (comme d'habitude) de Bastide, le réalisme historique du contexte et un montage parfaitement huilé. On n'est pas surpris, Nury fait partie des vieux briscards du scénario franco-belge qui imprime sa patte sombre en incarnant l'anti grand-public. L'historien renforce dans ce troisième tome le côté historique avec le sort fait à Patrice Lumumba, qui fait monter d'un cran, en une scène d'une rare violence, la tension et la noirceur de cette série que seule la conclusion dépasse en nihilisme. J'avais émis des réserves sur une vision des africains qui pouvait flirter avec le racisme tout en notant le traitement non préférable fait aux blancs. Et c'est au final ce qui m'a dérangé, cette absence totale d'espoir, de lumière, le seul être surnageant un peu, Alicia, étant une prostituée calculatrice... Quel est le message de cette série hormis dénoncer le système de la françafrique et de la colonisation? Il est certain que j'ai pris du plaisir à la lecture de cette trilogie très travaillée et parfaitement fabriquée, mais quand Il était une fois en France intéressait par son ambiguïté et ses zones grises, Katanga ne propose que du noir. Trop pour moi. C'est dommage car il y a un vrai talent et en introduisant un héros et un peu plus de sens historique cela aurait pu être une très grande série.

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https://etagereimaginaire.wordpress.com/2019/02/09/bd-en-vrac-3

Futuropolis est un éditeur qui publie peu mais bien ; ce volume ne déroge pas à la règle avec un grand format à la couverture solide et un cahier historique de contexte très intéressant à la fin.

Marcel Grob est convoqué chez le juge d'instruction. Ce dernier veut son témoignage sur son incorporation aux Waffen SS pendant la seconde guerre mondiale. Il risque la prison pour le peu d'années qu'il lui reste à vivre. Il commence alors un récit sur l'enrôlement des "malgré-nous", ces alsaciens engagés dans les pires des bataillons nazi, pris entre deux Nations...

J'ai beaucoup en tendu parler de cet album qui a fait grand bruit, sans doute pour son sujet... mais probablement aussi par la notoriété de son scénariste, le producteur radio de France Inter Philippe Collin. J'ai pris conscience de cela après avoir achevé ma lecture en lisant les remerciements et la mémoire de son "grand oncle Marcel Grob".

Cela n'enlève rien à la portée du sujet mais j'ai toujours beaucoup de freins dans ce genre de situation où l'on sait que l'audience de l'album dépasse sa portée intrinsèque du fait des bons relais médiatiques. Cette critique porte-t'elle seulement sur l'ouvrage ou est-elle influencée (négativement) par le coup de pouce du statut de l'auteur, je ne saurais le dire...

Il est certain que le sujet est important, comme ces mille situations spécifiques que seule une situation exceptionnelle, la guerre, peut provoquer. L'injustice est certainement terrible et la vie des alsaciens a été très dure pendant le conflit. L'album est cependant quelque peu ambigu quand à son statut. Oeuvre d'histoire ou témoignage familial? Dans les deux cas la lecture n'est pas la même. Que Collin souhaite réhabiliter la mémoire de son grand-oncle se comprend. Que le grand public s'y intéresse peut intriguer. S'il fait oeuvre d'histoire, son traitement relativement manichéen pose question. Grob est dès le début présenté comme victime, sans que l'hésitation soit permise puisque l'un de ses camarades est montré, lui, comme un véritable volontaire bouffeur de bolcheviques et de juifs par un procédé un peu facile de comparaison.

Le cahier historique en fin d'album est assez intéressant et vient nous rappeler l'horreur absolu répandue non par les seuls SS mais bien par l'ensemble de l'armée allemande, surtout sur le Front Est où les massacres systématiques de villages entiers ont été généralisés durant tout le conflit et non de façon éparse pendant la déroute finale comme à Oradour ou Marzabotto. On nous parle aussi des Malgré-nous donc, sur qui le traitement de l'album est sérieux, traîtres putatifs pour les allemands mais enrôlés de force néanmoins.

C'est bien sur la complexité indispensable du traitement de ces zones grises que sont la détermination de la culpabilité que le scénario pose problème. Je ne parle pas de construction, sur le plan scénaristique, celle-ci est très propre, mais bien de la présentation de Grob, trop lisse, parfaite victime d'une situation qui lui échappe. Seuls les connaisseurs du dossier peuvent savoir ce qu'il en a été. Mais pour proposer ce type d'ouvrage au public il convient de rappeler les difficultés du choix, comme sur les cas de collaboration. La BD de Nury Il était une fois en France produisait sur ce point quelque chose de vraiment complexe et intéressant en obligeant le lecteur à comprendre si ce n'est accepter certaines situations, certains choix imposés par le contexte de survie, en montrant les bassesses et l’ambiguïté de chacun.

J'avais découvert le dessin de Sebastien Goethals sur Le temps des sauvages où j'avais trouvé son trait intéressant et surtout sa mise en cases dynamique malgré quelques faiblesses techniques. Ici le manque de contrastes dans les planches mets la focale sur les visages, ce qui ne mets pas le dessinateur à son avantage. Ceux-ci sont trop peu différenciés et il rencontre des difficultés dans les expressions faciales. Le scénario interdisant un traitement "camaraderie militaire" on a beaucoup de mal à s'attacher ou s'intéresser à des personnages que l'on a par ailleurs bien du mal à distinguer.

Un peu trop lisse malgré un sujet très intéressant, manquant du détachement d'historien, Le voyage de Marcel Grob rate un peu son projet en étant plus un ouvrage intime qu'un travail sur un angle mort de l'Histoire nationale.

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Les Spectaculaires est une série qui semble partie pour gagner en maturité et se bonifier à chaque album. Le second tome qui transposait l'action hors de la capitale apportait une fraîcheur qui manquait au premier, et avec ce troisième tome on monte encore d'un cran. Avec des personnages récurrents que les auteurs ont la bonne idée de faire légèrement évoluer (le plus souvent de par les améliorations de leurs costumes), on ne se repose pas sur ses lauriers des running-gags, présents mais sans l'insistance qui tuerait l'humour. On reste dans le registre qui fait le succès de la série: une bande de bras cassés qui surnagent grâce à l'intelligence de la fille du groupe, Pétronille. Hautière en profite pour placer une petite attaque féministe à l'encontre des mœurs bien paternalistes de l'époque incarnées par le Préfet de police de Paris Louis Lépine qui imagine difficilement une fille faire la nique à ses troupes et au grand méchant de l'histoire, le Marsoin.

Bien entendu, à côté de l'habillage historique (on retrouve des personnages réels et des lieux entrés dans l'imaginaire collectif dans chaque album), ce sont bien les personnages qui font le sel de la série. Avec un méchant très réussi (en mode Moriarty de Myazaki pour ceux qui connaissent), des héros totalement monolithiques pris individuellement mais proposant des scènes souvent tordantes lorsqu'ils rentrent en action, Les spectaculaires prennent l'eau est une vraie bonne lecture familiale où l'on rit sans se forcer. Signe de la prise de confiance et du plaisir des auteurs dans la réalisation de l'album, on trouve une nouveauté dans une habitude très Astérix: l'introduction de visages familiers donnés à des personnages de l'histoire (Blier ou De Funès par exemple). Dans ce monde rétro et vaguement steampunk tous les personnages semblent plus bêtes et les situations les plus absurdes les unes que les autres et le scénariste parvient néanmoins à proposer une véritable enquête policière qui se tient, à côté de nombreux comiques de situation et de langue (les palabres autour du nom du méchant, les effets imprévus de la radio de Pipolet ou le Batmobile...).

Sur le dessin, les teintes sont plutôt ternes du fait des séquences nocturnes ou pluvieuses mais le design général est toujours aussi drôle, notamment les engins sur lesquels Arnaud Poitevin semble très concentrés. La colorisation de Bouchard apporte beaucoup à ce style crayonné et cartoon qui colle parfaitement à l'ambiance déglingue et débile de ce monde naïf.

On finit par prendre ses petites habitudes avec les Spectaculaires qui mine de rien au bout de trois albums est déjà devenue une série classique dont on imagine mal un album raté. Tant que le plaisir réciproque est là il y a peu de risque.

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Très joli livre chez un éditeur, Rue de Sèvres, qui soigne ses productions. Une biblio des auteurs est présente en fin d’album et la citation de quatrième reflète parfaitement l’intrigue… au contraire de la couverture, plutôt réussie mais complètement à côté du sujet. Enfin bon, l’objet d’une couverture est d’attirer le lecteur et sur ce plan c’est efficace, la technique de Bertail faisant des étincelles. Le titre en revanche me laisse sans voix, je croyais que seuls les séries Z SF des années 70 utilisaient encore cela… pourquoi ne pas l’avoir tout simplement appelé Transcore? Une version luxe est éditée, avec un cahier graphique de 8 pages et une colorisation différente de l’album « normal », au lavis bleu habituelle de Bertail.

En 2119 l’humanité a tenté de solutionner la surpopulation et le problème climatique par l’invention de la téléportation. Désormais chacun peut se déplacer instantanément n’importe où sur Terre. Tristan, lui est un nostalgique du XXI° siècle et se méfie de Transcore. Lorsqu’il est témoin d’un meurtre la réalité de son monde semble se dérober sous ses pieds…

J’ai découvert Dominique Bertail sur Ghost Money, sa formidable série d’anticipation avec Thierry Smolderen (déjà au scénario de la fabuleuse série Gipsy avec Marini). J’y avait beaucoup aimé son trait, alliance d’hyperprécision SF et d’artisanat parfois tremblotant. Surtout sa technique de colorisation en lavis bleuté donne une atmosphère unique à ses planches, d’un professionnalisme redoutable. Sur cette dernière on retrouvait également comme point commun avec Paris 2119 l’esprit de l’Anticipation: la transposition de thèmes hyper-actuels dans un futur pas si éloigné et qui laisse loin le romantisme du Space-Opera. Comme sur les albums de Fred Duval on a affaire à un monde à la fois utopique (par les formidables outils technologiques utilisés aussi quotidiennement que nos smartphones ou enceintes Bluetooth) et dystopique dans la situation catastrophique d’Etats policiers utilisant les réseaux omniprésents pour maintenir un ordre social où les laissés pour compte pourrissent dans les bas-fonds des Cités alors que la situation climatique est apocalyptique.

L’intrigue est assez proche de celle de Klon que j’ai chroniqué l’an dernier, dans une filiation K.Dickienne évidente. La grande difficulté de la SF est qu’elle pose souvent de passionnants pitch sans savoir les résoudre. C’était un peu le problème de Klon, que réussit à éviter le scénario de Zep que je n’attendais pas à ce niveau de finesse. On retrouve dans Paris 2119 la subtilité de l’approche de Minority Report: proposer autant une intrigue paranoïaque rondement menée qu’un univers formidablement décrit et poussé. Le nombre de détails et éléments de contexte donnent véritablement corps à ce monde réaliste en s’appuyant sur un paysage parisien corrigé par le siècle mais très reconnaissable et qui aide à rapprocher ce temps du notre. Je dirais que c’est Bilal qui a ces dernières années présenté le plus de propositions de ce type mais avec ses mêmes autour du terrorisme que l’on ne retrouve pas ici. Zep a l’intelligence de se concentrer sur son unique sujet en se focalisant sur son personnage principal, très réussi dans son archétype. Cela grâce au trait de Bertail qui se passionne pour les designs futuristes, costumes et personnages toujours très différents.

C’est l’autre force de cet album, le design. L’élégance des concepts, dans un thème littéraire qui pousse au crime du mauvais goût, est permanente et contrairement à Klon donc qui virait par moments dans le kitsch, c’est bien le dessinateur qui donne vie à ces rues et couloirs de métro. On se passionne comme jamais à parcourir ces endroits connus et habillés à la mode de 2119, à transposer nos visions de 2019 dans cette extrapolation fascinante pour qui aime la Science-fiction. Tous les éléments visuels ne sont pas expliqués, laissant un peu de poésie graphique agrémentée de quelques citations (la casquette du chevaucheur d’Arzach).

Tout se lit avec grande facilité, malgré quelques rebondissements exactement placés dans le déroulé et les quelques séquences d’action sont très pêchues, tout cela étant la marque de deux auteurs en maîtrise totale de leur art. Et si la chute fera débat je la trouve personnellement très réussie, à la fois intelligente, logique et pleine d’espoir (… avec encore, une citation à Blade Runner cette fois). Paris 2119 est au final une vraie réussite que je n’attendais pas et qui me donne bien envie d’aller rattraper mon retard sur les albums de Zep-scénariste. Mon premier coup de cœur de ce début d’année, qui frôle les cinq Calvin!

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C’est par un post sur Facebook du dessinateur Éric Hérenguel que je suis tombé sur ce projet assez fou dont les images m’ont immédiatement parlé : un mélange de Mad-Max et de l’incontournable Frazetta avec pour titre Kong Crew… Kong ? Comme King Kong ? Oui chers lecteurs, cette série ambitionne ni plus ni moins de proposer une suite fantasmée à l’histoire de Kong.

Une BD franco-belge au format comics évidemment puisqu’il s’agit d’un hommage assumé a Milton Caniff et aux séries pulp d’aventure de l’Âge d’or. Au menu : des pilotes de chasse flambeurs au sourire brillant et à la répartie infinie, un Lone Wolf mystérieux, une jolie blonde au tempérament bien trempé, un journaliste et un scientifique enquêtant sur des mystères biologiques et bien sur l’armée américaine chargée de contenir le royaume de Kong…

Dès la première page un plan large en mode cinémascope nous présente le New York de 1947 : après que le gorille géant se soit échappé, Manhattan est devenue une jungle inextricable où plus personne ne peut pénétrer après l’exode décrété par le gouvernement. La cité des grattes-ciel est devenue une île sillonnée par des patrouilles aériennes, la Kong Crew, formée de têtes brûlées qui n’ont qu’un objectif, montrer aux planqués de l’Air Force qu’ils sont les héros qui abattront Kong.

En seulement 26 planches pour ce premier volume (le second sort pour Angoulême et un album au format franco-belge en couleur est prévu chez Ankama fin 2019) Éric Hérenguel parvient à nous accrocher sans perdre de temps. Sur un univers archétypal les personnages sont vite posés et ce n’est pas leur finesse qui prime mais le fonctionnement de mécanismes connus dans ce genre d’histoires. On retrouve un peu de l’esprit du Bloc 109, le succès uchronique de Brugeas et Toulhoat dans cette introduction, à la fois aérée et mystérieuse. Les thèmes proposés sont déjà nombreux et le lecteur n’attend plus que le passage à l’action suite à une césure (comme on est dans du comic on dira Cliffhanger, non ?) très efficace.

Le scénario suit en effet un groupe d’aviateurs à qui est décrit le contexte et les questions qui entourent Manhattan et que le lecteur va bien évidemment avoir très envie de découvrir et de percer à jour. Pourquoi la flore a-t’elle poussé autant en quelques années ? Qui sont ces mystérieux militaires armés de lance-flame qui sillonnent la zone interdite ? Quels dangers se cachent dans le métro où personne n’ose descendre ? Vous le saurez en lisant le prochain épisode de Kong Crew ! Le duo formé par le journaliste baroudeur et le scientifique va constater le retour à l’âge préhistorique dans Manhattan pendant que le héros tentera de survivre à des dangers qui ne sont pas que naturels: des humains auraient-ils subsisté après l’exode? Sachant alterner les séquences d’action tantôt plan large tantôt serrés et les scènes extérieures , l’auteur introduit en outre une touche d’humour via le teckel du héros qui sera amené à participer à l’aventure.

Graphiquement Hérenguel se régale et présente une maîtrise technique remarquable, que ce soient sur les cases très encrées et contrastées ou sur les lavis. Je suis toujours très attentif aux arrières-plans qui illustrent pour moi l’implication et le sérieux d’un album et ici chaque détail est travaillé, avec notamment une propreté architecturale et de perspective qui force l’admiration chez cet autodidacte (tiens, comme Toulhoat, non ?…). Son style me rappelle celui de Maître Maëster, avec la même élégance sur un cadre très pro. Surtout, les planches fourmillent de détails à la fois graphiques (les scènes « natures » de Manhattan sont magnifiques) et très inspirées quand à l’imaginaire d’aventure qui en découle. Si le premier volume reste relativement sage en matière de fantasmagorie, le second propose un gros lâchage graphique totalement issu de l’imaginaire des années 40, entre survival préhistorique et steampunk militaire.

Ce qui impressionne c’est l’équilibre d’un projet personnel qui aurait pu pousser l’auteur à se faire plaisir sur les avions ou les monstres en oubliant le liant. Ici comme dans un bon Spielberg tout est simple, lisible, cohérent et d’une lisibilité sans faille qui ne donne qu’une envie, celle de continuer. La simplicité c’est quand il y a du boulot derrière. Kong Crew a tout du projet incongru qui percute avec des attentes imaginaires et les envies d’un auteur. Porté à bouts de bras par Hérenguel avec l’aide des éditions Caurette, cette série prévue au final en deux albums BD (et 4 comics donc) est déjà vendue dans cinq pays, ce qui illustre son potentiel.

Pour les plus pressés vous pourrez vous procurer les deux premiers volumes en début d’année en version anglophone dans le format comics original qui sied particulièrement à la série. Pour les autres vous aurez le choix entre la version BD couleur et une version collector N&B, toutes deux assorties de bonus. Car quand on aime on ne compte pas !